Silvio Wolf L’Altrove con testo critico di Alberto Fiz

 

BUILDING TERZO PIANO via Monte di Pietà 23, 20121 Milano martedì - sabato, 10 – 19 www.building-gallery.com   Sede espositiva aggiuntiva: GALLERIA MOSHE TABIBNIA via Brera 3, 20121 Milano martedì - sabato, 10 – 19 www.moshetabibnia.com Silvio Wolf, Abside, 2006, archival pigment print su Fine Art Hahnemühle Photo Rag Baryta montata su dibond, 200 x 130 cm (206 x 136 cm con cornice)  Dal 24 febbraio al 21 marzo 2026, BUILDING TERZO PIANO presenta L’Altrove, una mostra personale di Silvio Wolf (Milano, 1952) che riunisce una selezione di opere fotografiche storiche, recenti e inedite, realizzate dall’artista tra il 1989 e il 2026, che esplorano i temi della Soglia, dell’Assenza e dell’Altrove. L’esposizione presenta inoltre Aperture II (2009/2026), un’installazione visiva e acustica concepita appositamente per lo spazio espositivo: un’opera in cui la realtà viene attivata dall’esperienza di ciascun visitatore, rendendolo co-autore di un dispositivo in cui tempo e immagine coincidono nel presente dell’esperienza. Parallelamente, presso Galleria Moshe Tabibnia è esposta l’opera Piccolo Myhrab Monumentale (1990) nella quale l’artista affronta i temi dell’altrove e della soglia, attraverso la ricostruzione fotografica tridimensionale di un elemento architettonico della tradizione islamica. Silvio Wolf, Piccolo Myhrab Monumentale, 1990, cibachrome, piombo, zinco, stagno, laminati espansi sagomati, 180 x 230 x 40 cm. Opera esposta presso Galleria Moshe Tabibnia, Milano    Le dieci opere esposte in mostra esplorano l’enigma dello spazio e la natura delle immagini che lo rappresentano, intese come luoghi di esperienza e come soglie tra presenza e assenza, tra qui e altrove, vere e proprie “metafore dello spazio e simboli dei luoghi”. Nel lavoro di Wolf, la soglia si configura come un luogo di conoscenza: uno spazio che invita alla sosta, allo sguardo e alla meditazione. È in questo punto che la realtà e l’immaginazione entrano in contatto. Le sue fotografie indicano strade e alterità possibili, presentandosi come luoghi di transizione che connettono e allo stesso tempo separano, offrendo visioni simultanee d’interno ed esterno.   Silvio Wolf riflette sugli ambigui meccanismi della percezione e sul modo in cui l’immagine traduce la multidimensionalità del reale nella bidimensionalità della rappresentazione fotografica, collocandosi al limite tra il visibile e il non visibile: un confine che si affaccia su due mondi connessi che non potrebbero vivere l’uno senza l’altro, poiché, come afferma l’artista: “tutto ciò che unisce, separa”.   I luoghi che l’artista raffigura sono definiti da forme architettoniche ambigue, le cui immagini divengono soglie percettive ed esistenziali, stazioni di un percorso simbolico del quale ci offre una misteriosa evidenza visiva. Le sue fotografie nascono da uno strappo virtuale operato mediante la luce. L’oggetto rappresentato rimane intatto e la materia inviolata, ma virtualmente trasposti, tramite il processo fotografico, in un altrove spazio-temporale. Questo atto di estrazione dalla realtà costituisce l’appropriazione da parte dell’artista di qualcosa che profondamente già gli appartiene e che attende di essere visto e riconosciuto. Silvio Wolf, Diurno, 2026, archival pigment print su Fine Art Hahnemühle Photo Rag Baryta montata su dibond, 200 x 128 cm (206 x 134 cm con cornice)  Come osserva Wolf: “La mia predilezione per i luoghi di transizione vuole forse indicare che la Fotografia, in quanto linguaggio simbolico, può essere pensata come soglia tra il reale visibile e i suoi molteplici livelli d’interpretazione, il limite e punto di coincidenza tra materiale e immateriale, reale e possibile. La Fotografia è un’interfaccia, il luogo di contatto tra l’Io e il reale. Ogni lavoro nasce da un incontro che interroga lo spazio che ci separa da ciò che vediamo: è in quel varco sottile che continuo a ricercare”.   Durante il periodo della mostra, negli spazi di BUILDING TERZO PIANO, sarà presentato il libro d’artista: Dal Libro della Vita, realizzato da Prearo Editore (Milano) nel 2026. Questo libro-opera, in edizione bilingue (italiano e inglese), è costituito da 15 stampe originali in tiratura limitata firmate da Silvio Wolf e inserite in altrettanti quartini alla francese, racchiusi in una scatola-contenitore in seta nera. Il volume, accompagnato da una conversazione tra Alberto Fiz e Silvio Wolf, sintetizza 45 anni di ricerca visiva ed esistenziale dell’artista attorno ai temi della Soglia, dell’Assenza e dell’Altrove.

