“Twenty”, un diamante firmato Scriani Un vino che racconta 20 anni di storia di una famiglia e di un territorio

 

 

 

Tradizione e contemporaneità di stile sono caratteristiche che accomunano tutti i vini a firma Scriani e che trovano una delle massime espressioni nell’ultimo vino nato: “Twenty”. Il gioiello di famiglia. Si tratta di un Igp rosso veronese 2008 proveniente dal cuore della Valpolicella più autentica e classica, prodotto in sole 1.700 bottiglie, che celebra i 20 anni di storia aziendale. E lo fa non solo nello stile della bottiglia, ma soprattutto nel suo contenuto. Una sobria ma emozionante eleganza che parte dalla bottiglia realizzata in vetro nero satinato, che ne definisce in modo unico il layout, oltre che aiutare il vino nel percorso evolutivo preservandone al meglio le caratteristiche, arricchita da una lavorazione in etichetta in velluto nero con rilievi a effetto tridimensionale.

Il vino nasce dall’incontro e fusione perfetta di cinque varietà aziendali, ideate e scelte appositamente per il progetto da Stefano Cottini, patron dell’Azienda Scriani. Si tratta di Corvina (40%), Merlot (15%), Sangiovese (15%), Rebo (15%) e Croatina (15%). Uve raccolte e selezionate scrupolosamente nei vigneti storici dell’azienda in località Ronchiel a ovest di Fumane (VR). Dopo 10 anni di evoluzione in botti di rovere il prodotto finale è un vino che si presenta con corpo e struttura vellutata, la gradazione è di 15%, ma al contempo riesce a trovare il giusto equilibrio tra le caratteristiche di freschezza e morbidezza. È una vera e propria esplosione di matericità, con il frutto maturo che spopola tra rimandi di prugna e ciliegia, passando attraverso note delle piccole gemme del sottobosco. Non stonano, ma anzi impreziosiscono, anche i sentori terziari con echi di vaniglia e cacao. I sorsi sono al contempo slanciati, pieni e avvolgenti ma soprattutto intriganti e rotondi, con una lunga persistenza finale. Tannini eleganti, mai impertinenti, sono frutto di un sapiente uso del legno, vera culla per questo vino.

Twenty è un vino fortemente gastronomico che si sposa in abbinamento con piatti e preparazioni della tradizione, ma non solo, come arrosti, selvaggina, formaggi stagionati o carni rosse in genere. È però un vino che può essere ottimo anche bevuto “da meditazione”.

A Fumane, la famiglia Scriani da generazioni porta avanti una filosofia vitivinicola che parla di rispetto, ricerca di qualità e valorizzazione del territorio. Lo fa attraverso una produzione che nasce da vigneti, di proprietà, coltivati con dedizione, in terrazzi a muro a secco, sui pendii collinari del “Monte S. Urbano” a est e “La Costa” a ovest. Filari compresi tra i 250 e i 400 metri s.l.m. in cui i terreni, prevalentemente di medio impasto, si denotano per una spiccata presenza di calcari grigi e oceanici e tufi basaltici che permettono di qualificare e caratterizzare la produzione. Ma è soprattutto l’equilibrio ambientale curato nel campo e la presenza del bosco che permettono di ottenere vini eleganti, con autenticità al sorso.

www.scriani.it

TRIBUTE TO THE TWENTY-SIX DEAD WOMEN Giancarlo Cavallo

 

Sabato 30 e domenica 31 agosto ultimi appuntamenti con la grande poesia internazionale nei musei della Lombardia

