Fondazione Piero Cattaneo presenta LA IX EDIZIONE DI OFFICINA DELLA SCULTURA a cura di Marcella Cattaneo

 

Il progetto ideato da Marcella Cattaneo che riscopre gli atelier d’artista e valorizza l’eredità storica e culturale dei maestri dell’arte del XX secolo.

Bergamo, 15 ottobre 2026. Prende il via la IX edizione di Officina della Scultura, il progetto realizzato dalla Fondazione Piero Cattaneo e ideato da Marcella Cattaneo, che promuove la conoscenza e la valorizzazione della scultura italiana del secondo Novecento attraverso i suoi protagonisti e i luoghi in cui hanno preso forma le loro ricerche. Aprendo al pubblico gli atelier degli artisti, il progetto costruisce un itinerario diffuso alla scoperta di un patrimonio spesso poco accessibile, delineando un circuito dedicato all’arte plastica italiana e alle sue molteplici espressioni.   Da nove anni, grazie a Officina della Scultura, gli atelier diventano spazi di incontro e conoscenza, capaci di raccontare il lavoro degli scultori e le storie, le relazioni e le trasformazioni culturali che ne hanno segnato i percorsi.   Il programma della IX edizione coinvolge sei studi d’artista tra Pavia, Seriate, Azzano San Paolo, Milano e Bergamo. Il 17 e 18 ottobre si apre lo studio di Sergio Alberti a Pavia, con una visita seguita da un percorso speciale nel parco di sculture di Horti. Il 24 e 25 ottobre sarà possibile visitare la casa-studio di Gianni Grimaldi a Seriate, mentre il 31 ottobre e il 1° novembre aprirà al pubblico la casa-studio di Franco Dotti ad Azzano San Paolo. Il 7 e 8 novembre Officina della Scultura farà tappa a Milano, nello studio di Giancarlo Marchese, mentre il 14 e 15 novembre arriverà a Bergamo nello studio di Piero Cattaneo. Il calendario si concluderà il 28 e 29 novembre con l’apertura dell’atelier di Domenico Pievani, sempre a Bergamo.   Quest’anno, in occasione della mostra Litofonie di Amalia Del Ponte, prodotta dalla Fondazione Piero Cattaneo all’Oratorio San Lupo di Bergamo fino al 15 novembre 2026, si apriranno anche le porte dell’atelier dell’artista, in via Santa Croce 21 a Milano. Un’occasione per visitare gli spazi creativi di una delle artiste più originali del Novecento, scomparsa poco più di un anno fa.   Attraverso la condivisione dei luoghi della creazione artistica, Officina della Scultura rinnova l’impegno della Fondazione Piero Cattaneo per rendere il patrimonio artistico accessibile e promuovere nuove occasioni di incontro tra arte, territorio e comunità. Ogni appuntamento è gratuito e prevede una visita di un’ora.

MINERVA PICTURES e FILMCLUB DISTRIBUZIONE presentano RIVERRUN

 un film di Philippe Parreno

con Charlotte Gainsbourg, Zoë Saldana

Vicky Krieps, Angela Molina

 

In anteprima alla Festa del Cinema di Roma 2026

 

 

Roma, 15 ottobre 2026. Riverrun, il primo lungometraggio di finzione dell’acclamato artista contemporaneo e regista Philippe Parreno, sarà presentato in anteprima mondiale alla 21ª edizione del Festa del Cinema di Roma, nella sezione Freestyle. Con un cast internazionale guidato da Charlotte Gainsbourg, insieme a Zoë Saldaña, Vicky Krieps e Angela Molina, Riverrun è un viaggio intenso e visionario che esplora la fragilità del corpo e dell’identità, la trasformazione e la ricerca di sé. Il film uscirà in Italia nella primavera del 2027, distribuito da Filmclub Distribuzione e Minerva Pictures.

Scritto e diretto da Philippe Parreno, Riverrun vanta la fotografia di Maceo Bishop e le musiche originali di Invisible Mountain (Nicola Becker e LEXX).

Una produzione di Felix Culpa, Anna Lena Films, MDAC Productions, LEAF Films, ProdCo e Angel Archer. In collaborazione con LUMA Projects, The Island Art Studios, Eolo Film Productions, LB Entertainment, Longfield Productions e Out of Order. Coproduttori: Film I Väst, Snowglobe Films e Radiance Pictures.