Ritratto di Silvio Wolf, ph. Isabella Balena L’artista   Silvio Wolf (Milano, 1952) vive e lavora tra Milano e New York. Ha studiato Filosofia e Psicologia in Italia e Fotografia e Arti visive a Londra dove ha conseguito lo Higher Diploma in Advanced Photography presso il London College of Printing. Fino alla metà degli anni ‘80 ha utilizzato esclusivamente il mezzo fotografico esplorandone gli statuti, il linguaggio e la bidimensionalità dell’immagine. Il suo lavoro si è orientato in direzioni diverse da quelle della tradizione, tese allora a privilegiare il valore testimoniale e narrativo dell’immagine fotografica, ricercando invece una visione soggettiva e metaforica della realtà. Ha realizzato polittici e opere di grande formato per esplorare i limiti della rappresentazione fotografica, sfidando la natura indessicale del mezzo attraverso l’interesse per l’astrazione e il rapporto tra visibile e invisibile. Tra le mostre di questo periodo si segnalano: Nuova Immagine nel 1980, Palazzo della Triennale di Milano; Linee della Ricerca Artistica in Italia 1960/80 nel 1981, Palazzo delle Esposizioni di Roma; Aktuell ‘83, Lenbachhaus di Monaco di Baviera; L'Italie Aujourd’hui nel 1985, Centre National d’Art Contemporain, Nizza, e Documenta VIII nel 1987, Kassel. Dalla fine degli anni ’80 ad oggi ha introdotto nel suo lavoro l’uso di un ampio spettro di nuovi linguaggi, utilizzando l’immagine in movimento, le proiezioni, la luce e il suono. Le sue opere escono così dalla bidimensionalità della fotografia, creando progetti multi-media e installazioni sonore che coinvolgono lo spazio architettonico e sociale, e la specificità dei luoghi in cui è chiamato a operare. L’artista risponde alla storia e alla personalità che i luoghi esprimono, stabilendo con essi un rapporto simbolico ed esperienziale del quale il pubblico diviene parte attiva e consapevole. Nei suoi progetti site-specific, come in tutta l’opera fotografica, sono sempre centrali i problemi del Limite, dell'Altrove e della Soglia. Ha realizzato mostre in gallerie e installazioni temporanee e permanenti in musei, spazi pubblici e luoghi non convenzionali in Belgio, Canada, Cina, Corea, Francia, Germania, Inghilterra, Italia, Lussemburgo, Spagna, Svizzera e Stati Uniti. Nel 2009 è stato invitato alla 53a Biennale di Venezia. Libri e monografie: Silvio Wolf, ed. Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden, 1992; Light Specific, ed. Nuovi Strumenti, Brescia, 1995; The Elsewhere, ed. Royal Festival Hall, Londra, 1999; Paradiso, ed. Galleria Gottardo e Contrasto, Milano, 2006; On The Threshold, ed. Silvana Editoriale, Milano, 2011; Origini, ed. Postmedia, Milano, 2016; Being and Becoming, ed. BDC, Parma, 2024. È docente presso l’Istituto Europeo di Design di Milano e la School of Visual Arts di New York. BUILDING è un progetto dedicato all’arte nelle sue più varie forme di espressione situato nel centro di Milano. Nata nel 2017 dalla visione di Moshe Tabibnia, BUILDING è incentrata su una ricerca artistica, storica e contemporanea, volta verso una nuova idea di galleria d’arte, in cui cultura e mercato avanzano paralleli. BUILDING si presenta come una costellazione composta da diversi spazi e progettualità, in cui giovani protagonisti della scena internazionale, artisti affermati e storicizzati, così come artigiani e designer si incontrano in un’ottica di scambio intergenerazionale e sconfinamento di discipline, mirando ad una costante sperimentazione e creazione di cultura.   BUILDING, collocata in via Monte di Pietà 23, ospita nella sua architettura tre progetti espositivi che durante l’anno presentano tre programmazioni autonome: BUILDING GALLERY, è lo spazio espositivo, inaugurato nel 2017, che abita i primi tre piani dell’architettura che l’accoglie e ospita le mostre principali della programmazione annuale della galleria; BUILDING BOX è il progetto espositivo annuale, inaugurato nel 2018 e situato all’interno di due delle vetrine su strada di BUILDING, fruibile dall’esterno 24 ore su 24, 7 giorni su 7 che ospita a cadenza mensile opere legate tra loro da un fil rouge temporale; BUILDING TERZO PIANO, situato al terzo piano, è uno spazio che nasce nel 2023 dal desiderio di esplorare la creatività in tutte le sue sfaccettature e la cui identità si svilupperà nel tempo seguendo una programmazione indipendente.     BUILDING TERZO PIANO   BUILDING TERZO PIANO, collocato al terzo piano di BUILDING, in Via Monte di Pietà 23, è uno spazio che nasce nel 2023 dal desiderio di esplorare la creatività in tutte le sue sfaccettature, attraverso modalità inedite non sperimentate in BUILDING GALLERY e BUILDING BOX.   La sua identità, volutamente lasciata sfumata, si svilupperà nel tempo, alimentata da mostre e progetti che seguiranno una programmazione indipendente e una differente periodicità rispetto agli altri piani della galleria.     MOSTRE IN CORSO   BUILDING GALLERY Un mondo tutto all'aperto Alice Cattaneo, Marco Andrea Magni 15 gennaio 2026 - 14 marzo 2026 SCARICA LA CARTELLA STAMPA   BUILDING BOX  Per filo e per segno. Percorsi di arte tessile in Italia a cura di Alberto Fiz 15 gennaio 2026 - 7 gennaio 2027 1/12 Numero Cromatico Frontiera del mio amore (2025) in mostra fino all'11 febbraio 2026

