SOL EXPO 2026 - THE OLIVE&OIL TRADE SHOW 1 - 3 MARZO 2026

 

AL VIA DOMANI SOL EXPO 2026:
TRE GIORNI DEDICATI ALL’ECCELLENZA DELL’OLIO D’OLIVA CON OLTRE 90 APPUNTAMENTI TRA DEGUSTAZIONI, CONVEGNI ED INCONTRI DI FILIERA
 
DOMENICA PRESENTE IL MINISTRO DELL'AGRICOLTURA, DELLA SOVRANITÀ ALIMENTARE E DELLE FORESTE FRANCESCO LOLLOBRIGIDA
  

Verona, 28 febbraio 2026 - SOL Expo si prepara ad aprire le porte della sua 2ª edizione domani, domenica 1° marzo, confermandosi l'appuntamento più atteso dedicato all’eccellenza dell’olio d’oliva e alla sua filiera. La rassegna è in programma a Veronafiere fino al martedì 3 marzo.
 
La manifestazione prenderà ufficialmente il via alle ore 11 con l’inaugurazione che si svolgerà nell’Area Talk del padiglione 12, accessibile dall’ingresso Re Teodorico, su viale dell'Industria.
Al taglio del nastro interverranno: il presidente di Veronafiere Federico Bricolo, il sindaco di Verona Damiano Tommasi, il vicepresidente della Provincia di Verona David Di Michele, il sottosegretario del Masaf Patrizio La Pietra e il direttore aggiunto del Coi Abderraouf Laajimi.
 
Alle ore 14 è atteso in fiera anche il ministro dell’Agricoltura, della Sovranità alimentare e delle Foreste Francesco Lollobrigida.
 
L'olio extravergine di oliva è uno dei prodotti più rappresentativi del Made in Italy, aggiudicandosi il podio come terzo bene agroalimentare più consumato dagli italiani dopo pasta e pizza
Per tre giorni Veronafiere diventerà il punto d’incontro per il settore dell’olio d’oliva, con 230 aziende presenti e 15 regioni produttrici, insieme a realtà provenienti da Slovenia, Spagna e Ungheria. In programma oltre 90 appuntamenti tra degustazioni, approfondimenti e momenti di confronto sul mondo agroalimentare.
 
Un percorso pensato per coinvolgere operatori e pubblico attraverso assaggi guidati e iniziative di formazione, offrendo la possibilità di conoscere da vicino il lavoro delle aziende e l’evoluzione dell’olivicoltura italiana e internazionale.

SGUARDI SULL’AFRICA a cura di Paolo Giglio e Samuele Menin

 