Giancarlo Cavallo “26 – TRIBUTE TO THE TWENTY-SIX DEAD WOMEN”   Sabato 30 agosto 2025 | ore 11 Palazzo Besta, Teglio (SO)   Sabato 30 agosto 2025 | ore 21 Museo Archeologico Nazionale della Valle Camonica, Cividate Camuno (BS)   Domenica 31 agosto 2025 | ore 15 MANLo, Vigevano (PV) Il 6 novembre 2017 la nave spagnola Cantabria attracca al porto di Salerno con quattrocento migranti salvati nel Mediterraneo. A bordo ci sono anche 26 cadaveri di donne, tra i 14 e i 18 anni, presumibilmente annegate. “Il barcone è affondato e le donne purtroppo hanno avuto la peggio, in quanto soggetti più deboli”, si legge in un dispaccio dell’ANSA.   Quel numero, 26, diventa il titolo del poemetto di Giancarlo Cavallo: “26. Tribute to the twenty-six dead women“. “Se una voce nel cuore della notte, tra veglia e sonno, ti ordina di scrivere - afferma l'autore - non puoi fare altro che obbedirle. Mi sono anche chiesto se fosse giusto che io, maschio, bianco, agiato, parlassi per loro, donne, nere, spinte dal bisogno ad affrontare un viaggio che comportava un rischio mortale. Ma credo che siano state loro, dopo oltre due anni, ad avermelo chiesto, proprio quando il silenzio stava per richiudersi per sempre su di loro, come quel mare fatale. Quindi ho scritto per loro, che parlano per tutti noi, chiedendoci di restare umani”.   Lo spettacolo è gratuito con titolo di ingresso nei musei (biglietto o abbonamento annuale). Prenotazione consigliata.   INTRECCI | Poesia & Musei è un progetto della Direzione regionale Musei nazionali Lombardia in collaborazione con la Casa della Poesia di Baronissi (SA), che porta la grande poesia internazionale nei luoghi d’arte. INFORMAZIONI E PRENOTAZIONI: Palazzo Besta, Teglio Via F. Besta 8, 23036 Teglio (SO) Tel. 0342 781208 - drm-lom.palazzobesta@cultura.gov.it   Museo Archeologico Nazionale della Valle Camonica Piazzale Giacomini 2, 25040 Cividate Camuno (BS) Tel. 0364 344301 - drm-lom.mucividate@cultura.gov.it MANLo, Museo Archeologico Nazionale della Lomellina Piazza Ducale 20, 27029 Vigevano (PV) Tel. 0381 72940 - drm-lom.archeovigevano@cultura.gov.it

MUSEO VENTUNO Una piattaforma di ricerca sui musei del Ventunesimo secolo

MUSEUMS AT THE ‘POST-DIGITAL’ TURN / I MUSEI ALLA SVOLTA ‘POST-DIGITAL’

AMACI – Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani e OGR – Officine Grandi Riparazioni annunciano un convegno internazionale in programma alle OGR di Torino per affrontare una riflessione trasversale sui musei d'arte contemporanea e sui cambiamenti radicali nei modi di produrre e fruire le opere d'arte.

Il convegno è un progetto di AMACI – Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani, a cura di Lorenzo Giusti (Membro del Consiglio Direttivo AMACI e Direttore del Museo MAN di Nuoro) e Nicola Ricciardi (Direttore Artistico delle OGR di Torino).

3-4 novembre 2017, OGR – Officine Grandi Riparazioni, Torino.

Biglietto per le due giornate: € 150

Registrazioni su www.eventbrite.it

https://www.eventbrite.com/e/museum-twenty-one-museums-at-the-post-digital-turn-tickets-36353428082

Bergamo, luglio 2017 – AMACI – Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani e OGR – Officine Grandi Riparazioni di Torino annunciano Museums at The ‘Post-Digital’ Turn (I musei alla svolta ‘post-digital’) il primo convegno ideato da AMACI nell’ambito di Museo Ventuno, una nuova piattaforma di ricerca dedicata alle trasformazioni dei musei d’arte contemporanea.

Il 3 e 4 novembre 2017, alle OGR di Torino, Museums at The ‘Post-Digital’ Turn si articolerà in sette diversi momenti di approfondimento con lecture e presentazioni di Claire Bishop (Professore, CUNY Graduate Center, NY), Cécile B. Evans (Artista), Lauren Cornell (Direttore del CCS Bard’s Graduate Program e Chief Curator all’Hessel Museum of Art, NY), Liam Gillick (Artista), Boris Groys (Filosofo e Critico d’Arte), Christiane Paul (Professore Associato, School of Media Studies, The New School; Curatore Aggiunto per Digital Art, Whitney Museum, NY) e Domenico Quaranta (Critico d’Arte, Professore e Curatore). Le sessioni di approfondimento saranno condotte da moderatori come Gabriella Belli (Direttore, Fondazione Musei Civici di Venezia), Carolyn Christov-Bakargiev (Direttore, Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea e GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Torino), Lorenzo Giusti (Direttore, Museo MAN, Nuoro), Letizia Ragaglia (Direttore, MUSEION, Bolzano), Nicola Ricciardi (Direttore Artistico, OGR, Torino) e Andrea Viliani (Direttore, Museo MADRE, Napoli).