 

«Il film non spiega la depressione, né la cura né la glorifica. La sposta dal soggetto all’ambiente, dal dolore alla durata. Una persona rinuncia alla centralità, accettando di non essere più un soggetto sovrano, ma piuttosto continuità, durata, paesaggio. Ed è proprio questo gesto radicale ed empatico che impedisce di appesantire l’opera con momenti di spiegazione — che permette di abbracciare pienamente una certa opacità narrativa. Se proponiamo la depressione come un rallentamento alla scala della geologia, e l’emozione non più come una crisi ma come un clima, abbiamo già aggirato l’immensa trappola della resilienza spettacolare, in particolare attraverso la terapia».

Philippe Parreno

SINOSSI

Lucy H sta affrontando un periodo di depressione; il suo psichiatra, il dottor Cruz, la manda in una clinica sperduta in Spagna. Un incontro casuale con Tony sconvolge la sua identità, avviandola in un viaggio che va oltre la terapia e la conduce verso regni dell’esistenza a lei sconosciuti.

PHILIPPE PARRENO

Philippe Parreno (nato nel 1964 a Grenoble, in Francia) è uno degli artisti più influenti della sua generazione. Si è affermato negli anni ’90 ridefinendo radicalmente il significato stesso di “vivere” l’arte, trasformando le dinamiche di una mostra in un processo situazionale. Le sue opere sono state esposte e fanno parte delle collezioni di alcuni dei musei e delle fondazioni più prestigiosi al mondo, tra cui il MoMA di New York, The Armory, Fondation Beyeler, LUMA Foundation, Tate Modern, Centre Georges Pompidou, Metropolitan Museum of Art di New York e Solomon R. Guggenheim Museum, solo per citarne alcuni.

Parreno è ampiamente noto per il lungometraggio “Zidane: A 21st Century Portrait”, co-diretto con l’artista Douglas Gordon. I due registi hanno puntato 17 telecamere sul leggendario calciatore Zinedine Zidane. Distribuito dalla Universal e presentato nella Selezione Ufficiale del Festival di Cannes 2006, del Toronto International Film Festival 2006 e del Sundance Film Festival 2007, il film è stato anche candidato a un César nel 2007 e ha ricevuto ampi consensi da parte della critica e del pubblico in tutto il mondo.

Nel corso della sua carriera artistica, Parreno ha ricevuto numerosi riconoscimenti e premi. È stato insignito di un premio al Festival del cinema di Locarno per il suo eccezionale contributo al cinema. Nel 2014, l’artista è stato nominato Officier de l’Ordre des Arts et des Lettres, in riconoscimento del suo significativo contributo alle arti.

AGUST, L’OSPITALITÀ È PROGETTAZIONE: UN INCONTRO PER RIPENSARE L’ESPERIENZA DEL CLIENTE ALLA AGUST ACADEMY

 

Lunedì 12 ottobre, alla Agust Academy di Brescia, un gruppo di professionisti dell’ospitalità si sono confrontati sul valore dell’accoglienza, tra simulazioni, situazioni concrete e strumenti per trasformare ogni dettaglio del servizio in parte dell’esperienza del cliente.

L’esperienza di un cliente inizia molto prima del primo sorso di caffè. Inizia dall’ingresso nel locale, dal modo in cui viene accolto, dall’ambiente che trova ad aspettarlo, dalle parole che gli vengono rivolte e persino da come viene gestita l’attesa. È questa consapevolezza che ha guidato la giornata evento, che ha registrato il tutto esaurito, organizzata da Torrefazione Agust dedicata a titolari di pasticcerie, caffetterie e bistrot svoltasi lunedì 12 ottobre alla Agust Academy, a Brescia, con l’obiettivo di riflettere in modo concreto su come costruire un’esperienza capace di lasciare il segno.