Arte tradizionale e giovani voci, arte contemporanea e la Scuola di Casablanca 250 tra opere d’arte e manufatti esposti per la prima volta raccontano la complessità e la varietà della produzione artistica africana 1° marzo – 4 maggio 2026   Una mostra realizzata in collaborazione con l'Assessorato alla Cultura del Comune di Piacenza   Palazzo Gotico Piazza Cavalli, Piacenza sguardisullafrica.it Piacenza, 27 febbraio 2026. Composta da 54 nazioni, custode di incredibili risorse naturali, ricca di culture e tradizioni e culla dell’umanità, l’Africa continua a esercitare sull’universo interculturale e globale contemporaneo un fascino indiscutibile. Dal 1° marzo, negli spazi di Palazzo Gotico, uno dei più antichi edifici di Piacenza, la mostra Sguardi sull’Africa a cura di Paolo Giglio e Samuele Menin, attraverso 250 tra opere d’arte e manufatti, racconta la complessa e variegata produzione artistica africana.   Figlia della progressiva riscoperta degli artisti africani e della loro capacità di far dialogare armonicamente tradizione e contemporaneità, Sguardi sull’Africa celebra anche il profondo legame tra Piacenza e l’Africa, nato negli anni Sessanta con la costruzione della Diga di Kariba sul fiume Zambesi, che vide coinvolta anche un’impresa locale, e tenuto vivo da figure di grande spessore umanitario come don Vittorio Pastori, fondatore del Movimento Africa Mission, che dagli anni Settanta porta aiuti concreti sul territorio, in particolare in Uganda.   La mostra mette in dialogo opere provenienti da due importanti collezioni, – la Collezione Giglio di Paolo e Bruno Giglio e la Collezione54 di Rosario Bifulco – ed è organizzata in sezioni dedicate rispettivamente a oggetti e statue rituali, alla pittura marocchina degli anni Trenta e a opere di artisti africani contemporanei, sia emergenti sia già affermati, in un allestimento innovativo ideato da Studio Fosbury in dialogo con gli spazi storici.   La pluralità di provenienze, epoche e linguaggi dei lavori ha ispirato un’organizzazione non didascalica o cronologica, ma relazionale, grazie all’ideazione di un dispositivo spaziale unitario, simile a un coro medievale, capace di valorizzare singolarità e risonanze reciproche: una tribuna che consente una fruizione non lineare ma a più livelli, ascensionale. Il visitatore incontra sculture, oggetti di culto, maschere, dipinti che abitano lo spazio come soggetti e non come oggetti semplicemente esposti.   La sezione Scuola di Casablanca e Modernismo in Marocco comprende opere di Mohammed Ben Ali R’bati, Farid Belkaia, Ahmed Cherkaoui, Fatna Gbouri, Hassan El Glaoui, Jilali Gharbaoui, Fatima Hassan El Farouj, Mohamed Melehi, Mohamed Kacimi, Chaibia Talal e Jacques Majorelle.   Si tratta di artisti che hanno cercato risposta a una comune domanda: come essere contemporanei senza rinunciare alla propria memoria visiva e simbolica? E se alcuni di loro, come gli appartenenti alla Scuola di Casablanca (Farid Belkahia, Mohamed Melehi), hanno definito un atteggiamento volto a costruire la modernità all’interno della tradizione, altri, come Chaibia Talal, Fatna Gbouri e Fatima Hassan El Farouj, hanno esplorato percorsi personali e istintivi, non meno innovativi. La scena marocchina del Novecento mantiene dunque, nel suo complesso, una comune tensione a trasformare memoria, esperienza e cultura visiva in linguaggio contemporaneo.   La parte dedicata all’Arte Contemporanea Africana proveniente dalla Collezione 54, costruita in oltre trent’anni da Rosario Bifulco, comprende le opere di Kamudzengerere Admire, Bodo Amani, Patrick Bongoy, Wim Botha, Edson Chagas, Meschac Gaba, Maimouna Guerresi, Fathi Hassan, Pieter Hugo, Cyrus Kabiru, Bonolo Kavula, Abdoulaye Konaté, Teresa Kutala Firmino, Ibrahim Mahama, Zanele Muholi, Kelechi Charles Nwaneri, Chéri Samba, Barthélémy Toguo e Raymond Tsham.   Le opere esposte, che spaziano dalla pittura alla fotografia, dagli arazzi alle installazioni, documentano la molteplicità di posizioni, visioni e contesti che caratterizza oggi la scena africana, affrontando temi come il rapporto tra materia e memoria nelle opere tessili di Abdoulaye Konaté e Ibrahim Mahama, le questioni identitarie nelle fotografie di Cyrus Kabiru e Zanele Muholi, o il riuso e la trasformazione dei materiali nelle opere di Patrick Bongoy e Bonolo Kavula. Una sezione che restituisce un panorama dinamico, un campo di relazioni capace di costruire una nuova narrazione del presente.   L’ultima sezione, Giovani Voci, con le opere di Ako Atikossie, Ibrahim Ballo, Soly Cissè, Binta Diaw, Adji Dieye, Victor Fotso Nyie, Francis Offman, Odinakachi Okoroafos e Pedro Pires, racconta una generazione di artisti giovani o giovanissimi le cui ricerche si fanno interpreti delle trasformazioni identitarie contemporanee e delle relazioni tra cultura africana, migrazioni e diaspora: una polifonia capace di ridefinire l’Africa di oggi.   Provenienti da contesti geografici e culturali diversi, molti segnati dall’esperienza della migrazione, questi autori raccontano la diaspora come spazio dinamico di scambio e trasformazione, in cui radici e cambiamento convivono e si rinnovano. Attraverso pittura, fotografia, scultura, installazione e pratiche d’archivio, gli artisti di questa sezione affrontano temi legati alla memoria, all’eredità coloniale e ai sistemi di rappresentazione che hanno contribuito a costruire narrazioni semplificate sull’Africa e le sue comunità.

CADOGAN GALLERY presenta Kim Bartelt Der Himmel über Berlin

 

L’artista berlinese presenta un nuovo corpus di opere che indagano gli stati di transizione tra spazi e istanti sospesi, esplorando condizioni di soglia in cui percezione, memoria e materialità restano in costante tensione   11 marzo – 8 aprile 2026 OPENING | mercoledì 11 marzo, 18.00 – 20.00   Cadogan Gallery Via Bramante 5, Milan cadogangallery.com

Milano, 27 febbraio 2026. Da mercoledì 11 marzo, gli spazi milanesi di Cadogan Gallery ospitano la mostra personale dell’artista berlinese Kim Bartelt dal titolo Der Himmel über Berlin.   Proseguendo un’indagine attivata con la precedente mostra Zwischen Tür und Angel, l’artista presenta un nuovo corpus di opere che esplorano il senso di transizione tra spazi e istanti sospesi, una condizione di soglia che esprime con un linguaggio formale delicato, caratterizzato dall’applicazione di fogli di carta velina su tela, a comporre blocchi geometrici. La carta semi-trasparente, per l’artista, è metafora della transitorietà, evocando la vulnerabilità del momento e l’impermanenza dell’esperienza vissuta.   Concepito nel suo studio, questo nuovo ciclo di lavori trae ispirazione dalle tonalità e dall’atmosfera dello skyline urbano, visibile in lontananza dalla finestra. Lo spettatore è invitato a sostare in questo spazio di transizione, sottilmente avvolto dalla palette della città: una soglia in cui materialità e sentimento convergono.   Negli spazi di SOLO della galleria sarà visibile, dal 3 marzo all’8 aprile 2026, un gruppo di opere dell’artista texana Terrell James. Attraverso una propria e inconfondibile lente astratta, l’artista dipinge il mondo naturale: pur interpretando il paesaggio piuttosto che rappresentarlo, le forme organiche delle sue opere alludono direttamente alle loro origini in piante, animali, fossili e ghiacciai.  Forme definite dominano questi nuovi lavori, che segnano una nuova fase della pratica dell’artista, generando un ritmo percepibile e un senso lirico di movimento all’interno di ogni composizione.

