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martedì 10 novembre 2026
Giornate di studio Morandi vivo. Contributi e approfondimenti 25-26 novembre 2026 Palazzo Pepoli | Museo Morandi Bologna
MONTALBERA PROTAGONISTA AL 35° MERANO WINEFESTIVAL: 35 SCIABOLATE SUL PONTE LENOIR PER CELEBRARE IL 140+1®
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WE ARE OUR SPOILER continua a illuminare Treviso: prorogato al 14 novembre il progetto di Aliteia, con tre delle quattro installazioni ancora visibili in città
La scrittura disgrafica di Aliteia continua a trasformarsi in luce, attraverso tre installazioni che intrecciano paesaggio urbano, architettura e partecipazione.
a cura di Valentina Tomio e Alisia Viola
Fino al 14 novembre 2026 Treviso
Il progetto, realizzato per la ventesima edizione di 4passi Festival, intreccia scrittura disgrafica, installazioni al neon e partecipazione sonora. |
.jpg "Aliteia, WE ARE OUR SPOILER, 2026. Treviso ph Sharif") |
WE ARE OUR SPOILER attraversa il centro storico di Treviso con le installazioni dell’artista Aliteia (Alice Babolin), realizzate nell’ambito della ventesima edizione di 4passi Festival, dedicata al tema “SPOILER”. Inizialmente previsto fino al 9 novembre, il progetto è stato prorogato al 14 novembre grazie al positivo riscontro del pubblico. Sarà quindi possibile ammirare ancora tre delle quattro installazioni, che offrono l’occasione di scoprire e vivere un percorso capace di intrecciare scrittura disgrafica, luce, suono e partecipazione, lanciando un messaggio di speranza: "Immaginare il futuro è ancora possibile". Un grande occhio luminoso affacciato sull’acqua della Pescheria, parole sospese tra i palazzi di Calmaggiore e una scritta che si deforma nel riflesso di un canale: tre interventi artistici che dialogano con gli spazi della città e invitano a guardare il futuro da nuove prospettive.
Elemento distintivo del progetto è la scrittura disgrafica di Aliteia, trasferita dalla dimensione personale del gesto alla scala monumentale dell’installazione urbana. Le lettere conservano l’irregolarità e l’immediatezza del tratto dell’artista, trasformando una caratteristica individuale in un linguaggio visivo riconoscibile. Una scelta che attraversa la sua ricerca sulla fragilità, sui corpi non conformi e sulla possibilità di riconoscere nella diversità un valore espressivo.
Le opere si inseriscono in luoghi precisi della città, coinvolgendo le architetture, i canali e i percorsi quotidiani. L’acqua modifica la percezione delle scritte, le facciate storiche ne definiscono la scala, mentre il movimento dei passanti introduce una dimensione temporale nella lettura delle installazioni. La città partecipa così alla costruzione del significato delle opere, attraverso le caratteristiche fisiche dei suoi spazi. |
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Alla Pescheria, CLOSE YOUR EYES TO SEE FLOWERS presenta un grande occhio luminoso blu, all’interno del quale piccoli fiori di luce sembrano emergere dall’acqua. La frase, “Chiudi gli occhi per vedere i fiori”, mette in relazione percezione e immaginazione. I fiori richiamano la biodiversità fragile e spontanea, ma anche persone, emozioni e possibilità che rimangono ai margini dell’attenzione. L’occhio diventa una soglia simbolica, attraverso cui ripensare ciò che abitualmente consideriamo visibile.
Al Ponte dei Buranelli, DON’T TRUST THE SURFACE si costruisce intorno al rapporto tra una scritta luminosa sospesa sull’acqua e la sua immagine riflessa. Il movimento del canale altera le lettere, frammenta le parole e rende instabile la loro leggibilità. Questa distorsione concreta introduce una riflessione sulla circolazione delle informazioni e sulla distanza tra apparenza e verità. Notizie, dati e opinioni richiedono attenzione e capacità di verifica. L’acqua diventa così parte attiva dell’opera, rendendo visibile la necessità di esercitare uno sguardo critico.