A guidare l’incontro è stato Francesco Reboni, professionista dell’ospitalità con esperienze maturate in alcune delle realtà più conosciute della ristorazione italiana ed europea, tra cui Lido 84 a Gardone Riviera, La Madia a Brione e Noma a Copenaghen. Un percorso che gli ha permesso di conoscere modelli di accoglienza differenti, accomunati da una forte attenzione al servizio e all’esperienza dell’ospite.  Al centro dell’appuntamento, il principio “L’ospitalità è progettazione. Nulla accade per caso”, sviluppato non attraverso una tradizionale formazione frontale, ma attraverso situazioni da vivere in prima persona, simulazioni e momenti di confronto. Un approccio pensato per portare i partecipanti a osservare il proprio locale dal punto di vista del cliente e a interrogarsi su tutto ciò che contribuisce a determinarne la percezione, anche prima che il prodotto arrivi al tavolo. Dall’accoglienza all’attesa, dal contesto alle modalità di comunicazione, l’incontro ha mostrato come il valore percepito non coincida semplicemente con ciò che viene acquistato. Il prodotto rimane centrale, ma è inserito all’interno di un sistema più ampio fatto di ambiente, servizio, relazione e aspettative. Sono proprio questi elementi, spesso apparentemente secondari, a poter trasformare una consumazione in un’esperienza e un cliente occasionale in un cliente che sceglie di tornare. Un aspetto centrale del percorso è stato quindi imparare a leggere chi si ha davanti. Un cliente di fretta, uno curioso, uno indeciso o un cliente abituale non esprimono le stesse esigenze e non richiedono necessariamente lo stesso tipo di attenzione. Anche il linguaggio diventa così uno strumento di accoglienza: il modo in cui si presenta un prodotto, si dà un consiglio o si accompagna una scelta può infatti aprire una relazione oppure interromperla. In questo percorso il caffè è rimasto uno degli elementi su cui riflettere, diventando uno degli strumenti attraverso cui rendere concreto il concetto di ospitalità. La qualità del prodotto e la competenza tecnica acquistano infatti pieno valore quando sono accompagnate da un servizio coerente e da una capacità di raccontare e valorizzare ciò che si sta proponendo. È qui che il mondo Agust si inserisce naturalmente nella riflessione: un caffè ben servito non è soltanto un prodotto di qualità, ma può diventare parte dell’identità e della percezione complessiva di un locale. Attraverso simulazioni e situazioni pratiche, i partecipanti hanno così potuto mettere in relazione accoglienza, comunicazione, servizio e prodotto, osservando le diverse conseguenze che piccoli cambiamenti nei comportamenti possono generare nell’esperienza del cliente. La conclusione dell’incontro ha riportato il confronto direttamente nella quotidianità dei professionisti: non una semplice raccolta di nozioni, ma l’individuazione di almeno un’azione concreta da portare nel proprio locale già dal giorno successivo. Perché progettare l’ospitalità significa anche imparare a osservare ciò che accade ogni giorno, riconoscere ciò che può essere migliorato e trasformare ogni dettaglio in un’opportunità per costruire valore. Con questo incontro alla Agust Academy, Torrefazione Agust conferma così la propria vocazione alla formazione dei professionisti, proponendo una visione del mondo del caffè che parte dal prodotto ma guarda oltre: alla qualità del servizio, alla relazione con il cliente e alla capacità di costruire un’esperienza coerente, riconoscibile e capace di generare il desiderio di tornare.

Filippo Andreatta Nuvolario #A_Cloud_In_A_Room Al MUSE fino al 6 giugno 2027

 Il 18 ottobre a Modena con nuvolario #Helena

 

 

MUSE – Museo delle Scienze di Trento, Palazzo delle Albere

9 ottobre 2026 – 6 giugno 2027

Ingresso gratuito

 

 

www.oht.art

Trento, 15 ottobre 2026. Dopo l’inaugurazione del 9 ottobre nella Project Room del MUSE – Museo delle Scienze di Trento a Palazzo delle Albere e il debutto di nuvolario #miniatura a Reggio Emilia il 10 e 11 ottobre, la ricerca di Filippo Andreatta sulle nuvole e sulle molteplici possibilità della loro rappresentazione, osservazione e interpretazione prosegue tra mostra e performance. A Trento nuvolario #A_Cloud_In_A_Room è visitabile gratuitamente fino al 6 giugno 2027, mentre il prossimo appuntamento è il 18 ottobre al Festival Periferico di Modena, con la presentazione di nuvolario #Helena.