Al Museo degli Innocenti di Firenze, visti il grande successo di pubblico e la grande richiesta, continua fino al 7 giugno 2026 la mostra "TOULOUSE-LAUTREC. Un viaggio nella Parigi della Belle Époque"

 

In anteprima nazionale, l’esposizione non solo ripercorre la parabola creativa di uno dei più grandi artisti di ogni tempo,
ma ci trasporta dentro quel clima unico di Parigi fin de siècle, con i suoi artisti, le luci, le scoperte, il fulgore dell’arte.

fino al 7 giugno 2026

Museo degli Innocenti, Firenze

Con oltre 100mila visitatori, la mostra “Toulouse-Lautrec. Un viaggio nella Parigi della Belle Époque” al Museo degli Innocenti di Firenze si afferma come uno degli appuntamenti culturali più seguiti della stagione fiorentina e, alla luce dell’eccezionale affluenza e della forte richiesta da parte di pubblico, continua fino al 7 giugno 2026 il grande viaggio nella Parigi della Belle Époque.

Un risultato particolarmente significativo per una città come Firenze, meta turistica d’eccellenza e crocevia internazionale della cultura, dove l’esposizione ha saputo intercettare un pubblico ampio e trasversale includendo scolaresche, gruppi organizzati, turisti italiani e internazionali.
Un successo che testimonia la forza del progetto espositivo e la sua capacità di dialogare con interessi diversi, unendo rigore scientifico, qualità curatoriale e grande fascino visivo.

La mostra non solo ripercorre la parabola creativa di uno dei più grandi artisti di ogni tempo, ma trasporta il visitatore nel clima unico della Parigi di fine Ottocento, tra fermento artistico, vita notturna, modernità e spirito bohémien.
Al centro della narrazione una Parigi fin de siècle, l’epoca della spensieratezza e del progresso, dell’arte che invade i boulevard, dei caffè frequentati da pittori, scrittori e ballerine, delle prime luci elettriche e della nascita della società di massa. È in questo fermento culturale che nasce e si afferma Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901), figura unica nel panorama artistico europeo. Pittore, illustratore e innovatore grafico, Lautrec ha saputo catturare con sguardo ironico e profondo la vita notturna e lo spirito bohémien della Parigi di Montmartre. I suoi manifesti pubblicitari, realizzati con una tecnica litografica innovativa, non solo hanno rivoluzionato il concetto di grafica promozionale, ma sono divenuti vere e proprie icone visive della Belle Époque.