 

Il convegno includerà anche una sessione scientifica coordinata da Gail Cochrane (Dottoressa, Politecnico di Torino, Dipartimento di Architettura e Design) e Pier Paolo Peruccio (Professore, Politecnico di Torino, Dipartimento di Architettura e Design), con panel e contributi di esperti provenienti da prestigiose Università e Istituti internazionali, quali Sara Abram (Coordinatore del settore conservazione arte contemporanea, Centro Conservazione e Restauro "La Venaria Reale", Scuola di specializzazione avanzata, Torino), Lily Diaz-Kommonen (Professore, Aalto University, Helsinki), Claudio Germak (Professore, Politecnico di Torino), Cecilia Hurley-Griener (Ricercatore e docente, École du Louvre, Parigi),  Michael Grugl (Critico e Architetto, Rhode Island School of Design, Providence), Sanneke Stigter (Assistente Professore, Università di Amsterdam), Hélène Vassal (Capo delle collezioni, Centre Pompidou – Professore, École du Louvre, Parigi), Malene Vest Hansen (Professore Associato, Università di Copenhagen) e Victoria Walsh (Professore e Responsabile del programma Curating Contemporary Art, Royal College of Art, Londra).

Data la missione di AMACI – Associazione fondata nel 2003 con lo scopo di promuovere i linguaggi dell’arte contemporanea, di supportare lo sviluppo delle politiche istituzionali per il contemporaneo e di definire linee guida per una comune strategia culturale per i musei d'arte contemporanea – e la nuova e crescente necessità di analizzare le più recenti pratiche museali, Museums at the ‘Post-Digital’ Turn non intende interrogarsi su "cosa sta accadendo?" ma su una questione più urgente e durevole: "quali saranno gli scenari futuri?"

La rivoluzione tecnologica ha posto le istituzioni culturali di fronte a una sfida generazionale che le invita a riscrivere il proprio ruolo e ad aggiornare le proprie pratiche operative. Il convegno vuole affrontare un aspetto cruciale del nostro tempo, che ha portato a un cambiamento radicale nei modi di produrre e fruire le opere d'arte, mettendo il museo d'arte contemporanea di fronte alla necessità di una riflessione approfondita e trasversale. Nell’ultimo decennio le connessioni tra reti e la realtà digitale sono diventati elementi effettivi della vita quotidiana. Tali dimensioni sono state naturalizzate nel nostro modo di pensare l’esistenza, in una visione del mondo che ingloba la totalità del vivere contemporaneo, dal rapporto con gli oggetti alla strutturazione ramificata delle dinamiche sociali. L’arte e il suo sistema hanno recepito questo mutamento - la cosiddetta "svolta post-digitale" - avviando un processo di trasformazione sostanziale.

La condivisione in tempo reale di immagini e informazioni attraverso dispositivi digitali ha portato a una sempre maggiore radicalizzazione della pratica artistica, minando il concetto di unicità a favore di un principio di "interconnessione". Oggi, la visione "online" quasi sempre anticipa quella dal vero (anzi, a volte la sostituisce completamente), e un numero sempre maggiore di opere d’arte viene creato in modo specifico per essere fruito attraverso lo schermo. Le conseguenze di questo fenomeno di moltiplicazione e diffusione mettono in discussione le convenzioni espositive, le dinamiche della mediazione e i ritmi di produzione e legittimazione delle piattaforme tradizionali, a favore di processi più immediati. Il consenso, ottenibile molto più rapidamente che in passato, sembra essere sempre meno espressione di giudizi elaborati e sempre più un problema collettivo di visibilità, di sopravvivenza dell'immagine all'interno del web. Una sfera, quella online, che, in relazione al processo di progressiva integrazione tra spazio fisico e digitale, emerge sempre più come luogo materiale: non una zona virtuale, un'alternativa alla realtà, ma qualcosa di concreto che permea il nostro quotidiano. Non sorprende dunque che all’incursione dei network digitali nelle diverse fasi di produzione e fruizione dell’opera d’arte non stia corrispondendo una nuova fase del percorso di dematerializzazione avviato dalle neoavanguardie, bensì una reinterpretazione del pensiero realista e materialista – da parte di artisti, critici e curatori – in alternativa agli approcci postmodernisti e post-strutturalisti.