Lungo Calmaggiore, verso Piazza dei Signori, I’M NOT PERFECT, I’M A PERSON si sviluppa attraverso due grandi scritte luminose sospese tra le facciate dei palazzi. La frase si compone progressivamente nel movimento dei passanti: dalla dichiarazione di imperfezione, “I’m not perfect”, all’affermazione di identità e dignità, “I’m a person”. L’opera nasce all’interno di The Ballad of Human Mutations, il progetto multidisciplinare di Aliteia dedicato ai corpi non conformi, alla fragilità e alla possibilità di rendere visibile ciò che abitualmente viene nascosto. Già presentata alla GAMC di Riccione, alla Fondazione Banco di Napoli e, più recentemente, nella Sala del Basolato di Fiesole, la frase assume a Treviso per la prima volta la forma di un’installazione luminosa nello spazio pubblico. La grafia irregolare dell’artista rafforza il contenuto del lavoro, sottraendo l’idea di identità ai modelli di perfezione e uniformità. |
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Il progetto si inserisce nel tema della ventesima edizione di 4passi Festival attraverso quattro questioni del presente: l’attenzione verso ciò che rimane invisibile, la capacità di distinguere l’informazione dalla sua apparenza, il riconoscimento delle differenze e la responsabilità collettiva. |
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L’ARTISTA ALITEIA, nome d’arte di Alice Babolin, è un’artista italiana la cui ricerca attraversa fotografia, scultura, installazione, performance, scrittura e pittura. Il suo lavoro indaga fragilità, differenza, corpo e autodeterminazione. Il progetto multidisciplinare The Ballad of Human Mutations è stato presentato in diverse sedi espositive italiane, tra cui la Fabbrica del Vapore di Milano, la GAMC di Riccione, la Fondazione Banco di Napoli e la Sala del Basolato di Fiesole. Nel 2026 la sua ricerca è stata presentata nell’ambito di Basel Social Club, durante la settimana dell’arte di Basilea, ed è stata selezionata per Diffusissima Torino Art Week.
Instagram: @aliteia_art |
INFORMAZIONI WE ARE OUR SPOILER. Quattro installazioni artistiche Artista: ALITEIA (Alice Babolin) Periodo espositivo: Fino al 14 novembre 2026 (data prorogata) Ingresso libero
Le installazioni CLOSE YOUR EYES TO SEE FLOWERS, Pescheria |
Pan de Toni, il Natale di WAR si brinda con una birra ispirata al panettone milanese
Dal 7 dicembre
torna Pan de Toni la birra natalizia nata dal progetto condiviso con Pavè
Cassina de’ Pecchi (Mi), 19 ottobre
2026
– Per WAR, il Natale comincia con Pan de Toni. A partire dal 7
dicembre, giorno di Sant'Ambrogio, torna la birra che interpreta in chiave
brassicola uno dei simboli più riconoscibili della tradizione milanese. Una
ricetta che unisce la cultura birraria belga agli ingredienti del panettone,
trasformando un classico delle feste in un'esperienza di degustazione da
condividere a fine pasto o nei momenti di convivialità.
Pan de Toni si ispira alle Quadrupel
belghe, birre strutturate e di carattere, e ne reinterpreta il profilo
attraverso vaniglia, uvetta, arancia e cedro canditi. Ne nasce una birra
complessa, corposa e avvolgente, con una gradazione alcolica del 10,5% vol. e
note calde di spezie, caramello e miele di castagno. Una proposta pensata per
una degustazione lenta, in cui la ricchezza aromatica incontra l'immaginario e
i sapori del Natale.
«Con Pan de Toni ci piace celebrare il
momento in cui il Natale entra davvero nelle nostre case e nelle nostre
abitudini. È un progetto che ci permette di esplorare nuove strade partendo da
sapori familiari, reinterpretandoli attraverso il nostro modo di fare birra. Il
risultato è qualcosa che parla di tradizione, ma senza rinunciare alla
sperimentazione. E il fatto di poterlo condividere, anno dopo anno, con una
realtà come Pavè rende questo progetto ancora più significativo», racconta Francesco
Radaelli, titolare di WAR.