 

Nata dall’esperienza di performance e dispositivi scenici presentati sui palcoscenici europei, nuvolario #A_Cloud_In_A_Room porta al MUSE una riflessione sulle forme del cielo, ripensata per gli spazi di Palazzo delle Albere. In connessione con la mostra WATER FLOW – acqua, arte, scienza, umanità, le nuvole diventano il punto d’incontro tra arte e scienza: forme mutevoli e inafferrabili, ma anche fenomeni da osservare e comprendere.

 

Il soffitto della Project Room, coperto da un cielo nuvoloso, si trasforma in una volta celeste che sembra dilatare lo spazio. Un video d’archivio di lunga durata dialoga con fotografie, bozzetti dei fondali teatrali e materiali di studio che documentano il percorso di ricerca di Andreatta, intrecciando osservazione, immaginazione e attenzione alle trasformazioni del mondo contemporaneo. L’allestimento invita a una visione lenta e dilatata, fatta di soste, interruzioni e riprese, seguendo il ritmo mutevole delle nuvole e la loro natura in continuo movimento.

 

Durante il periodo di apertura della mostra al MUSE sono inoltre previsti ulteriori appuntamenti dedicati alle diverse forme assunte da nuvolario. Tra questi, il 5 e 6 dicembre 2026 è in programma una replica di nuvolario #miniatura, che ha debuttato in prima assoluta il 10 e 11 ottobre al Festival Aperto della Fondazione I Teatri di Reggio Emilia. Pensato come un teatro da camera, il progetto ha trasformato il Teatro Municipale Valli in una maquette attraversata da minuscoli paesaggi atmosferici. Riducendo l’architettura teatrale in scala, Andreatta ha costruito uno spazio intimo nel quale la scenografia è tornata a essere artificio, fenomeno atmosferico e illusione ottica.

 

Accanto alla mostra, il percorso di nuvolario continua attraverso nuovi appuntamenti dal vivo. Il 18 ottobre, nuvolario #Helena sarà presentato al Festival Periferico di Modena, negli spazi del Cimitero di San Cataldo progettato da Aldo Rossi. La particolare configurazione architettonica del luogo diventerà parte della composizione scenica: il pubblico assisterà alla performance da una prospettiva sopraelevata, facendo del cielo, dell’architettura e della distanza gli elementi stessi del lavoro.

 

La mostra a Trento e gli appuntamenti performativi sono espressioni di una stessa ricerca, pensata come una nube in continua trasformazione. Nuvolario assume infatti forme diverse – performance, installazioni, dispositivi scenici e pubblicazioni – dando vita a una costellazione di opere autonome ma profondamente interconnesse, accomunate dall’interesse per la natura mutevole e sfuggente delle nuvole e per il loro modo di modificare la percezione del mondo.

 

Il progetto si inserisce nella nuova stagione di Office for a Human Theatre, che amplia il proprio raggio d’azione per diventare una piattaforma aperta alla ricerca, alla collaborazione e alla costruzione di nuove comunità di pratica, mettendo in dialogo arti visive, teatro, paesaggio e immaginazione.

CREDITI IMMAGINI: ©FilippoAndreatta, nuvolario

VENDEMMIA 2026: IL VALORE DELL’ATTESA. A PREPOTTO VIGNA TRAVERSO ASPETTA IL MOMENTO GIUSTO PER I GRANDI ROSSI

 

VENDEMMIA 2026: IL VALORE DELL’ATTESA. A PREPOTTO VIGNA TRAVERSO ASPETTA IL MOMENTO GIUSTO PER I GRANDI ROSSI La filosofia della cantina è chiara: attendere la piena maturazione delle uve e selezionare manualmente ogni partita per valorizzare al meglio l’identità di ogni vigneto