All’interno di questa cornice di riferimento, studiosi e esperti invitati da tutto il mondo si confronteranno attorno ad alcuni quesiti fondamentali:

• cosa ha in serbo il futuro per il museo?
• che ruolo può giocare il museo come istituzione nello spazio fisico del web?
• quali cambiamenti sono in atto nelle pratiche curatoriali, nelle strategie espositive, nelle politiche di raccolta, collezionismo e conservazione, nelle tecniche di mediazione e nei sistemi di insegnamento?
• come è cambiata la relazione con il pubblico e quanto continuerà a cambiare negli anni a venire?
• quali risultati – in termini di consenso, incidenza, capacità persuasiva e critica dei progetti museali – è giusto aspettarsi da un sistema di fruizione e ratifica sempre più "esternalizzato"?
• quale ruolo potrà giocare la storia dell’arte negli anni a venire e in che modo dialogherà con l’azione sempre più fluida dei musei?

 

Il convegno sarà ospitato all'interno delle OGR - Officine Grandi Riparazioni di Torino, nuovo centro di produzione culturale e di sperimentazione interdisciplinare di oltre 35.000 metri quadrati, che inaugurerà il 30 settembre 2017 grazie al sostegno fondamentale della Fondazione CRT. L'approfondita esplorazione dei vari ambiti di funzionamento del museo d'arte contemporanea è un tema fondamentale sia del convegno che del luogo che ospiterà l'evento. OGR è infatti il risultato dell'ambizione di riunire due anime, quella della ricerca artistica e quella dell'innovazione, mettendo assieme le idee e i valori della creatività con gli strumenti e i linguaggi delle nuove tecnologie all'interno di un suggestivo scenario architettonico post-industriale.

Il convegno si terrà in inglese, con la possibilità di traduzione simultanea in italiano.

Gli atti verranno pubblicati da Mousse Publishing in due lingue come parte del primo numero della collana dal titolo Museo Ventuno – Museum Twenty One.

Il convegno è realizzato con il patrocinio della Rappresentanza in Italia della Commissione europea, del Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo, di ICOM Italia, della Regione Piemonte e del Comune di Torino.

riparAzioni dialoghi d’arte, cultura e società Venerdì 23 giugno, ore 17 Incontro con Nora Krug Accademia di Belle Arti di Bologna, Aula Magna Via Belle Arti 54, Bologna

 

Il sesto e ultimo appuntamento del ciclo di incontri riparAzioni, con grandi protagonisti dell’arte e della cultura internazionale, vedrà la partecipazione dell'illustratrice tedesco-americana Nora Krug.