In mostra oltre 100 opere iconiche dell’artista francese – tra cui “Jane Avril”, “Troupe de Mademoiselle Églantine”, “Aristide Bruant nel suo cabaret” – sono immersi in una scenografia d’epoca, arricchita da arredi originali, oggetti storici, materiali d’archivio e opere di altri grandi artisti coevi: un vero e proprio viaggio nel tempo, tra i colori vibranti dei manifesti, il fermento dei caffè-concerto e l’atmosfera ribelle e poetica di Montmartre.
A rendere l’esperienza ancora più coinvolgente, l’esposizione presenta anche lavori di altri grandi protagonisti della Belle Époque e dell’Art Nouveau. Un vero e proprio viaggio visivo tra eleganza e innovazione, dove spiccano le seducenti figure femminili di Alphonse Mucha, i manifesti vivaci e coloratissimi di Jules Chéret – considerato il pioniere della pubblicità moderna – e le suggestive atmosfere di Georges de Feure. Completano il percorso le raffinate opere di Frédéric-Auguste Cazals, Paul Berthon e altri straordinari artisti che hanno saputo trasformare la grafica in arte. Un’occasione unica per immergersi nello spirito vibrante di un’epoca che ha fatto dello stile e della creatività la sua firma più riconoscibile.
A completare l’allestimento, un ricco apparato di fotografie, video e arredi d’epoca, che trasportano il visitatore in un viaggio multisensoriale nella Parigi tra il 1880 e il 1900. Un’epoca in cui arte, tecnologia, libertà espressiva e nuove forme di intrattenimento gettarono le basi del mondo moderno.

Con “Toulouse-Lautrec. Un viaggio nella Parigi della Belle Époque”, Firenze celebra non solo un artista straordinario, ma anche un momento storico irripetibile, che ancora oggi continua a influenzare la nostra immaginazione estetica.

Con il patrocinio del Comune di Firenze, la mostra è prodotta e organizzata da Arthemisia ancora una volta al fianco del Museo degli Innocenti, in collaborazione con Cristoforo, l’Ernst Barlach Museumsgesellschaft Hamburg e BridgeconsultingPro,  è curata dal Dr. Jurgen Doppelstein evede Gabriele Accornero come project manager della Collezione.

La mostra vede come special partner Ricola, partner Mercato Centrale Firenze, Unicoop Firenze e La Rinascente, mobility partner Frecciarossa Treno Ufficiale, media partner FirenzeToday, educational partner LABA.
Il catalogo è edito da Moebius.

MADE IN ITALY, CASTELLO DI MELETO ENTRA NEL REGISTRO SPECIALE DEI MARCHI STORICI DI INTERESSE NAZIONALE DEL MIMIT

 

È tra le sole 13 aziende del food & wine in Toscana riconosciute come Marchio Storico.        

 Un traguardo che premia storia, territorio e visione nel cuore del Chianti Classico

Castello di Meleto (Gaiole in Chianti, SI) ottiene il sigillo di “Marchio Storico di Interesse Nazionale” ed entra ufficialmente nel Registro speciale dei marchi storici istituito dal Ministero delle Imprese e del Made in Italy (MIMIT), riservato alle imprese che da almeno 50 anni rappresentano un patrimonio di eccellenza, continuità e identità produttiva italiana.

Un risultato di particolare rilievo nel panorama regionale e nazionale: a gennaio 2026 i marchi storici iscritti al registro sono circa 970 in tutta Italia, appartenenti a tutti i settori del Made in Italy. Castello di Meleto rientra tra le poche decine di aziende vitivinicole presenti nel Registro dei Marchi Storici.

La Toscana conta 38 riconoscimenti, confermandosi tra le regioni più rappresentative del patrimonio produttivo italiano. All’interno di questo perimetro altamente selettivo, sono solo 13 le aziende del comparto food & wine toscano ad aver ottenuto il riconoscimento di Marchio Storico: Castello di Meleto entra così in un gruppo ristrettissimo di eccellenze regionali.

«Questo riconoscimento non è soltanto un traguardo simbolico, ma la testimonianza di un modello che, pur preservando storia e heritage della tenuta, punta molto sull’innovazione e la comunicazione dei prodotti di eccellenza», dichiara Francesco Montalbano, Direttore Generale di Castello di Meleto. «Entrare nel Registro speciale dei marchi storici significa vedere tutelato e valorizzato un percorso lungo secoli, fatto di rispetto per il territorio, visione imprenditoriale e capacità di innovare senza perdere identità. Castello di Meleto è profondamente radicato nel Chianti Classico e questo riconoscimento rafforza il nostro impegno verso il futuro».

Castello di Meleto è oggi una delle realtà di riferimento del Chianti Classico: è una delle aziende con la maggiore superficie vitata biologica della denominazione, con una posizione iconica e immediatamente riconoscibile nel cuore delle colline senesi. Accanto alla produzione di vini di prestigio, autentica espressione del territorio, Meleto si distingue come progetto integrato di valorizzazione rurale e culturale, grazie ad una osteria a km zero, a un sistema di ospitalità di alto profilo e a una proposta enoturistica di grande attrattività.

Luogo simbolo del Chianti Classico, Castello di Meleto è attraversato dal tracciato de L’Eroica, la celebre manifestazione ciclistica internazionale che celebra le strade bianche e l’anima più autentica della Toscana, rafforzando il legame tra Meleto, il territorio e una narrazione fatta di valori, memoria e identità.