Photo credit Pietra Studio

AL VIA DOMENICA SOL EXPO 2026: OLTRE 90 EVENTI INTERAMENTE DEDICATI ALL’OLIO D’OLIVA

 

TRE GIORNI TRA ATTUALITÀ, FORMAZIONE E GUSTO PER PROFESSIONISTI E CONSUMATORI
 

Atteso nella giornata di apertura il ministro Francesco Lollobrigida. Partecipa all’inaugurazione (domenica 1/3, ore 11) il sottosegretario Masaf Patrizio La Pietra e il direttore aggiunto del Coi, Abderraouf Laajimi.

Verona, 27 febbraio 2026. Più di novanta appuntamenti in tre giorni tra attualità, formazione e gusto, in un viaggio che abbraccia l’Italia dell’olio d’oliva da Nord alle isole. SOL Expo si prepara a tagliare il nastro della seconda edizione, in programma a Veronafiere da domenica a martedì (1-3 marzo 2026, pad. 12), pronta ad accogliere professionisti del settore, ma anche consumatori e foodies. Con 15 regioni produttrici presenti in quartiere e la presenza di 230 aziende da Italia, Slovenia, Spagna e Ungheria, oltre alle principali associazioni di settore, la rassegna rappresenta una vetrina internazionale interamente dedicata all’intera filiera, dall’olivo alla tavola.

Sul fronte del programma, si parte domenica mattina con l’inaugurazione (ore 11, Area Talk) con gli interventi – dopo i saluti del presidente di Veronafiere, Federico Bricolo, del sindaco di Verona, Damiano Tomasi, e del vicepresidente della Provincia di Verona, David Di Michele, del sottosegretario al ministero dell’Agricoltura, Patrizio La Pietra, e del direttore aggiunto del Consiglio Oleicolo Internazionale (Coi), Abderraouf Laajimi. È atteso per la prima giornata di manifestazione anche il ministro dell'Agricoltura, della Sovranità alimentare e delle Foreste, Francesco Lollobrigida.

In evidenza tra gli appuntamenti dedicati ai temi caldi del settore il convegno previsto nella mattinata di lunedì (2/3, ore 12, Area Talk), dedicato alle “Sfide di mercato per l’olio di oliva in un mondo che cambia”, un excursus sullo scenario globale dal cambiamento climatico ai cambiamenti produttivi e dai consumatori alle dinamiche di prezzo. Partecipano al dialogo Patrizio La Pietra, Abderraouf Laajimi, il direttore della North American Olive Oil Association, Joe Profaci, ed Evita Gandini, head of market insight di Nomisma che presenterà la nuova consumer survey realizzata dalla società di ricerche per SOL Expo. L’analisi sulla congiuntura economica e su scenari futuri e futuribili prosegue nel pomeriggio (2/3, ore 15, Area Talk) con “Dal mercato europeo a quello Mediterraneo fino al Mercosur: i venti che sferzano l’olivo e l’olio di oliva”, il talk che vedrà gli europarlamentari Dario Nardella (Commissione Agricoltura Parlamento europeo) e Stefano Cavedagna (Commissione Mercato Interno Parlamento europeo) confrontarsi con Patrizio La Pietra, Javier Olmedo, direttore della Fundation de Olivar, e Gennaro Sicolo, vicepresidente del Comitato consultivo del Coi. È previsto invece per l’inizio della seconda giornata il Tavolo Piano Olivicolo Nazionale del Masaf (2/3, ore 9.30, Sala B), a cui seguirà “Quanta voglia di sostenibilità: dalla realtà scientifica alla narrazione per l’olio extravergine di oliva” (2/3, ore 11.30, Area Talk), con il punto di vista del ministro Francesco Lollobrigida, di Abderraouf Laajimi, e di Alessia Zucchi, ad Oleificio Zucchi. Tra gli appuntamenti istituzionali, la Giunta Nazionale di Fiepet Confesercenti, in programma nel primo pomeriggio del lunedì (2/3, ore 14.30, Sala A).

Ricchissimo il calendario delle degustazioni e dei tasting, che spaziano dagli approfondimenti regionali – con sessioni dedicate alle caratteristiche organolettiche delle diverse varietà – al pairing, dalla carne cruda battuta al dolce, dalla maionese all’intramontabile pasta in bianco, passando per proposte più elaborate come il risotto in “sinfonia olio e radicchio” o il “tortello in rosa”. Non mancano le incursioni nella mixoilogy, con le masterclass sui cocktail a base di olio a cura di Ludovico di Clemente e Bartenders Group, ma neanche le occasioni “ricreative”, come lo spettacolo teatrale “Strippaggio? Yes, please” (1/3, ore 15, Area Talk), che vede Samuele Nannoni e Lorenzo Testoni portare in scena i testi di Airo.

SOL Expo (Veronafiere, 1-3 marzo, Pad. 12) è la vetrina internazionale dedicata alla filiera dell’olio di oliva e dell’olivo. Forte di un format unico in Italia, l’evento si caratterizza come piattaforma B2B2C, capace di mettere in relazione operatori professionali, aziende, ristorazione e consumatori consapevoli. Un luogo di business, formazione e cultura che valorizza l’eccellenza olearia italiana con una forte vocazione all’internazionalizzazione e al dialogo con il pubblico finale.