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Venerdì 23 giugno 2023 alle ore 17, si conclude il ciclo di incontri riparAzioni: dialoghi d’arte, cultura e società con il sesto e ultimo appuntamento che vedrà protagonista l'autrice di storie a fumetti e illustratrice tedesco-americana Nora Krug.    Dopo diverse pubblicazioni a fumetti e illustrate, Nora Krug, ha trovato con la sua pluripremiata graphic novel  Heimat (Einaudi, 2019) una forma personale per raccontare a disegni e parole la Storia e le tragedie del presente. Racconto autobiografico, memoir, ricerca storica, riflessione filosofica, narrazione diventano tutt’uno e trovano la forma privilegiata in un linguaggio ibrido, tra fumetto illustrazione e collage, che rende al meglio il nostro smarrimento di fronte alla frammentazione della memoria e del presente e la necessità di cercare comunque un percorso di senso che ci aiuti a vivere e ricordare.    Con Heimat, Nora Krug si è imposta tra le protagoniste del fumetto contemporaneo internazionale. Il racconto autobiografico della sua ricerca storica sulle possibili connivenze della famiglia con il regime nazista è infatti stato pubblicato in sedici lingue e ha ottenuto numerosi riconoscimenti tra cui quello come Miglior Libro del 2018 per il “New York Times”, “The Guardian”, “San Francisco Chronicle”. Il lavoro di Nora Krug è stato esposto a livello internazionale, anche con mostre personali alla NY Society of Illustrators e al Norman Rockwell Museum, e le sue animazioni sono state mostrate al Sundance Film Festival. Più recentemente, insieme allo storico di Yale Timothy Snyder, ha pubblicato l'edizione illustrata di On Tyranny: Twenty Lessons From the Twentieth Century, in uscita ora anche in Italia per Rizzoli Lizard con il titolo L’era dei tiranni. L’opera le è valsa una medaglia d'oro dalla Society of Illustrators e una medaglia d'argento dall'Art Directors Club di New York ed è stata nominata Miglior graphic novel del 2021 dal “New York Times”. Ha appena concluso il suo nuovo libro dedicato all’invasione dell’Ucraina da parte della Russia, un diario visivo basato sulle testimonianze dirette di un giornalista di Kiev e un artista di San Pietroburgo.     riparAzioni: dialoghi d’arte, cultura e società è un ciclo di sei incontri a cura di Lucrezia Ercoli, Maura Pozzati ed Emilio Varrà, con grandi protagonisti dell’arte e della cultura internazionale: il filosofo Emanuele Coccia, il collettivo artistico ruangrupa, il regista e drammaturgo teatrale Armando Punzo, l’artista Adelita Husni-Bey, l’illustratrice Nora Krug e la regista Alice Rohrwacher.   Il programma di conferenze, nato dall’idea che l’arte – nelle sue diverse forme e discipline culturali – sia un processo creativo capace di riparare e colmare le fratture e gli strappi del reale, si svolge nell’ambito del progetto RiparAzioni – rielaborare ad arte, ideato dall’Accademia per il programma PON Metro 14-20, Programma Operativo Nazionale Città Metropolitane del Comune di Bologna, finanziato dall’Unione Europea e dedicato allo sviluppo urbano sostenibile.   Ingresso libero fino a esaurimento posti.

MA*GA e Saporiti Italia in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Brera annunciano gli studenti premiati per il progetto creativo My Miamina

 