Fondato nel 2017 a Cassina de' Pecchi,
nell'hinterland milanese, WAR è un birrificio agricolo indipendente nato
all'interno dell'azienda agricola di famiglia. Il legame con la terra
rappresenta una componente importante del suo progetto produttivo: il
birrificio coltiva direttamente i propri cereali e produce gran parte del malto
utilizzato nelle sue birre, seguendo da vicino il percorso che porta dalla
materia prima al prodotto finito. Accanto alla ricerca sugli ingredienti, la
sperimentazione di stili e ricette contribuisce a definire l'identità del
birrificio.
Il progetto Pan de Toni nasce dalla
collaborazione con Pavè, realtà milanese con cui WAR condivide questo
percorso da tre anni. Il legame tra i due prodotti trova espressione anche nel
modo in cui la birra viene proposta: sia presso il birrificio sia nei locali
Pavè, Pan de Toni può essere degustata in abbinamento a una fetta di panettone
firmato Pavè. Un incontro che mette insieme due interpretazioni dello stesso
immaginario natalizio, tra tradizione pasticcera e cultura brassicola.
Pan de Toni sarà disponibile dal 7 dicembre
sullo shop online del Birrificio WAR, direttamente presso il birrificio a
Cassina de' Pecchi e in tutti i locali Pavè di Milano. Si potrà acquistare in
lattina singola oppure nelle classiche confezioni da quattro lattine.
About
Birrificio WAR
Fondato nel 2017 da Francesco Radaelli
presso l’Azienda Agricola di famiglia a Cassina de’ Pecchi, Birrificio WAR è un
birrificio agricolo indipendente che trasforma l’orzo coltivato direttamente in
birra artigianale. Con oltre l’80% del malto prodotto internamente e una
gestione diretta di tutte le lavorazioni, WAR coniuga tradizione agricola e
innovazione sostenibile. Il birrificio utilizza lattine riciclabili per
garantire qualità, trasportabilità e sostenibilità ambientale. Dalla pandemia,
WAR si è concentrato su una produzione più mirata e sperimentale, con birre
One-Shot mensili e una gamma che unisce creatività e attenzione alla materia
prima.
Birrificio WAR
Cascina San Moro, Cassina de’ Pecchi (MI)
Taproom:
Mer – Dom, 17:00/00:00
info@birrificiowar.it
351-6521000
birrificiowar.it
ELEZIONI USA: BOTTEGA (PROSECCO), 'NON FACCIAMOCI ILLUSIONI. I DAZI RESTERANNO'
«Chi dice che dopo il voto tutto torna come prima mente»
Bibano di Godega, 10 novembre 2026 - «Il 3 novembre i Democratici hanno vinto Camera e Senato. In Italia in molti hanno brindato: "Ora finiscono i dazi". Sbagliato. Il nuovo Congresso si insedia il 3 gennaio 2027. Trump resta presidente e ha il veto. Al Senato i Democratici sono a 54 seggi, per superare il filibuster ne servono 60. Non li hanno. E poi i dazi di oggi non sono più un capriccio di Trump. Dopo la bocciatura della Corte Suprema a febbraio, Washington li ha ricostruiti con altre leggi. Per il vino europeo il peso è intorno al 10%. È una struttura legale. Non si smonta in una notte. L'America ha votato contro il caro-vita, è vero. Ma tra il segnale delle urne e la cancellazione dei dazi c'è in mezzo la politica di Washington, che non ha mai avuto fretta di aiutare il vino italiano». Lo dice Sandro Bottega, presidente di Bottega S.p.A, azienda vitivinicola veneta che esporta Prosecco in oltre 150 Paesi in tutto il mondo. «Negli ultimi 18 mesi il vino italiano in USA ha perso oltre 300 milioni tra dazi e dollaro debole. Il Prosecco ha tenuto meglio di tutti, perché il consumatore americano non ha smesso di volerlo. Ha smesso di accettare di pagarlo a prezzi assurdi. Il dazio non lo paga il produttore di Valdobbiadene. Lo paga il ristoratore di New York, lo paga la ragazza di Miami che vuole un bicchiere di Prosecco e trova il conto più alto». La ricetta di Bottega è chiara: non aspettare nessuno e rimboccarsi le maniche. Alzare il valore, non i prezzi. Vintage, Cartizze, annate che invecchiano. E diversificare: «USA primo mercato, ma siamo attivi in oltre 150 Paesi. E ci teniamo a restare in America. Io non aspetto che un politico mi tolga i dazi. Faccio in modo che il mio Prosecco valga talmente tanto che l'americano continui a sceglierlo anche con i dazi. Il resto purtroppo, al momento, sono illusioni», conclude Sandro Bottega.