Con l’ingresso nel Registro dei Marchi Storici di Interesse Nazionale, Castello di Meleto consolida il proprio ruolo di ambasciatore del Made in Italy vitivinicolo, dove tradizione, qualità produttiva, paesaggio ed esperienza culturale convivono in un progetto coerente e contemporaneo.

Nota: La rilevazione dei dati si riferisce a febbraio 2026.

Galleria Borghese annuncia METAMORFOSI. Ovidio e le arti a cura di Francesca Cappelletti e Frits Scholten

 

la grande mostra realizzata in collaborazione con il Rijksmuseum di Amsterdam presenterà oltre 80 capolavori provenienti da importanti istituzioni internazionali mettendo in scena la potenza immaginativa delle Metamorfosi di Ovidio   Opere di Correggio, Michelangelo, Tiziano, Rubens, Poussin, fino a Gerôme, Rodin e Brancusi si confrontano con la visione di uno dei più grandi poeti dell’antichità negli spazi della Galleria, anch’essi ispirati al testo ovidiano   23 giugno - 20 settembre 2026

Sala degli Imperatori, Galleria Borghese ph. Luciano Romano ©Galleria Borghese

Roma, 9 febbraio 2026. Ha appena inaugurato presso il Rijksmuseum di Amsterdam la prima sede di Metamorfosi. Ovidio e le arti, il grande progetto espositivo nato dalla collaborazione del museo olandese con Galleria Borghese. A cura di Francesca Cappelletti e Frits Scholten, la mostra è stata ideata partendo da un dialogo scientifico condiviso e, dopo la presentazione olandese, approderà a Roma dal 23 giugno al 20 settembre 2026 in una configurazione autonoma e originale.   A partire dalle Metamorfosi di Ovidio – uno dei testi fondativi e più duraturi dell’immaginario occidentale – il progetto esplora il tema della metamorfosi come principio universale e come chiave di lettura del cosmo, della materia e della condizione umana. Il poema ovidiano diventa così il punto di accesso a una visione del mondo fondata sul mutamento, sull’instabilità delle forme e sulla permeabilità dei confini tra umano, naturale e divino.   Gli spazi della Galleria Borghese si configurano come il contesto privilegiato per lo sviluppo di questo progetto espositivo. La stessa fondazione della Villa “fuori Porta Pinciana” affonda infatti le proprie radici nell’universo simbolico delle Metamorfosi, rendendo questo luogo non solo adatto, ma intrinsecamente legato al tema della mostra. Il cardinale Scipione Borghese fece edificare il Casino nobile per accogliere parte della propria collezione, concependo l’architettura come dispositivo culturale capace di intrecciare mito, arte e autorappresentazione in un unico, coerente sistema di significati.   Questa vocazione si rafforzò nel Settecento con i restauri voluti da Marcantonio IV Borghese e affidati ad Antonio Asprucci, che riorganizzò gli spazi ponendo le sculture al centro delle sale e integrandole in un apparato decorativo ispirato alle Metamorfosi, dando forma a un contesto in cui la presenza di Ovidio risulta strutturale e pervasiva.   Cuore della mostra sarà dunque l’idea di metamorfosi come principio generativo, capace di attraversare e ridefinire il cosmo, la materia e il corpo; attraverso celebri miti e racconti spesso tragici, le Metamorfosi hanno offerto per secoli agli artisti un repertorio inesauribile di immagini e conflitti, dando forma visiva a passioni, desideri, astuzie, violenze, inganni e possibilità di redenzione. Il percorso espositivo restituirà una visione del mondo in cui dei, uomini e natura condividono un destino di trasformazione continua. Accanto a temi ovidiani come l’Amore, l’Aldilà e la creazione del mondo, la mostra indagherà anche il fenomeno dell’Ovide moralisé, riscrittura medievale dell’opera, che ha fortemente influenzato le rappresentazioni dei miti in epoca rinascimentale.   Dai grandi maestri del Rinascimento e del Barocco fino ad artisti di epoche più vicine a noi – tra cui Correggio, Michelangelo, Tiziano, Rubens, Poussin, fino a Gerôme, Rodin e Brancusi – l’esposizione metterà in luce la forza visiva e concettuale dei racconti ovidiani. Intorno all’Apollo e Dafne e al Plutone e Proserpina di Gian Lorenzo Bernini, e agli altri capolavori mitologici della Galleria, la mostra riaffermerà l’attualità del mito e il suo ruolo centrale nella costruzione dell’immaginario europeo.   Il percorso proporrà una rilettura simbolica e sensoriale del mutamento, evocando la tensione tra ordine e trasformazione, la fluidità delle identità e il rapporto dinamico tra corpo e natura. In questo dialogo tra mito e arte, la metamorfosi si configura non solo come trasformazione fisica, ma come categoria estetica e ontologica, capace di interrogare le relazioni tra tempo, spazio, materia e forma.   Prodotto in collaborazione con il Rijksmuseum, il catalogo della mostra – disponibile in italiano, inglese e olandese – presenta tutte le opere esposte nelle due sedi e include saggi di studiosi italiani e olandesi. Il progetto grafico è affidato a Irma Boom.   La Galleria Borghese ringrazia Intesa Sanpaolo – Gallerie d’Italia e Webuild S.p.A. per il loro sostegno.