 

Informazioni e biglietti: https://www.solexpo.com/

Date: 1-3 marzo 2026

Orari:

•     Domenica 1 marzo: 10:00 - 18:00

•     Lunedì 2 marzo e martedì 3 marzo: 9:30 - 18:00

ANNUNCIATI I SETTE FINALISTI DELLA XIII EDIZIONE DI GIOVANE FOTOGRAFIA ITALIANA | PREMIO LUIGI GHIRRI 2026 – “VOCI / VOICES”

 

Oltre 300 candidature per la nuova edizione dell’open call promossa dal Comune di Reggio Emilia che si conferma punto di riferimento per la promozione dei talenti emergenti della fotografia italiana under 35. I progetti selezionati saranno in mostra al Palazzo dei Musei di Reggio Emilia dal 30 aprile al 14 giugno 2026 durante il festival Fotografia Europea e concorreranno per il prestigioso Premio Luigi Ghirri.

La nuova edizione dell’open call di Giovane Fotografia Italiana | Premio Luigi Ghirri 2026, il progetto originale promosso dal Comune di Reggio Emilia e dedicato alla scoperta e valorizzazione dei talenti emergenti della fotografia in Italia, ha raccolto anche quest’anno l’interesse di centinaia tra artisti e collettivi attivi sulla scena nazionale e internazionale, registrando oltre 300 candidature pervenute. Un dato che conferma Giovane Fotografia Italiana | Premio Luigi Ghirri quale punto di riferimento per la promozione dei talenti emergenti della fotografia italiana, nonché importante occasione di ricognizione sullo stato della fotografia under 35.   Tra tutti i progetti candidati, la giuria di selezione dell’open call – quest’anno composta da Danit Ariel (Photoworks Festival, Brighton), Ilaria Campioli e Daniele De Luigi (curatori di Giovane Fotografia Italiana), Krzysztof Candrowicz (Fotofestiwal, Łódź) e Femke Rotteveel (Fotodok, Utrecht) – ha individuato i sette artisti finalisti che dal 30 aprile al 14 giugno 2026 avranno l’opportunità di esporre nella collettiva ospitata al Palazzo dei Musei di Reggio Emilia nell’ambito del festival Fotografia Europea. Gli artisti concorreranno per il prestigioso Premio Luigi Ghirri, del valore di 4.000 euro, e per altre importanti opportunità di valorizzazione e circuitazione sulla scena artistica internazionale. Tra queste, la menzione speciale “Nuove traiettorie”, assegnata dall’Istituto Italiano di Cultura di Stoccolma, che consentirà ad un artista di svolgere un periodo di studio e ricerca in Svezia durante il quale sarà chiamato a produrre un progetto artistico che sarà successivamente esposto nella sede stessa dell’Istituto in una mostra personale, e la possibilità di partecipare al programma di letture portfolio Photo-Match del Fotofestiwal Łódź in Polonia, tra i più importanti festival europei dedicati alla fotografia.    Gli artisti selezionati per la XIII edizione sono Susanna De Vido (“Quando torneremo a guardare le stelle”), Karim El Maktafi (“Archivio del mare”), Alice Jankovic (“Green Paradox”), Cinzia Laliscia (“Finalmente posso andare”), Anie Maki (“Milk, Weight, Gravity”), Eva Rivas Bao (“Una storia italiana”) e Federica Torrenti (“La fortezza”). Gli artisti e i progetti selezionati sono stati chiamati a confrontarsi con “Voci / Voices”, il tema di questa edizione, proposto dai curatori Ilaria Campioli e Daniele De Luigi e ispirato al romanzo “Io canto e la montagna balla” (2020) di Irene Solà, un racconto corale che dà voce a presenze umane e non umane rendendo visibile l’invisibile e la memoria. Come nella scrittura di Solà, anche la fotografia si confronta con ciò che sfugge allo sguardo, costantemente sospesa tra apparizione e sparizione, documento ed evocazione. In un’epoca dominata da un eccesso di immagini, molte esistenze restano senza rappresentazione: la mostra si propone così come uno spazio di ascolto e immaginazione, interrogando la capacità delle immagini di dare voce a ciò che manca e di aprire nuovi modi di vedere e di esistere. Nel loro complesso, i progetti selezionati interpretano e declinano il tema in forme eterogenee componendo un paesaggio polifonico in cui la fotografia diventa strumento di evocazione, ascolto e restituzione.   GLI ARTISTI E I PROGETTI SELEZIONATI   Con “Quando torneremo a guardare le stelle”, Susanna De Vido (Conegliano, 1993) interroga la rappresentazione del vivente: mentre gli animali scompaiono dai loro habitat, continuano a “sopravvivere” nei musei, negli archivi scientifici e negli album di famiglia. Queste pratiche hanno costruito un immaginario della natura fondato su separazione, controllo e appropriazione. Il progetto riflette sui rapporti tra umano e non-umano nelle società occidentali patriarcali nell’era dell’Antropocene, spesso fondati su logiche legate alla separazione, al controllo, all’estrazione e all’appropriazione del vivente. Un invito ad aprire uno spazio di riflessione per dischiudere prospettive laterali e nuove possibilità di coesistenza.   