DA DOMANI APRE AL PUBBLICO LA MOSTRA “ALPHONSE MUCHA”
"ALPHONSE MUCHA"
Palazzo Mazzetti, Asti
11 novembre 2026 – 2 maggio 2027
Il fascino raffinato dell’Art Nouveau e i capolavori immortali di Alphonse Mucha
COMUNICATO STAMPA
Dall’11 novembre 2026 al 2 maggio 2027, Palazzo Mazzetti ad Asti si trasforma nel tempio dell’Art Nouveau presentando la retrospettiva dedicata ad Alphonse Mucha (Ivančice, 24 luglio 1860 – Praga, 14 luglio 1939), artista ceco, padre e maestro indiscusso di quello stile raffinato e sensuale che ha rivoluzionato le arti applicate e la visione estetica tra fine Ottocento e inizio Novecento.
La mostra, attraverso oltre 110 opere, propone una rilettura della sua opera che va ben oltre la classica definizione di maestro del Liberty.
Mediante i suoi celebri manifesti teatrali, pannelli decorativi, calendari e illustrazioni – testimoni di un’epoca in cui l’arte si fondeva con la vita quotidiana e ne impreziosiva ogni gesto – la mostra restituisce la complessità dell’intera produzione di Mucha attraverso una chiave di lettura originale: su tutto, Mucha è colui che ha saputo reinventare l’immagine femminile nell’arte, trasformandola in icona di grazia e forza, protagonista indiscutibile di un linguaggio decorativo che ancora oggi ispira il mondo della moda, della grafica, del design e persino della modernissima arte del tatuaggio.
Le sue figure femminili, oggi tra le immagini più celebri della Belle Époque, diventano un simbolo, luogo di incontro tra arte e comunicazione, memoria, desiderio e modernità.
Attraverso di loro Mucha racconta il teatro, la pubblicità, la nascita del marchio moderno, la fotografia, la natura, la spiritualità, l’identità nazionale e il rapporto tra arte e società e in mostra figurano tutti i suoi capolavori tra cui Gismonda (1894), Médée (1898), JOB (1896), le rinomate serie Le Stagioni (1896) e Le Pietre Preziose (1900), fino ai preziosi studi per l’Epopea Slava.
Nato in Moravia nel 1860, dopo gli studi tra Vienna, Monaco e l’Italia, Mucha si trasferisce nel 1887 a Parigi, centro pulsante della modernità europea tra teatri, boulevard e grandi esposizioni universali: un contesto destinato a trasformare profondamente il suo linguaggio artistico.
Il momento di svolta arriva grazie all’incontro con la donna che cambierà per sempre il suo destino: Sarah Bernhardt, l’attrice più celebre e affascinante del tempo. La “divina Sarah” affida a Mucha la cura della propria immagine, un sodalizio che lo rende popolarissimo in pochissimo tempo. Oltre alla Bernhardt (immortalata in capolavori teatrali come la Medea), le protagoniste delle sue opere diventano grandi icone del palcoscenico come Ethel Barrimore, Leslie Carter, Maude Adams e Halide Edip Adivar.
Attraverso queste muse nasce il mito delle “donne di Mucha”. Con un tocco leggero, l’artista dà vita a una forma di comunicazione visiva completamente nuova, capace di trasformare la nascente pubblicità in un’arte alla portata di tutti, visibile ogni giorno sui muri delle strade.