SAN VALENTINO 2026 CON IL MOVIMENTO TURISMO DEL VINO DELL’UMBRIA

 

Esperienze, degustazioni e weekend romantici nelle cantine umbre per la festa degli innamorati

Perugia, 9 febbraio 2026    In Umbria, la festa di San Valentino non è solo una ricorrenza, ma un simbolo profondamente legato alla storia e all’identità del territorio. È qui, infatti, precisamente a Terni, che riposano le spoglie del Santo patrono degli innamorati, rendendo la regione un luogo naturalmente vocato a celebrare l’amore in tutte le sue forme.  Per San Valentino 2026, il Movimento Turismo del Vino Umbria invita coppie, appassionati e visitatori a vivere questa ricorrenza attraverso il linguaggio del vino, dell’accoglienza e della convivialità. Tra colline, borghi e vigneti, le cantine umbre aprono le loro porte con un ricco calendario di esperienze pensate per trasformare un semplice weekend in un momento da condividere e ricordare.   “Attraverso queste iniziative – spiega il Presidente di MTV Umbria Giovanni Dubini – vogliamo invitare i visitatori a scoprire, o riscoprire, i paesaggi umbri, i prodotti del territorio e l’atmosfera delle nostre cantine. Un modo semplice e piacevole per avvicinarsi al vino e alle tradizioni locali, trasformando San Valentino in un’occasione per vivere l’Umbria in modo autentico e consapevole”.  A Colle Umberto, l’Azienda Agricola Carini accoglie gli innamorati sabato 14 febbraio con un tour in cantina seguito da una degustazione guidata. Dopo un calice di bollicine di benvenuto, gli ospiti potranno scoprire il Poggio Canneto Bianco e l’Oscano Rosso, accompagnati da un ricco tagliere di salumi di cinta senese, formaggi, crostini, pane tipico umbro e torta al testo. L’esperienza si completa con l’assaggio dell’olio extravergine “Colle delle Macine” e con la degustazione del passito Lumia V.T. abbinato a cioccolatini artigianali, per un finale all’insegna della dolcezza.  Immersa nella campagna di San Venanzo, la Fattoria di Monticello propone per il weekend di San Valentino un pacchetto che unisce ospitalità, visita in cantina e degustazione. Il cuore dell’esperienza è rappresentato dalla cena romantica nel ristorante aziendale, dove gli chef firmano un raffinato menu di pesce pensato per valorizzare la qualità delle materie prime e creare un’atmosfera intima e accogliente.  Sulle colline di Gualdo Cattaneo, Terre della Custodia invita gli ospiti a vivere una giornata dedicata alla scoperta dei propri vini attraverso tre diverse formule di visita e degustazione. Dalla versione più breve fino al percorso più articolato con abbinamenti gastronomici, ogni proposta è pensata per raccontare l’identità del Sagrantino e delle altre varietà coltivate, offrendo un’esperienza completa tra vigna, cantina e tavola.  A Pila, Cantina Goretti dedica a San Valentino un appuntamento esclusivo dal titolo “Affinità & Contrasto”, una degustazione di coppia che mette in dialogo cinque vini selezionati con abbinamenti gastronomici studiati per esaltarne le caratteristiche. Un percorso sensoriale che diventa metafora dell’equilibrio tra similitudini e differenze, proprio come in ogni storia d’amore, arricchito dalla visita alla cantina e dal racconto della famiglia Goretti.  Nel cuore di Montefalco, La Veneranda celebra la festa degli innamorati con “Innamorati del Sagrantino”, un’esperienza che prevede un dolce speciale abbinato al Sagrantino Passito DOCG e una degustazione dedicata alle coppie, con apertura prolungata fino alle ore serali, per godere appieno dell’atmosfera del borgo e dei vigneti circostanti.  A Montegabbione, nella suggestiva cornice del Castello di Montegiove, la Tenuta di Montegiove propone nelle giornate del 13 e 14 febbraio un percorso che unisce visita in cantina, degustazione di quattro vini e piatto in abbinamento, arricchito dal regalo di una magnum di rosato per ogni coppia, trasformando l’esperienza in un ricordo da custodire nel tempo.  A Todi, Cantina Roccafiore accoglie gli ospiti con una visita guidata agli ambienti di produzione e affinamento, seguita dal pranzo presso il ristorante Fiorfiore. Il menu degustazione, ispirato alla cucina umbra reinterpretata in chiave contemporanea, viene accompagnato da una selezione di quattro vini aziendali. Per chi desidera prolungare il soggiorno, è possibile integrare l’esperienza con percorsi benessere e trattamenti presso la spa del resort.  Sulle sponde del Lago Trasimeno, l’Azienda Agricola Madrevite dedica due giornate al “Madrevite Love Weekend”, un evento pensato per celebrare l’amore in tutte le sue declinazioni. Tra visite in cantina, pranzi degustazione e momenti informali davanti al camino, l’azienda invita coppie, famiglie e amici a condividere tempo di qualità in un clima autentico e conviviale.  Sempre a Todi, Cantina Todini apre le proprie porte con il consueto programma di visite e degustazioni, riservando alle coppie un dolce omaggio: una confezione di cioccolatini artigianali, pensata per rendere ancora più speciale la giornata dedicata agli innamorati.  Ad Agello, Cantina Libera Lepre – in collaborazione con Centumbrie – organizza una cena con menu dedicato e wine pairing, unendo creatività gastronomica e identità territoriale in un evento pensato per chi desidera vivere San Valentino in modo originale.  A Montefalco, Perticaia propone un percorso inedito che mette in dialogo vino e cioccolato in un racconto in quattro atti. Dal Trebbiano Spoletino al Sagrantino Passito, ogni calice viene abbinato a ingredienti selezionati come cacao puro, nocciole, peperoncino e scorze d’arancia, dando vita a un’esperienza intensa, elegante e fuori dagli schemi.  Nella cantina Saio di Assisi, dal 13 al 15 febbraio, gli ospiti potranno vivere un intero weekend tra vigneti, panorami suggestivi e momenti di relax, con lo sfondo unico della città di Assisi, tra degustazioni guidate, assaggi di olio extravergine di oliva, aperitivi e pranzi ispirati alla tradizione locale, passeggiate panoramiche tra i filari e picnic nella veranda affacciata sui vigneti.  Cantina Chiorri, nella zona dei Colli Perugini, propone infine un’esperienza sensoriale in cantina con visita e degustazione del Frà, Spumante brut nature ancestrale in barricaia e dei vini Vero Amore, passito bianco e rosso, abbinati a formaggi, crudités e dolci.