Con “Archivio del mare”, Karim El Maktafi (Desenzano del Garda, 1992) indaga la memoria delle migrazioni contemporanee nel Mediterraneo attraverso gli oggetti recuperati dopo i naufragi e un’attenzione a uomini, donne e bambini che attraversano il mare per cercare un futuro possibile. L’artista affida agli oggetti recuperati il compito di parlare per chi non può più farlo: gli effetti personali diventano così frammenti di vite interrotte e presenze silenziose che restituiscono dignità e identità alle persone scomparse. La fotografia si fa archivio e testimonianza, trasformando l’assenza in memoria condivisa e interrogando la nostra capacità di riconoscere le voci sommerse della contemporaneità.   “Green Paradox” di Alice Jankovic (Genova, 1996) è dedicato al Verde di Scheele, un pigmento settecentesco di straordinaria brillantezza ma dalla natura intrinsecamente tossica, che diventa il fulcro di un’indagine visiva che esplora il paradosso tra bellezza estetica e pericolo invisibile. Attraverso un’archeologia cromatica che intreccia scienza, mito ed ecologia, il progetto riflette su ciò che non è immediatamente visibile come la tossicità nascosta e l’impatto invisibile dell’azione umana sull’ambiente. La voce evocata è quella della natura, fragile e resiliente, che continua a manifestarsi oltre le narrazioni rassicuranti del “verde”.   Sono invece le voci dell’assenza e del lutto ad attraversare “Finalmente posso andare” di Cinzia Laliscia (Terni, 1999), progetto che sussurra di un mondo interiore parallelo e sospeso dove gli addii restano inespressi. Nel 2020, nel pieno della pandemia, l’artista ha subito due lutti familiari e l’impossibilità dell’estremo saluto l’ha portata a rifugiarsi nella natura e nel paesaggio dell’infanzia, selvaggio e familiare, per comporre un diario visivo della memoria. La fotografia si fa qui luogo di dialogo con chi non c’è più, evocando una dimensione intima in cui memoria e consolazione convivono.   Anche “Milk, Weight, Gravity” di Anie Maki (Vipiteno, 1998) si muove nel territorio dell’invisibile, riportando alla luce una genealogia familiare segnata da silenzi e traumi tramandati. Il progetto ricostruisce una narrazione familiare che nasconde, e rivela allo stesso tempo, la leggenda di una depressione genetica, riapparsa come un fantasma nella vita della stessa artista proprio come gli album di famiglia: un caos di voci, volti, storie da ascoltare, capire e rielaborare come atto di cura retroattiva. Con “Una storia italiana”, Eva Rivas Bao (Milano, 2001) affronta il tema della voce in chiave politica e mediatica, interrogando le immagini mancanti e le narrazioni manipolate dell’era berlusconiana. Il processo che vide indagato l’ex premier Silvio Berlusconi viene rielaborato dell’artista a partire dalla figura della modella Imane Fadil, prematuramente scomparsa. “Una storia italiana” lavora sui “detriti” di un immaginario pubblico costruito come impero dell’immagine, interrogando ciò che resta quando le prove visive mancano o vengono rimosse. A partire da archivi personali e materiali documentari, rielaborati anche con l’intelligenza artificiale, l’artista ricompone una contro-narrazione possibile: immagini “assenti” che riaprono domande su potere, rappresentazione e memoria collettiva. Infine, “La Fortezza” di Federica Torrenti (Bologna, 1999) amplia ulteriormente il campo interrogando la coscienza stessa come territorio da attraversare. Accostando immagini scientifiche, anatomiche e naturali, il progetto dissolve l’idea di una mente isolata, proponendo una visione relazionale in cui umano e non umano si co-generano. La voce evocata è quella di una trama di connessioni invisibili che ci costituiscono e che la fotografia può rendere percepibili in una circolarità che rimanda a un originario rapporto col mondo.   Nel solco del racconto corale evocato da “Voci / Voices” la mostra si configura come uno spazio di ascolto in cui la fotografia diventa strumento capace di accogliere e restituire presenze marginali, rimosse o invisibili. Una pluralità di sguardi attraversati da voci umane e non umane, intime e collettive, politiche e ambientali, che declinano il tema interrogando ciò che sfugge alla rappresentazione dominante: la scomparsa del vivente e le sue modalità di archiviazione, le tracce materiali di vite interrotte, le tossicità invisibili che abitano la materia e il paesaggio, i lutti e i traumi che si sedimentano nelle genealogie familiari, le manipolazioni mediatiche e le immagini mancanti che segnano la memoria pubblica. In ciascun caso, la fotografia opera come dispositivo critico ed evocativo, capace di trasformare l’assenza in presenza sensibile, il silenzio in possibilità di racconto. Giovane Fotografia Italiana #13 | Premio Luigi Ghirri 2026 – VOCI / VOICES è realizzato grazie ai Fondi europei della Regione Emilia-Romagna. Promosso da Comune di Reggio Emilia in partnership con Fondazione Luigi Ghirri e Istituto Italiano di Cultura di Stoccolma. L’iniziativa è realizzata in collaborazione con GAI – Associazione per il Circuito dei Giovani Artisti Italiani, Fotografia Europea, Fotodok, Utrecht; Fotofestiwal Łódz in Polonia; Photoworks, Brighton. Con il contributo di Reire srl e Gruppo Giovani Imprenditori Unindustria Reggio Emilia. Sponsor tecnico Pirru.   Sito web: gfi.comune.re.it