Da quel momento nasce il celebre “Stile Mucha”: linee sinuose, motivi floreali, eleganti decorazioni e figure femminili monumentali conquistano rapidamente Parigi e il resto d’Europa. Ma dietro la straordinaria forza decorativa delle sue opere si cela un progetto molto più complesso. Nei suoi manifesti il prodotto non è mai il vero protagonista: profumi, champagne, biscotti, riviste o biciclette diventano occasioni per costruire universi visivi coerenti, nei quali la figura femminile trasforma il marchio in esperienza, desiderio e riconoscibilità. In questo senso, Mucha anticipa alcuni dei principi fondamentali della moderna identità visiva.
Dopo il travolgente successo internazionale e i soggiorni negli Stati Uniti, Mucha sente l’esigenza profonda di volgere lo sguardo e il cuore verso la propria terra d’origine. Mosso da un ardente sentimento patriottico e dall’ideale di unire idealmente tutte le nazioni slave, l’artista consacra la maturità della sua vita al progetto più ambizioso e intimo della sua carriera: l’Epopea Slava, il monumentale ciclo pittorico concepito per celebrare la storia, il folklore e le radici spirituali del suo popolo. In questa grande narrazione, la figura femminile abbandona i panni di musa del teatro, della pubblicità o della natura per rivestire un valore fortemente simbolico e civile, facendosi allegoria della patria, della memoria collettiva e della libertà.
Ospite d’onore assoluto della mostra ad Asti sarà proprio uno straordinario bozzetto preparatorio per l’Epopea Slava: un’opera monumentale di ben tre metri d’altezza che, per la sua eccezionale rilevanza artistica e storica, sarà allestita in una cornice di grande prestigio come il Salone d’Onore di Palazzo Mazzetti, offrendo ai visitatori un’esperienza di grande impatto emotivo e solennità.
A rendere il percorso espositivo ancora più ricco e suggestivo è un dialogo con la storia dell’arte italiana, grazie a una speciale sezione curata da Annamaria Bava. La selezione presenta eccezionali capolavori provenienti da collezioni pubbliche e private piemontesi che spaziano dal Seicento al Novecento: tra questi, la Musa Polimnia (1620 ca.) di Antiveduto Gramatica dei Musei Reali di Torino, il celebre ritratto di Virginia Oldoini, contessa di Castiglione (1862) di Michele Gordigiani proveniente dalle Residenze Reali Sabaude, La Sirena (Abisso verde) di Giulio Aristide Sartorio della GAM di Torino, La Sfinge di Leonardo Bistolfi della Gipsoteca di Casale Monferrato, opere di intensa suggestione simbolista, e il sontuoso Nudo di donna (1915 ca.) di Giacomo Grosso dell’Accademia Albertina, solo per citarne alcune. Il tutto è integrato da arredi, oggetti d’arte applicata e fotografie d’epoca.
L’allestimento è concepito come un’esperienza totalmente immersiva: un viaggio temporale in cui luci, profumi, cromie e sonorità avvolgono il visitatore, restituendo l’atmosfera vibrante di un’epoca che ha saputo fare dell’arte un elemento integrante della vita quotidiana.
Infine, a completare ed arricchire il percorso espositivo, una speciale sezione allestita nel fascino suggestivo degli spazi sotterranei del Museo è interamente dedicata al Liberty astigiano. La mostra offre così l’opportunità di riscoprire come, tra la fine dell’Ottocento e i primi del Novecento, l’ondata di rinnovamento estetico diffusa da Mucha e dall’Art Nouveau abbia lasciato una traccia profonda e raffinata anche nell’architettura, nelle arti applicate e nel tessuto urbano di Asti. Attraverso dettagli decorativi e testimonianze dell’epoca, questa sezione racconta il fiorire di una stagione di grande fermento culturale e modernità per la città, guidata dall’intraprendenza della borghesia locale e dall’ingegno di architetti e artigiani che seppero tradurre l’eleganza delle linee sinuose e dei motivi floreali in un’identità stilistica originale e tuttora visibile nei palazzi e nelle dimore storiche astigiane.