50 studenti dell’Accademia di Brera sono stati coinvolti nella rielaborazione del tessuto dell’iconica seduta Miamina. I loro progetti sono esposti al MA*GA di Gallarate fino al 27 ottobre 2024 in occasione delle mostre Arte e design. Design è arte e HYPERDESIGN.   Progetti vincitori: Nurys Mini – Tracce Ying Lin – Accolto Valentina Achilli – Mio blu (da Erotica, 1981)   Menzioni speciali: Daria Mikhailova – L'uccello che mangiò il cielo Alice Zeni – F.T. II MY MIAMINA ©Stefano Anzini Annunciati gli studenti premiati nell’ambito del progetto creativo di textile design My Miamina, promosso da Saporiti Italia e MA*GA di Gallarate (VA) in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Brera, che ha coinvolto 50 studenti dell’accademia milanese nella rielaborazione del tessuto dell’iconica seduta Miamina. Tre i vincitori: Nurys Mini (indirizzo Decorazione) con il progetto Tracce, Ying Lin (indirizzo Pittura) con Accolto e Valentina Achilli (indirizzo Pittura) con Mio blu (da Erotica, 1981). Due le menzioni speciali assegnate ai progetti L'uccello che mangiò il cielo della studentessa Daria Mikhailova (indirizzo Pittura) e F.T. II di Alice Zeni (indirizzo Pittura).   Ai primi tre classificati Saporiti Italia assegna una borsa di studio di €1.000, mentre il MA*GA dona un anno di membership AMICI del MA*GA Young. Gli elaborati vincitori sono stati utilizzati per realizzare tre esemplari unici delle sedute. Tutte le 50 riedizioni del tessuto della Miamina ideate dagli studenti dell’Accademia di Brera sono presentate al Museo MA*GA di Gallarate dal 18 al 27 ottobre 2024 in occasione delle mostre in corso (13 ottobre 2024 – 2 marzo 2025) Arte e design. Design è arte e HYPERDESIGN. XXVII edizione del Premio Gallarate, di cui Saporiti Italia è Main Partner. Due percorsi espositivi paralleli e complementari: il primo, ideato da Philippe Daverio e curato da Emma Zanella, Vittoria Broggini e Alessandro Castiglioni, è dedicato al dialogo tra arti visive e design tra il secondo dopoguerra e lo scorcio del secolo scorso; il secondo, a cura di Chiara Alessi, è riservato invece ai progetti e ai processi del design dopo gli anni zero. MY MIAMINA, allestimento, MA*GA ©Stefano Anzini I progetti premiati sono stati selezionati dalla commissione nominata dagli enti promotori – Saporiti Italia, MA*GA e Accademia di Brera – che ha valutato le rielaborazioni più interessanti del tessuto della seduta, elemento formale e strutturale chiave della Miamina, tenendo conto dell’originalità, della qualità tecnica e poetica, del grado di innovazione e ricerca di nuove soluzioni progettuali legate all’identità della seduta.   L’obiettivo del progetto creativo My Miamina è quello di valorizzare la qualità progettuale che contraddistingue la produzione italiana legata al mondo dell’arte e del design attraverso la relazione tra arte, design ed educazione, rispettivamente rappresentati dai tre soggetti coinvolti. Gli studenti sono stati accompagnati in un percorso formativo con momenti propedeutici, visita alle collezioni del Museo MA*GA e all’archivio Saporiti Italia per arrivare a ideare una loro personale reinterpretazione del tessuto della seduta, fondamentale elemento formale e strutturale della Miamina.   Presentata per la prima volta nel 1983 nello showroom Saporiti Italia di Miami, città dalla quale prende il nome, la seduta Miamina ha ricevuto la menzione d’onore al Premio Compasso d’Oro nel 1985. La prima edizione viene realizzata con una serie di tessuti, creati appositamente da Ottavio e Rosita Missoni, amplificando il rapporto fra arte, architettura e design attraverso l’uso del colore. Negli anni, il tessuto della seduta è stato disegnato e rielaborato da Guido Pasquali, Gegia Bronzini e molti altri ancora. Più di recente, nell’ottobre 2023, la Miamina è stata protagonista della mostra “Art Colors Design” all’ADI Design Museum di Milano sia nelle versioni storiche, sia in una edizione speciale di 20 pezzi unici “Twenty Cities” dedicati alle “città Saporiti” con originali teli e ricami creati dall’artista tessile FoscaMilano. Mentre, in occasione della Milano Design Week 2024, è stata presentata a Palazzo Lombardia – all’interno della straordinaria struttura piramidale che sarà inviata a fine anno da EV-K2-CNR in Nepal al Campo base per le ascensioni al monte Everest e al K2 – nelle versioni rielaborate dagli studenti del Dubai Institute of Design and Innovation e di POLI.design Milano – risultati del progetto “Saporiti Design Experience” – accanto alla Miamina EV-K2-CNR disegnata nel 1990 da Bob Noorda. MY MIAMINA, Emma Zanella, direttrice MA*GA, Raffaele Saporiti, Saporiti Italia, Anna Mariani, Vicedirettrice Accademia di Brera, Francesca Chiara, MA*GA ©Stefano Anzini

“L’arte ha avuto sempre un importante ruolo di stimolo e di ispirazione per la Saporiti Italia. – afferma Raffaele Saporiti, presidente e amministratore delegato di Saporiti Italia S.p.A. – Dall’inizio degli anni 2000 l’arte è diventata un vero e proprio obiettivo di progettazione per la Saporiti Italia, con la creazione del progetto “Inside Art” che ha l’obiettivo di creare oggetti concepiti in funzione degli spazi dell’arte. Inside Art ha portato a ideare e costruire oggetti per spazi quali il museo MA*GA, Fondazione Arnaldo Pomodoro, Museo del ‘900, OGR Torino, Biennale di Venezia, MAN Nuoro, Shanghai Art ed altri ancora”. “Inside Art – conclude Raffaele Saporiti – ha dunque per noi un importante valore “tecnico”, ma ha un ancor più importante valore “culturale e sociale”, perché ci permette di comunicare le nostre attività di design sostenendo al tempo stesso i luoghi dell’arte e della cultura. Siamo veramente grati al Museo MA*GA e all’Accademia di Belle Arti di Brera per questa collaborazione che, attraverso il coinvolgimento degli studenti, rappresenta per noi un’occasione straordinaria per confrontare nuovamente i processi e i metodi del design con le prospettive innovative e visionarie dell’arte”.   “Il progetto My Miamina si inserisce in una fruttuosa collaborazione pluriennale tra MA*GA e Saporiti Italia, due eccellenze del territorio lombardo, a dimostrazione di quanto sia fondamentale, oggi, promuovere le relazioni tra arte e impresa all’insegna dei valori di innovazione, sostenibilità e inclusività” – commenta Emma Zanella, direttrice del MA*GA -. “Questa partnership virtuosa si arricchisce oggi con l’intervento dell’Accademia di Brera, che rappresenta per noi l‘alleato migliore per valorizzare la qualità progettuale che contraddistingue la ricerca e produzione italiana legata al mondo dell’arte e del design.”   “Siamo entusiasti della collaborazione con Museo MA*GA e Saporiti Italia che hanno scelto l’Accademia per realizzare un progetto educativo e creativo che mostra non solo l’ottima sinergia fra pubblico e privato ma diventa laboratorio formativo di ricerca, contemporaneità e interdisciplinarità per gli studenti”, ha detto Dany Vescovi, docente e responsabile del progetto per l’Accademia di Brera. I progetti premiati I tre vincitori MY MIAMINA, Nurys Mini ©Stefano Anzini