MALVASIA DELLE LIPARI DI TENUTA DI CASTELLARO: IL “NETTARE DEGLI DEI” DALLA VITICOLTURA EROICA

 

Dalla meravigliosa cantina siciliana, nasce un passito di straordinaria identità territoriale che esprime la purezza minerale e la freschezza marina  delle Isole Eolie

27 febbraio, Lipari      Vigneti terrazzati che sembrano sfiorare l’acqua del mare, sostenuti da antichi muretti in pietra lavica e radicati in suoli sabbiosi di matrice pomicea: nasce da questo incanto, nel cuore delle Isole Eolie, la Malvasia delle Lipari DOC di Tenuta di Castellaro, che firma l’essenza della viticoltura eroica mediterranea.   Estesa su una superficie di 7.000 metri quadrati, la Vigna Cappero, sul versante sud-orientale dell’isola di Lipari, a soli 80 metri sul livello del mare, ospita un equilibrio perfetto tra i due vitigni autoctoni protagonisti della denominazione: Malvasia delle Lipari (95%) e Corinto Nero (5%). Un patrimonio agricolo recuperato grazie a un importante lavoro di selezione massale condotto insieme ai consulenti della storica maison francese Pépinières Guillame, con l’obiettivo di preservare la biodiversità genetica e valorizzare le caratteristiche più nobili di queste varietà ancestrali.  La vendemmia avviene esclusivamente a mano, secondo ritmi rispettosi della natura e della tradizione. “Le uve di Malvasia vengono lasciate appassire naturalmente al sole per circa quindici giorni direttamente in vigna, su appositi graticci – spiega l’enologo di Tenuta di Castellaro, Emiliano Falsini - in un processo che concentra aromi, struttura e identità territoriale. La successiva vinificazione, condotta con pressatura soffice, consente al vino di sviluppare una complessità raffinata, seguita da un affinamento in bottiglia di almeno 18 mesi”.    Il risultato è un passito che supera la definizione convenzionale del vino dolce. Al naso emergono intense note di albicocca matura, fichi, sambuco e uva passa, accompagnate da eleganti richiami alla macchia mediterranea. Al palato, la dolcezza è bilanciata da una sorprendente freschezza minerale e da una vibrante sapidità marina, che conferiscono profondità, equilibrio e straordinaria bevibilità.  “La nostra Malvasia delle Lipari è il riflesso del nostro impegno nella tutela dei vitigni autoctoni e nella valorizzazione della viticoltura eroica - sottolinea Massimo Lentsch, che ha dato origine alla cantina siciliana - ed è anche il risultato di un lavoro rigoroso in vigneto e in cantina, fatto di selezioni attente, rese contenute e vinificazioni mirate a preservare equilibrio e precisione aromatica. È un progetto che richiede tempo, competenze tecniche e una gestione puntuale di ogni fase produttiva, dalla raccolta all’affinamento”.  La Malvasia delle Lipari DOC di Tenuta di Castellaro si presenta così come un “nettare degli dei” capace di avvolgere con la sua dolcezza e sorprendere con la sua freschezza, raccontando in ogni sorso la forza del vento, la luce del sole e l’anima vulcanica delle Eolie.    Tenuta di Castellaro: Lì dove il sole cala a picco sul mare e si trasmette la millenaria tradizione della coltivazione ad alberello, sorge su terreno vulcanico Tenuta di Castellaro, un monumento dedicato alla natura, alla cultura, all’architettura. Il progetto enologico, strettamente legato all’ambito storico e paesaggistico, racconta un territorio unico come quello di Lipari, la principale delle isole Eolie. Sono 24 ettari vitati per circa 70mila bottiglie l’anno e una moderna cantina all’avanguardia, oltre a un wine resort e al parco geominerario delle Cave di Caolino, ripulito e bonificato per metterlo a disposizione della collettività: Tenuta di Castellaro è una realtà unica e articolata, che vive da sempre un approccio naturale alla viticoltura, utilizzando protocolli biologici e vegan. Il fascino selvaggio di questo angolo di mondo, incontaminato, remoto e magnetico ha stregato la famiglia bergamasca Lentsch, che nel 2005 ha deciso di intraprendere un grande progetto vitivinicolo e paesaggistico: preservare, valorizzare e far conoscere la bellezza di questo luogo, custodendone le tradizioni e le peculiarità, dando vita a vini realizzati da uve autoctone isolane, a partire dalla Malvasia delle Lipari e il Corinto Nero, che siano puro estratto di un territorio.

MACRO - Museo d’Arte Contemporanea di Roma presenta The Dream Syndicate

 Dissonanze, autonomie e desiderio nel lavoro culturale

a cura di Carlo Antonelli e Valerio Mannucci

 

Un convegno di due giorni dedicato alle trasformazioni del lavoro creativo,

con un focus sulla musica e sulle pratiche culturali contemporanee

 

13 – 14 marzo 2026

INGRESSO GRATUITO

 

 

 

 

 

MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma

via Nizza, 138 – 00198 Roma

museomacro.it

 

Una chiamata alle armi, quelle sottili della riflessione: uno spazio di confronto sulle nuove condizioni del lavoro creativo per interrogare come tecnologia, produzione e autonomia stiano ridefinendo il rapporto tra cultura, valore e forme di vita e quale sia oggi la soglia minima di qualità dell’esistenza.