La mostra, con il contributo concesso dal Ministero della Cultura - Direzione Generale Biblioteche e Istituti Culturali, è prodotta dalla Fondazione Asti Musei, Fondazione Cassa di Risparmio di Asti, Regione Piemonte e Città di Asti, organizzata e realizzata da Arthemisia con la collaborazione del Mucha Trust, con il contributo di Fondazione CRT, con il patrocinio della Provincia di Asti, ed è curata da Francesca Villanti e Annamaria Bava.
La mostra vede come sponsor la Banca di Asti.
Palazzo Mazzetti, Asti
11 novembre 2026 – 2 maggio 2027
Il fascino raffinato dell’Art Nouveau e i capolavori immortali di Alphonse Mucha
arrivano ad Asti.
Dall’11 novembre 2026 al 2 maggio 2027, Palazzo Mazzetti accoglie l’esposizione
“Alphonse Mucha”, un profondo omaggio al fascino femminile e alla meraviglia dell’immagine, capace di valicare epoche e confini.
Con oltre 110 opere originali di incomparabile bellezza – tra cui manifesti, disegni, dipinti e fotografie della produzione di Mucha – l’esposizione racconta come la figura della donna diventi, nella sua ricerca, il filo conduttore di un universo in cui teatro, pubblicità, fotografia, natura, spiritualità e identità culturale si intrecciano dando forma a uno dei linguaggi visivi più riconoscibili di ogni tempo.
Dopo i successi ottenuti con le mostre dedicate ai Macchiaioli, Chagall, gli Impressionisti, Boldini, Escher e Paolo Conte, questa prestigiosa esposizione rinnova e consolida la felice e pluriennale collaborazione tra la Città di Asti, la Fondazione Cassa di Risparmio di Asti, la Fondazione Asti Musei e Arthemisia: una sinergia virtuosa che nel tempo ha portato sul territorio mostre di grande successo e di rilievo internazionale, confermando Palazzo Mazzetti come punto di riferimento fondamentale per la cultura e l’arte in Italia.
Dall’11 novembre 2026 al 2 maggio 2027, Palazzo Mazzetti accoglie l’esposizione
“Alphonse Mucha”, un profondo omaggio al fascino femminile e alla meraviglia dell’immagine, capace di valicare epoche e confini.
Con oltre 110 opere originali di incomparabile bellezza – tra cui manifesti, disegni, dipinti e fotografie della produzione di Mucha – l’esposizione racconta come la figura della donna diventi, nella sua ricerca, il filo conduttore di un universo in cui teatro, pubblicità, fotografia, natura, spiritualità e identità culturale si intrecciano dando forma a uno dei linguaggi visivi più riconoscibili di ogni tempo.
Dopo i successi ottenuti con le mostre dedicate ai Macchiaioli, Chagall, gli Impressionisti, Boldini, Escher e Paolo Conte, questa prestigiosa esposizione rinnova e consolida la felice e pluriennale collaborazione tra la Città di Asti, la Fondazione Cassa di Risparmio di Asti, la Fondazione Asti Musei e Arthemisia: una sinergia virtuosa che nel tempo ha portato sul territorio mostre di grande successo e di rilievo internazionale, confermando Palazzo Mazzetti come punto di riferimento fondamentale per la cultura e l’arte in Italia.
COMUNICATO STAMPA
Dall’11 novembre 2026 al 2 maggio 2027, Palazzo Mazzetti ad Asti si trasforma nel tempio dell’Art Nouveau presentando la retrospettiva dedicata ad Alphonse Mucha (Ivančice, 24 luglio 1860 – Praga, 14 luglio 1939), artista ceco, padre e maestro indiscusso di quello stile raffinato e sensuale che ha rivoluzionato le arti applicate e la visione estetica tra fine Ottocento e inizio Novecento.
La mostra, attraverso oltre 110 opere, propone una rilettura della sua opera che va ben oltre la classica definizione di maestro del Liberty.