Prepotto (UD), 15 ottobre 2026 - In un’annata che verrà ricordata come una delle più precoci degli ultimi decenni, a Vigna Traverso la parola d’ordine non è stata anticipare, ma aspettare.   Dopo un'estate caratterizzata da temperature elevate e da una prolungata siccità, la vendemmia dei rossi ha richiesto una lettura attenta del vigneto e dei tempi di maturazione. Se gran parte delle operazioni si sono svolte con significativo anticipo rispetto alla media, per le varietà a bacca rossa la scelta della cantina è stata quella di non lasciarsi guidare dal calendario, ma dall'effettivo raggiungimento dell'equilibrio ideale dei grappoli.  Proprio il clima caldo e asciutto ha però favorito un elemento determinante: l'eccezionale stato di salute delle uve. La limitata pressione delle malattie e la perfetta integrità dei grappoli hanno consentito di prolungare la permanenza dei grappoli in vigneto, attendendo il completamento della maturazione fenolica, fondamentale per la qualità dei grandi vini rossi.  Per Vigna Traverso il vero valore della vendemmia 2026 risiede proprio nella capacità di rispettare i tempi della natura: lasciare che la buccia raggiungesse la propria piena evoluzione, che i vinaccioli completassero il percorso di maturazione e che le importanti escursioni termiche delle ultime settimane contribuissero a definire il profilo aromatico e l'equilibrio del frutto.    "Le uve sono sanissime e questo ci permette di aspettare. Nei rossi vediamo una maturità polifenolica molto valida, tannini dolci e un'evoluzione molto positiva della buccia e del vinacciolo", osserva la cantina.   Ogni vigneto è stato quindi raccolto esclusivamente al raggiungimento della maturazione desiderata, anche a distanza di giorni rispetto alle altre parcelle. Una scelta che riflette una visione precisa del lavoro in vigna: non esiste un'unica scadenza da rispettare, ma il momento ideale per ciascuna varietà e per ogni singolo appezzamento.    A chiudere la vendemmia è stato ancora una volta lo Schioppettino di Prepotto, il vitigno simbolo del territorio, lasciato in vigna fino al raggiungimento della piena maturità. Al momento della raccolta le uve presentavano sanità eccellente, vinaccioli croccanti e un profilo aromatico intenso, già caratterizzato dalle tipiche note speziate che contraddistinguono la varietà.   La ricerca della qualità prosegue anche dopo la raccolta. Ogni conferimento viene infatti valutato singolarmente e sottoposto a un processo di selezione studiato in funzione delle caratteristiche specifiche della parcella di provenienza.   Dopo la diraspatura, effettuata con sistemi progettati per preservare l'integrità degli acini, il controllo finale passa attraverso il tavolo vibrante, dove la selezione manuale consente di eliminare eventuali elementi non conformi sfuggiti ai precedenti passaggi.      Questo accurato lavoro di cernita diventa così parte integrante della filosofia produttiva di Vigna Traverso: un lavoro di osservazione e precisione che accompagna il percorso dell'uva dalla vigna alla fermentazione, con l'obiettivo di preservare esclusivamente gli acini migliori e valorizzare l'identità di ogni vigneto.   La vendemmia 2026 si chiude quindi con una convinzione chiara: in un'annata eccezionalmente precoce, il risultato non è dipeso dalla velocità di raccolta, ma dalla capacità di attendere. Un'attesa fatta di pazienza, esperienza e fiducia nel vigneto, seguita da una selezione rigorosa e meticolosa, che oggi alimenta le aspettative sui vini rossi che nasceranno da questa vendemmia.

Sabato 17 ottobre una nuova masterclass dedicata al Barolo nel centro di Alba

 

Appuntamento alle 15.00 e alle 17.00 nella splendida sala del Consorzio Albeisa, in Piazza Vittorio Veneto