Venerdì 13 e sabato 14 marzo 2026 il MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma presenta The Dream Syndicate, un convegno internazionale ad accesso gratuito, a cura di Carlo Antonelli e Valerio Mannucci, dedicato alle trasformazioni del lavoro immateriale e culturale, con un focus specifico sulla musica e sulle pratiche artistiche contemporanee. Un appuntamento che si inserisce nella programmazione del MACRO, promossa dall’Assessorato alla Cultura di Roma Capitale e da Azienda Speciale Palaexpo, prodotta e organizzata dalla stessa Azienda Speciale Palaexpo, e ideata dalla direttrice artistica Cristiana Perrella.

 

Il convegno The Dream Syndicate prende le mosse da Dissonanze, storico festival ideato da Giorgio Mortari – tra le esperienze più visionarie della scena italiana di musica elettronica e arte digitale – a cui il museo dedica, fino al 22 marzo, One Day You’ll Understand. 25 anni da Dissonanze, mostra che ne ricostruisce la storia. Se l’esposizione restituisce Dissonanze come piattaforma anticipatrice capace di connettere suono, architettura e arti visive, The Dream Syndicate ne riattiva lo spirito critico spostando lo sguardo sul presente.

Non un momento celebrativo, ma uno spazio autonomo di riflessione sulle nuove condizioni del lavoro creativo: come tecnologia, produzione e autonomia stiano ridefinendo il rapporto tra cultura, valore e forme di vita; quale sia oggi la qualità minima esigibile del lavoro culturale; quali possibilità si aprano oltre il mito dell’autonomia individuale.

 

Attraverso lecture, conversazioni e tavoli di discussione, il convegno mette in dialogo teorici, critici, artisti e operatori della scena culturale italiana e internazionale, affrontando alcune delle tensioni centrali del presente: la produzione simbolica nell’economia delle piattaforme, la fatica creativa e il burnout, le nuove geometrie del valore, le possibilità di organizzazione collettiva oltre l’imperativo dell’autonomia individuale.

 

La giornata di apertura, venerdì 13 marzo, prevede due incontri che tracciano il perimetro teorico e storico dell’incontro: il primo, con David Toop, compositore, scrittore e giornalista britannico, ripercorre la “vaporizzazione” della musica negli ultimi decenni, interrogando la smaterializzazione del suono e la trasformazione delle condizioni odierne di produzione del lavoro musicale; il secondo, con McKenzie Wark, scrittrice e studiosa australiana, esperta di teoria dei media, analizza le trasformazioni del lavoro culturale nell’era del capitalismo informazionale, mettendo in relazione creatività, infrastrutture digitali e processi di cattura del valore.

 

Accanto agli ospiti internazionali, una costellazione di voci italiane provenienti dal mondo dell’arte contemporanea, della curatela, della critica musicale e delle pratiche indipendenti anima la seconda giornata, sabato 14 marzo, articolata in quattro momenti di discussione che attraversano le principali tensioni del lavoro culturale contemporaneo: Dalla fatica al coro, con Leonardo Metz, XING (D. Gasparinetti e S. Fanti), Leonardo Delogu, Sara Alberani, Lola Cola, affronta il tema della creatività, del burnout e delle forme collettive di organizzazione; Ingegneria della gioia, con Andrea Lissoni e Julian Siravo, Industria Indipendente (Erika Z Galli e Martina Ruggeri), si concentra sul lavoro culturale, sul valore e sulle nuove geometrie del possibile; Traditrice indispensabile, con Simon Reynolds (in collegamento), Valerio Mattioli, Claudia Attimonelli, esplora il rapporto tra tecnologia, musica e cultura contemporanea; Outro lecture – After Autonomy: Cultural Work in the Age of Platforms, con Bruce Sterling, riflette invece sul destino dell’autonomia creativa nell’economia delle piattaforme.

 

Dissonanze, attivo a Roma dal 2000 al 2010, ha rappresentato un laboratorio urbano capace di abitare architetture storiche e industriali, intrecciare musica colta e sperimentale, arti visive e culture digitali e di connettere pubblici differenti. The Dream Syndicate ne riprende l’eredità critica e la declina come riflessione sulle condizioni materiali e simboliche che oggi rendono possibile – o difficile – produrre cultura. Se Dissonanze aveva messo in tensione suono e città, il convegno mette in tensione desiderio e lavoro, autonomia e organizzazione collettiva, tecnologia e controllo.

 

A partire da giovedì 5 marzo, nel contesto della mostra, la sala audio del MACRO prosegue la sua programmazione come controparte sonora del percorso espositivo. Dopo la presentazione di Cosmic Pulses di Karlheinz Stockhausen, commissionata da Dissonanze nel 2006 e momento emblematico del dialogo tra avanguardie storiche e pratiche elettroniche contemporanee, la sala si attiva con una nuova playlist a cura di Lorenzo Senni - produttore, compositore e artista multidisciplinare - concepita per rileggere e riattualizzare le line-up del festival, riconnettendo l'eredità al presente.