Dal Papa in Marzo il Rum del Vaticano

 

Tra sacro e profano, il Rum Vaticano di Tabai sarà presentato al Papa a Roma

Cuneo, 10 febbraio 2026 - Sarà presentato per la benedizione a Papa Leone XIV, in occasione di una visita di tutto il team della Tabai, il prossimo mese di marzo il Rum del Vaticano Tabai. Un distillato che da sempre si afferma come qualcosa che va oltre il bicchiere, nel panorama degli spirits di alta gamma, dove il valore simbolico conta quanto la qualità del prodotto.

I distillati dal valore culturale

La crescente attenzione di Tabai verso distillati con una forte carica narrativa riflette un cambiamento più ampio nel consumo di lusso: oggi il valore non è più solo materiale, ma culturale. Tabai risponde perciò a questa esigenza proponendosi come rum da collezione, capace di evocare spiritualità, tradizione e una visione contemporanea del sacro reinterpretato in chiave lifestyle.

Un posizionamento che lo rende affine al linguaggio della moda e del design, dove il confine tra funzione e simbolo è sempre più sottile. Come accade per un accessorio iconico o un pezzo statement, anche Tabai diventa espressione di stile e identità personale.

Un distillato dall’alto valore simbolico, che strizza l’occhio al lifestyle

Sempre più presente in contesti lifestyle, eventi esclusivi e collezioni private, Tabai intercetta una nuova tendenza del lusso contemporaneo: quella degli spiritual spirits, capaci di unire ritualità, narrazione e identità.

Non si tratta solo di degustazione, ma di esperienza. Il Rum Vaticano Tabai si inserisce in un racconto che dialoga con il mondo fashion e luxury, dove ogni oggetto è scelto per ciò che rappresenta. In questo scenario, la bottiglia diventa elemento decorativo, simbolico, quasi talismanico, destinato a spazi selezionati e a un pubblico che cerca significati profondi, oltre l’estetica.