Mediante i suoi celebri manifesti teatrali, pannelli decorativi, calendari e illustrazioni – testimoni di un’epoca in cui l’arte si fondeva con la vita quotidiana e ne impreziosiva ogni gesto – la mostra restituisce la complessità dell’intera produzione di Mucha attraverso una chiave di lettura originale: su tutto, Mucha è colui che ha saputo reinventare l’immagine femminile nell’arte, trasformandola in icona di grazia e forza, protagonista indiscutibile di un linguaggio decorativo che ancora oggi ispira il mondo della moda, della grafica, del design e persino della modernissima arte del tatuaggio.
Le sue figure femminili, oggi tra le immagini più celebri della Belle Époque, diventano un simbolo, luogo di incontro tra arte e comunicazione, memoria, desiderio e modernità.
Attraverso di loro Mucha racconta il teatro, la pubblicità, la nascita del marchio moderno, la fotografia, la natura, la spiritualità, l’identità nazionale e il rapporto tra arte e società e in mostra figurano tutti i suoi capolavori tra cui Gismonda (1894), Médée (1898), JOB (1896), le rinomate serie Le Stagioni (1896) e Le Pietre Preziose (1900), fino ai preziosi studi per l’Epopea Slava.
Nato in Moravia nel 1860, dopo gli studi tra Vienna, Monaco e l’Italia, Mucha si trasferisce nel 1887 a Parigi, centro pulsante della modernità europea tra teatri, boulevard e grandi esposizioni universali: un contesto destinato a trasformare profondamente il suo linguaggio artistico.
Il momento di svolta arriva grazie all’incontro con la donna che cambierà per sempre il suo destino: Sarah Bernhardt, l’attrice più celebre e affascinante del tempo. La “divina Sarah” affida a Mucha la cura della propria immagine, un sodalizio che lo rende popolarissimo in pochissimo tempo. Oltre alla Bernhardt (immortalata in capolavori teatrali come la Medea), le protagoniste delle sue opere diventano grandi icone del palcoscenico come Ethel Barrimore, Leslie Carter, Maude Adams e Halide Edip Adivar.
Attraverso queste muse nasce il mito delle “donne di Mucha”. Con un tocco leggero, l’artista dà vita a una forma di comunicazione visiva completamente nuova, capace di trasformare la nascente pubblicità in un’arte alla portata di tutti, visibile ogni giorno sui muri delle strade.
Da quel momento nasce il celebre “Stile Mucha”: linee sinuose, motivi floreali, eleganti decorazioni e figure femminili monumentali conquistano rapidamente Parigi e il resto d’Europa. Ma dietro la straordinaria forza decorativa delle sue opere si cela un progetto molto più complesso. Nei suoi manifesti il prodotto non è mai il vero protagonista: profumi, champagne, biscotti, riviste o biciclette diventano occasioni per costruire universi visivi coerenti, nei quali la figura femminile trasforma il marchio in esperienza, desiderio e riconoscibilità. In questo senso, Mucha anticipa alcuni dei principi fondamentali della moderna identità visiva.
Dopo il travolgente successo internazionale e i soggiorni negli Stati Uniti, Mucha sente l’esigenza profonda di volgere lo sguardo e il cuore verso la propria terra d’origine. Mosso da un ardente sentimento patriottico e dall’ideale di unire idealmente tutte le nazioni slave, l’artista consacra la maturità della sua vita al progetto più ambizioso e intimo della sua carriera: l’Epopea Slava, il monumentale ciclo pittorico concepito per celebrare la storia, il folklore e le radici spirituali del suo popolo. In questa grande narrazione, la figura femminile abbandona i panni di musa del teatro, della pubblicità o della natura per rivestire un valore fortemente simbolico e civile, facendosi allegoria della patria, della memoria collettiva e della libertà.
Ospite d’onore assoluto della mostra ad Asti sarà proprio uno straordinario bozzetto preparatorio per l’Epopea Slava: un’opera monumentale di ben tre metri d’altezza che, per la sua eccezionale rilevanza artistica e storica, sarà allestita in una cornice di grande prestigio come il Salone d’Onore di Palazzo Mazzetti, offrendo ai visitatori un’esperienza di grande impatto emotivo e solennità.