Se vieni ad Alba durante la stagione del Tartufo Bianco, completa il tuo weekend nelle Langhe con una Masterclass sul Barolo! Programma sabato 17 ottobre 2026: Verticale di Barolo Docg: degustazione immersiva che offre la possibilità di esplorare la complessità e l’evoluzione di questo prestigioso vino. Ore 15.00 - vini in degustazione: La Biòca - Barolo DOCG Castagni Riserva "Stolèt" 2016 La Biòca - Barolo DOCG Castagni Riserva "Stolèt" 2015 La Biòca - Barolo DOCG Castagni Riserva "Stolèt" 2014 ACQUISTA I BIGLIETTI ORE 15.00 Ore 17.00 - vini in degustazione: G.D. Vajra - Barolo DOCG Ravera 2022 G.D. Vajra - Barolo DOCG Ravera 2019 G.D. Vajra - Barolo DOCG Ravera 2014 ACQUISTA I BIGLIETTI ORE 17.00 Cosa rende speciale questa Masterclass? La Wine Tasting Experience® è una degustazione guidata, pensata per chi vuole conoscere più da vicino il Barolo. 25 partecipanti per sessione: un piccolo gruppo per vivere un’esperienza più coinvolgente, con la possibilità di ascoltare, degustare e fare domande direttamente al docente, in una sala attrezzata e professionale nel cuore della città. 🍷 Barolo protagonista – diverse etichette e interpretazioni 👥 Piccoli gruppi – massimo 20–25 partecipanti 🎓 Degustazione guidata da un esperto 📍 Nel cuore di Alba, durante la stagione del Tartufo Bianco Non una semplice degustazione, ma un’ora dedicata al Barolo per imparare a conoscerlo e apprezzarlo attraverso il calice. ACQUISTA I BIGLIETTI ONLINE

Galleria Fumagalli e Dario Cimorelli Editore presentano il volume KOUNELLIS | WARHOL La messa in scena della tragedia umana: la classicità di Jannis Kounellis e il pop di Andy Warhol

 

da un’idea di Annamaria Maggi   PRESENTAZIONE 6 novembre 2026 ore 17.00  Accademia di Belle Arti di Brera Sala Napoleonica, Milano