A definire l’essenza del marchio è la sua stessa filosofia, riassunta in un estratto che ne chiarisce l’intento narrativo:

“Tabai nasce per raccontare una storia, non solo per essere bevuto. Ogni bottiglia è un invito alla contemplazione, al rituale, al valore del tempo”.

In un mercato sempre più affollato di etichette premium, il rum vaticano Tabai si distingue così per la capacità di trasformare uno spirito in un oggetto di culto, intercettando una tendenza che parla di lusso consapevole, storytelling e ricerca di significato. Una direzione che guarda al futuro, senza rinunciare al potere evocativo delle sue radici.

 

Sabato 14 febbraio, ore 18 Mattia Moreni prima e dopo l’Informale Conferenza di Claudio Spadoni

 

Fondazione Sabe per l’arte Via Giovanni Pascoli 31, Ravenna

Sabato 14 febbraio 2026 alle ore 18, la Fondazione Sabe per l’arte presenta la conferenza Mattia Moreni prima e dopo l’Informale di Claudio Spadoni, storico dell’arte, critico e curatore.   Mattia Moreni. Dalla formazione a “L’ultimo sussulto prima della grande mutazione” è il titolo del progetto espositivo che ricostruisce il percorso dell’artista attraverso cinque mostre in altrettante sedi museali dell’Emilia-Romagna: l’Ex Convento di San Francesco di Bagnacavallo, il Museo San Domenico di Forlì, la Galleria d’Arte Contemporanea “Vero Stoppioni” di Santa Sofia, il MAMbo - Museo d'Arte Moderna di Bologna e il MAR - Museo d'Arte della città di Ravenna.   Promosso dall’Associazione Mattia, patrocinato dalla Regione Emilia-Romagna, dai Comuni dei rispettivi musei e dal Dipartimento delle Arti dell’Università di Bologna, è il più grande progetto espositivo mai realizzato su Moreni, corredato da un ricco catalogo edito da Dario Cimorelli. A partire dai risultati di questa poderosa impresa di valorizzazione dell’artista, Claudio Spadoni, coordinatore del progetto e membro del comitato scientifico della Fondazione Sabe, illustrerà le principali tappe del percorso di Mattia Moreni, i suoi snodi tra Neocubismo, Ultimo Naturalismo, Informale e oltre, per approfondire la conoscenza di uno dei più importanti artisti italiani del Novecento.   L’evento, patrocinato dal Comune di Ravenna – Assessorato alla Cultura e dal Dipartimento di Beni Culturali, Campus di Ravenna, realizzato in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Ravenna, sarà anche l’occasione per visitare la mostra Immagini nello spazio dell’artista Nataly Maier, a cura di Cristina Casero (visitabile presso la Fondazione Sabe per l’arte fino al 12 aprile 2026).   L’incontro sarà trasmesso anche in streaming tramite il canale YouTube della Fondazione.   Claudio Spadoni è storico dell’arte, critico e curatore. Allievo di Francesco Arcangeli all’Università di Bologna, è stato docente di Storia dell’Arte e direttore dell’Accademia di Belle Arti di Ravenna. È stato inoltre critico per «Il Resto del Carlino» e per «QN», collaborando al contempo con diverse riviste specialistiche. Ha fatto parte dei comitati scientifici di diverse istituzioni, tra cui la Biennale di Venezia, la Quadriennale di Roma e Arte Fiera di Bologna. Dal 2002 al 2014 ha diretto il MAR – Museo d’Arte della Città di Ravenna, per il quale ha realizzato mostre sulla storia dell’arte moderna e contemporanea. Tra queste si ricordano Da Renoir a De Staël. Roberto Longhi e il moderno (2003) e Turner Monet Pollock. Dal Romanticismo all’Informale (2005), omaggio ad Arcangeli. Attualmente è membro del consiglio della Fondazione Vedova di Venezia e dei comitati scientifici dell’Archivio Ennio Morlotti di Milano e della Fondazione Sabe per l’arte di Ravenna. Tra le sue pubblicazioni più recenti ricordiamo la raccolta di saggi Storie d’arte e di critica tra Ottocento e Novecento (2021).   Ingresso libero fino a esaurimento posti.    Informazioni: info@sabeperlarte.org | www.sabeperlarte.org   Nataly Maier Immagini nello spazio a cura di Cristina Casero Sede Fondazione Sabe per l’arte | via Giovanni Pascoli 31, Ravenna Periodo 24 gennaio – 12 aprile 2026 Orari giovedì, venerdì, sabato e domenica ore 16-19 Ingresso libero

Mattia Moreni, Nuvola Bianca, 1958, olio su tela, cm 130 × 180, Ravenna, collezione privata