A rendere il percorso espositivo ancora più ricco e suggestivo è un dialogo con la storia dell’arte italiana, grazie a una speciale sezione curata da Annamaria Bava. La selezione presenta eccezionali capolavori provenienti da collezioni pubbliche e private piemontesi che spaziano dal Seicento al Novecento: tra questi, la Musa Polimnia (1620 ca.) di Antiveduto Gramatica dei Musei Reali di Torino, il celebre ritratto di Virginia Oldoini, contessa di Castiglione (1862) di Michele Gordigiani proveniente dalle Residenze Reali Sabaude, La Sirena (Abisso verde) di Giulio Aristide Sartorio della GAM di Torino, La Sfinge di Leonardo Bistolfi della Gipsoteca di Casale Monferrato, opere di intensa suggestione simbolista, e il sontuoso Nudo di donna (1915 ca.) di Giacomo Grosso dell’Accademia Albertina, solo per citarne alcune. Il tutto è integrato da arredi, oggetti d’arte applicata e fotografie d’epoca.
L’allestimento è concepito come un’esperienza totalmente immersiva: un viaggio temporale in cui luci, profumi, cromie e sonorità avvolgono il visitatore, restituendo l’atmosfera vibrante di un’epoca che ha saputo fare dell’arte un elemento integrante della vita quotidiana.
Infine, a completare ed arricchire il percorso espositivo, una speciale sezione allestita nel fascino suggestivo degli spazi sotterranei del Museo è interamente dedicata al Liberty astigiano. La mostra offre così l’opportunità di riscoprire come, tra la fine dell’Ottocento e i primi del Novecento, l’ondata di rinnovamento estetico diffusa da Mucha e dall’Art Nouveau abbia lasciato una traccia profonda e raffinata anche nell’architettura, nelle arti applicate e nel tessuto urbano di Asti. Attraverso dettagli decorativi e testimonianze dell’epoca, questa sezione racconta il fiorire di una stagione di grande fermento culturale e modernità per la città, guidata dall’intraprendenza della borghesia locale e dall’ingegno di architetti e artigiani che seppero tradurre l’eleganza delle linee sinuose e dei motivi floreali in un’identità stilistica originale e tuttora visibile nei palazzi e nelle dimore storiche astigiane.
La mostra, con il contributo concesso dal Ministero della Cultura - Direzione Generale Biblioteche e Istituti Culturali, è prodotta dalla Fondazione Asti Musei, Fondazione Cassa di Risparmio di Asti, Regione Piemonte e Città di Asti, organizzata e realizzata da Arthemisia con la collaborazione del Mucha Trust, con il contributo di Fondazione CRT, con il patrocinio della Provincia di Asti, ed è curata da Francesca Villanti e Annamaria Bava.
La mostra vede come sponsor la Banca di Asti.
Sede
Palazzo Mazzetti
Corso Vittorio Alfieri, 357
14100 – Asti
Date al pubblico
11 novembre 2026 – 2 maggio 2027
Orario di apertura
Lunedì – domenica 10.00 - 19.00
(la biglietteria chiude un’ora prima)
Biglietti
Intero € 14,00
Ridotto € 10,00
Informazioni e prenotazioni
T. +39 0141 530 403
M. +39 388 164 09 15
www.museidiasti.com
info@fondazioneastimusei.it
prenotazioni@fondazioneastimusei.it
Social e Hashtag ufficiale
www.museidiasti.com
#MuchaAsti
@museidiasti
@arthemisiaarte
Palazzo Mazzetti
Corso Vittorio Alfieri, 357
14100 – Asti
Date al pubblico
11 novembre 2026 – 2 maggio 2027
Orario di apertura
Lunedì – domenica 10.00 - 19.00
(la biglietteria chiude un’ora prima)
Biglietti
Intero € 14,00
Ridotto € 10,00
Informazioni e prenotazioni
T. +39 0141 530 403
M. +39 388 164 09 15
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