Galleria Fumagalli e Dario Cimorelli Editore presentano il volume Kounellis | Warhol. La messa in scena della tragedia umana: la classicità di Jannis Kounellis e il pop di Andy Warhol, da un’idea di Annamaria Maggi. La pubblicazione nasce dall’omonima esposizione tenutasi presso la Galleria Fumagalli di Milano (26 novembre 2025 – 29 maggio 2026) affiancata da un approfondimento presso il Museo San Fedele (12 dicembre 2025 – 29 maggio 2026), e ne sviluppa ulteriormente le premesse attraverso un’ampia indagine critica, documentaria e iconografica sul possibile confronto tra due maestri dell’arte apparentemente inconciliabili.   Jannis Kounellis e Andy Warhol I due artisti hanno lasciato un’impronta indelebile nella storia dell’arte contemporanea. Sembrano rappresentare due estremi: l’alfa e l’omega, due visioni del mondo e due poetiche profondamente differenti. Da una parte l’ombra, il peso della materia, la memoria, la tragedia; dall’altra la luminosità della superficie, la ripetizione, l’immagine e il linguaggio della cultura di massa. Eppure, proprio nella distanza tra queste due esperienze artistiche, emerge la possibilità di un dialogo. In un Novecento segnato dall’ascesa e dalla crisi delle ideologie e delle certezze, l’arte diventa per entrambi il luogo in cui misurarsi con le grandi questioni dell’uomo, della morte, della memoria e della trascendenza. Come evidenziato dagli scritti e dalle immagini raccolti nel volume, Kounellis e Warhol sembrano incontrarsi in una medesima necessità: quella di dare corpo e volto al mistero dell’esistenza e di interrogare, attraverso l’arte, la condizione umana e la possibilità di dare un senso alla tragedia. Il confronto non nasce quindi dalla ricerca di una somiglianza tra i due artisti, né dal tentativo di assimilare poetiche così diverse, ma dalla volontà di comprendere come due linguaggi apparentemente opposti possano confrontarsi con alcune delle questioni fondamentali dell’esistenza: la vita e la morte, la memoria, la fede, l’immagine, il sacro e la trasformazione del quotidiano.   La ricerca dietro il libro A fronte di un’approfondita conoscenza del lavoro di Jannis Kounellis, con il quale la Galleria Fumagalli ha collaborato dal 2003 fino alla sua scomparsa nel 2017, il progetto ha rappresentato l’occasione per avviare un’indagine più ampia sulla figura di Andy Warhol e sulle radici culturali e spirituali della sua opera. La ricerca si è sviluppata anche attraverso un soggiorno a Pittsburgh, con la visita ai luoghi della formazione di Warhol, tra cui la chiesa di rito ruteno e il contesto urbano delle sue origini, e attraverso incontri diretti con alcune delle figure che hanno conosciuto da vicino l’artista e il suo ambiente. Particolare rilevanza ha avuto il confronto con l’Andy Warhol Museum, nelle persone del direttore Mario R. Rossero e dell’archivista Matthew Gray, nonché l’incontro a New York con Vincent Fremont, attivo nella Factory negli anni Settanta. Questa ricerca ha permesso di approfondire anche lo scarto tra la ricezione europea e quella statunitense dell’opera di Warhol, facendo emergere la complessità di un artista spesso identificato soprattutto con la cultura pop e con la superficie dell’immagine, ma la cui formazione affonda in un patrimonio culturale e religioso più profondo.   L’icona Le indagini e gli incontri hanno infatti confermato il forte legame di entrambi gli artisti con le proprie radici culturali: la Grecia ortodossa e mediterranea per Kounellis, la tradizione rutena e cristiano-bizantina della famiglia di origine slovacca per Warhol. Questo sostrato cristiano-orientale riemerge, in entrambi, attraverso la dimensione dell’icona. Non semplicemente un simbolo o un’immagine, ma una presenza capace di mantenere aperta una tensione verso l’assoluto. È proprio nella dimensione dell’icona che il confronto tra Kounellis e Warhol assume una particolare intensità. L’icona religiosa, l’immagine della morte, il volto, la ripetizione, la celebrazione della celebrità, la trasformazione dell’oggetto quotidiano in immagine diventano, nei due artisti, modi differenti di interrogare il rapporto tra visibile e invisibile, tra presenza e assenza, tra individuo e collettività. Il dialogo tra Kounellis e Warhol si realizza dunque non nella contrapposizione netta né nell’assimilazione delle loro poetiche, ma nella possibilità di riconoscere, attraverso la loro distanza, una comune necessità di trovare nell’arte una forma di sacralità del quotidiano e una nuova possibilità di senso.   Il volume Da una serie di conversazioni con studiosi e critici, invitati a confrontarsi con questa ipotesi di lavoro, nasce il volume, che raccoglie saggi già pubblicati e testi redatti appositamente per l’occasione.   Sono presenti contributi di Paolo Balmas, Maria Vittoria Baravelli, Sandro Barbagallo, Luca Massimo Barbero, Jean Baudrillard, Bob Colacello, Andrea Dall’Asta SJ, Arthur C. Danto, Franco Fanelli, Lóránd Hegyi, Lorenzo Madaro, Annamaria Maggi, Christopher Makos, Gianni Mercurio, Patrick Moore, Daniela Morera, Demetrio Paparoni, Massimo Recalcati, John Richardson e Guido Schlimbach, nonché le interviste a Jannis Kounellis di Antonio Gnoli, Raffaella Iannella e Willoughby Sharp. A testimonianza dell’indagine condotta direttamente negli Stati Uniti, il volume pubblica inoltre le interviste realizzate da Annamaria Maggi a Vincent Fremont, Gerard Malanga e al direttore dell’Andy Warhol Museum Mario R. Rossero, affiancato dall’archivista Matthew Gray. La pubblicazione è completata da un significativo apparato fotografico, concepito come una selezionata biografia visiva dei due artisti. Le immagini sono state realizzate da alcuni dei più importanti fotografi che hanno documentato la loro attività, tra cui Ugo Mulas, Claudio Abate, Paolo Mussat Sartor, Giorgio Colombo, Aurelio Amendola, Manolis Baboussis, Carlo Orsi e Duane Michals.   Il volume raccoglie inoltre immagini provenienti da prestigiose istituzioni e archivi internazionali quali The Andy Warhol Museum (Pittsburgh), The Brant Foundation (New York), DIA Art Foundation (New York), Magazzino Italian Art (Cold Spring, NY), Fondazione Prada (Milano), Fondazione Arnaldo Pomodoro (Milano), Archivio Amelio-Santamaria (Napoli) e Documenta Archiv (Kassel).   Attraverso saggi, interviste, testimonianze e immagini, Kounellis | Warhol restituisce così non soltanto la distanza tra due mondi artistici, ma anche le inattese corrispondenze che li attraversano: il rapporto con la tradizione, la persistenza dell’icona, la dimensione della morte e della memoria, la trasformazione dell’immagine e, più profondamente, la necessità dell’arte di confrontarsi con la tragedia umana.