Il progetto Tracce di Nurys Mini (indirizzo Decorazione) è stato realizzato utilizzando la tecnica della cianotipia su stoffa, un antico metodo di stampa fotografica caratterizzata dal tipico colore blu di Prussia. Diversi tessuti sono stati utilizzati come negativi per creare un gioco di sovrapposizioni, tracce e trasparenze. Queste immagini sono state rese visibili tramite l’esposizione della stoffa sensibilizzata ad una fonte di luce ultravioletta. Su queste forme morbide è stato poi creato un contrasto attraverso un ricamo di colore rosso. MY MIAMINA, Ying Lin ©Stefano Anzini L’elaborato Accolto di Ying Lin (indirizzo Pittura) nasce da una riflessione sulla sedia come oggetto comune e quotidiano, pensato per offrire momenti di riposo oppure di condivisione. La seduta è caratterizzata da elementi circolari che rimandano alla convivialità, ai bambini seduti in cerchio o al tavolo circolare orientale, intorno al quale ci si riunisce per mangiare. Al progetto sono infatti associate delle piccole ciotole in ceramica. MY MIAMINA, Valentina Achilli ©Stefano Anzini Infine, la studentessa Valentina Achilli (indirizzo Pittura) per il progetto Mio blu (da Erotica, 1981) ricama sul tessuto della seduta le parole della poesia “Mio blu” di Ghiannis Ritsos, che racconta la relazione tra due amanti che si sentono compresi e contenuti l’uno dall’altro. Il progetto si ispira infatti ai concetti di cura e accoglienza. La Miamina si trasforma così in un “bagno di parole”, termine con cui lo psichiatra francese Didier Anzieu indica una componente importante dello sviluppo infantile, cioè quel fenomeno per il quale il suono della voce della madre, insieme alla manipolazione e alla componente tattile, creano una sorta di “involucro” che permette al bambino di sentirsi contenuto, e di maturare piano piano la consapevolezza di avere un “limite” corporeo; di percepire la distinzione tra ciò che “io sono” e tutto ciò che è “altro da me”. Le due menzioni speciali Il primo progetto - L’uccello che mangiò il cielo della studentessa Daria Mikhailova (indirizzo Pittura) - è pensato per funzionare in maniera bidimensionale e tridimensionale. Sul lato posteriore della sedia è stato dipinto un uccello, mentre sul lato anteriore un cielo. Quando la sedia è chiusa, i quattro angoli posteriori di colore porpora si uniscono nel comporre il becco di un uccello: nel movimento di chiusura, quindi, la sedia si trasforma in un uccello che inghiotte il cielo, per simboleggiare la forza distruttiva della natura umana.     Il secondo - F.T. II di Alice Zeni (indirizzo Pittura) - utilizza la tecnica dell’olio su tela per realizzare un’immagine non definita, che propone una visione diversa, più lenta e riflessiva. Il lavoro della studentessa attinge da una ricerca fotografica alterata, rielaborata in un secondo tempo anche in fase pittorica e il progetto, quindi, è il risultato di una manipolazione doppia (in fase fotografica prima e in quella pittorica dopo).