 

Con la mostra dedicata a Dissonanze e il convegno The Dream Syndacate, che da questa prende le mosse, il MACRO ribadisce la sua vocazione a essere uno spazio di produzione culturale plurale, di ascolto e di riflessione critica, capace di intrecciare memoria e presente, ricerca e sperimentazione.

 

PROGRAMMA

MACRO - Museo d’Arte Contemporanea di Roma The Dream Syndicate. Dissonanze, autonomie e desiderio nel lavoro culturale

a cura di Carlo Antonelli e Valerio Mannucci

13 – 14 MARZO 2026

 

VENERDÍ 13 MARZO

 

Interventi introduttivi di:

Ore 18 David Toop McKenzie Wark

 

La giornata inaugurale di The Dream Syndicate si apre con due interventi che tracciano il perimetro teorico e storico del convegno.

Il primo, con David Toop, ripercorre la "vaporizzazione" della musica negli ultimi decenni, interrogando la smaterializzazione del suono e la trasformazione delle condizioni di produzione e del lavoro musicale negli ultimi venticinque anni.

Il secondo, con McKenzie Wark, affronta le trasformazioni del lavoro culturale nell'era del capitalismo informazionale, mettendo in relazione produzione simbolica, infrastrutture digitali e nuove forme di estrazione del valore. A partire dall'idea di "vectoral capitalism", l'intervento esplora i rapporti tra creatività, lavoro e capitale, autonomia e cattura, produzione e appropriazione.

 

 

SABATO 14 MARZO

 

La seconda giornata del convegno è dedicata a quattro momenti di discussione che attraversano le principali tensioni del lavoro culturale contemporaneo. A partire dal rapporto ambivalente con la tecnologia, passando per le forme di produzione del valore e della gioia, fino alla fatica creativa e alle pratiche collettive, i tavoli esplorano come autonomia, lavoro e cultura si ridefiniscono oggi tra promessa di emancipazione e nuove forme di controllo.

 

TAVOLO 1 h. 12.00 – Dalla fatica al coro (Creatività, burnout e forme collettive di organizzazione)

con Leonardo Metz, XING (D. Gasparinetti e S. Fanti), Leonardo Delogu, Sara Alberani, Lola Cola

Chi paga il prezzo della sperimentazione? Questo tavolo affronta il nodo centrale del lavoro culturale contemporaneo: il progressivo esaurimento del mito dell'autonomia individuale e la necessità di ripensare pratiche e strutture collettive. A partire dall'esperienza diffusa di stanchezza, burnout e perdita di senso, la discussione mette in crisi l'imperativo del never-not-working che ha a lungo accompagnato il lavoro culturale e creativo. Come si passa dalla fatica individuale a forme condivise di sostegno, tutela e produzione culturale? Collettivi, assemblee, sindacati, reti informali, spazi culturali indipendenti, pratiche di sciopero, boicottaggio o rifiuto del lavoro sono strumenti attraverso cui ripensare reddito, tempo, alleanze e piacere. Una riflessione sulle geografie marginali e sulle economie fragili della produzione culturale contemporanea.

 

TAVOLO 2

h. 14.30 – Ingegneria della gioia

(Lavoro culturale, valore e nuove geometrie del possibile)

con Andrea Lissoni, Julian Siravo, Industria Indipendente (Erika Z Galli e Martina Ruggeri)

Come si progetta la gioia? È possibile costruire pratiche culturali che generino esperienze condivise e positive senza riprodurre precarietà e auto-sfruttamento? Quali "geometrie" rendono possibile oggi un discorso culturale capace di tenere insieme desiderio, economia e responsabilità collettiva, dentro e fuori le istituzioni, dentro e fuori il mercato? A partire dal lavoro in campo artistico e musicale, il tavolo analizza alcune forme contemporanee di produzione culturale, mettendo in tensione entusiasmo creativo, sostenibilità materiale, professionalizzazione e distribuzione di risorse, tempo e attenzione.

 

TAVOLO 3

h. 17.00 – Traditrice indispensabile

(Tecnologia, musica e cultura contemporanea)

con Simon Reynolds (remote), Valerio Mattioli, Claudia Attimonelli

Un tempo alleata, promessa di liberazione, oggi percepita come dispositivo di controllo: la tecnologia è una lama a doppio taglio di cui non riusciamo a fare a meno, una "traditrice indispensabile".  Esplorando l'ambivalenza strutturale delle tecnologie digitali nel campo della musica e della cultura contemporanea, la discussione ruota intorno al ruolo di piattaforme, software e automazione nei processi creativi e di fruizione, mettendo in evidenza come standard tecnici, algoritmi e modelli economici influenzino estetiche, pratiche e condizioni materiali del lavoro culturale.

 

TAVOLO 4

h. 19.00 – Outro lecture After Autonomy: Cultural Work in the Age of Platforms con Bruce Sterling

La lecture di chiusura di The Dream Syndicate riflette sul futuro del lavoro culturale nell'economia delle piattaforme, interrogando il destino dell'autonomia creativa nel capitalismo digitale contemporaneo. A partire dalle trasformazioni delle infrastrutture tecnologiche, dei modelli di produzione e dei sistemi di proprietà dell'informazione, l'intervento esplora come la promessa di libertà e indipendenza del lavoro culturale si intrecci oggi con nuove forme di cattura, controllo e organizzazione del valore.