Oscar Piattella I MURI

 

A cura di Aldo Iori e Alberto Mazzacchera   Biblioteca comunale dell’Archiginnasio – Cappella di Santa Maria dei Bulgari, Bologna 6 febbraio – 8 marzo 2025     Nell’ambito di ART CITY Bologna 2025 in occasione di Arte Fiera Mostra promossa da Archivio Oscar Piattella Con il patrocinio di do ut do In collaborazione con Biblioteca comunale dell’Archiginnasio Sponsor Illumia, Inveco, PwC e Ti Style iT

Nella centrale e prestigiosa Cappella di Santa Maria dei Bulgari della Biblioteca comunale dell’Archiginnasio di Bologna, dal 6 febbraio all’8 marzo 2025 apre la prima e più significativa sezione della mostra antologica su più sedi dedicata a Oscar Piattella (Pesaro, 1932 – Urbino, 2023), a cura di Aldo Iori e Alberto Mazzacchera.   La mostra è promossa dall’Archivio Oscar Piattella con il patrocinio di do ut do, in collaborazione con la Biblioteca dell’Archiginnasio e quali sponsor: Illumia, Inveco, PwC e Ti Style iT.   Con Oscar Piattella. I muri si presentano al pubblico (inaugurazione 5 febbraio, ore 16) otto opere di grande formato appartenenti all’omonimo ciclo di lavori (1958 – 1986) che trova una sua particolare correlazione con lo Special Program di ART CITY 2025 intitolato Le porte della città.   La mostra all’Archiginnasio di Bologna è il primo di tre appuntamenti espositivi pensati per valorizzare l’opera del maestro pesarese in programma nella settimana di ART CITY Bologna ed Arte Fiera. Sabato 8 febbraio apriranno anche le mostre Oscar Piattella. I segni del cosmo presso la sede di PwC Italia in via Carlo Farini 12 (ore 18, solo su invito) e Oscar Piattella. Magnetismo architetturale alla Galleria Stefano Forni, in piazza Cavour 2 (ore 22:30, ingresso libero).   Il muro, attraverso le sue differenti declinazioni, contrassegna quasi ininterrottamente l’intera produzione artistica di Oscar Piattella. La forza magnetica del muro nella pittura di Piattella non è, tuttavia, elemento sufficiente a giustificare un simile attaccamento, al limite di un’apparente ossessione. Non lo è, e non potrebbe esserlo in un pittore dotto e sperimentatore come lui, sempre in equilibrio tra esigenza di radicamento nel terreno della riconoscibilità e assoluto nomadismo nelle vastità dell’invenzione. Lo spirito di ricerca in Piattella è, infatti, e rimane centrale, a qualsiasi costo.   La sua produzione è frutto di una ricerca costante, mai intermittente, sempre profonda e autentica. Indubbiamente quel “fraseggio geometrico” (come lui stesso lo definiva) che insieme alla luce è elemento centrale della sua pittura, e che si fa assoluto protagonista nella produzione ultima del secondo Millennio attraverso I segni del cosmo, è stato per Piattella l’elemento per marcare una differenza, per segnare uno stacco rispetto alla pittura informale, rispetto alla gestualità pittorica che, pure quando compare, nei suoi dipinti sottostà ad una rigorosa, ricercata visione d’insieme.   Per tale motivo, la pittura materica di Piattella non può incastrarsi in quella tracciata e suggerita a molti artisti da Nicolas De Staël (1914 – 1955), poiché in Piattella non viene mai meno la scansione delle superfici ancorata ad un potente fulcro architetturale sul quale si innesta tutta la sua produzione. E certamente non mancano le assonanze con la pittura di Jean Dubuffet (1901 – 1985), che tuttavia si limitano al ricorso a materiali non tradizionali, ad un fare pittura in modo non convenzionale, anche se in Piattella sempre controllato da una precisa ottica compositiva. Il disegno in Piattella rimane passaggio obbligato della genesi creativa.   Ciò emerge, seppure forse dapprima in maniera più istintiva che concettuale, fin dagli anni Cinquanta del Novecento, in cui l’artista inizia a produrre una serie di lavori importanti, felicemente risolti che recano le suggestioni delle superfici delle terrecotte. Proprio in quegli stessi anni Piattella condivide, in due differenti momenti, lo studio in Pesaro con Nanni Valentini (1932-1985) e con Giuliano Vangi (1931-2024) il quale lo definiva amabilmente “il mio allievo”. C’è, inoltre, il suo breve ma intenso soggiorno parigino, all’indomani della seconda guerra mondiale, dove i “Muri di Parigi” sono appunto opere che risuonano palesemente dei drammi materiali e ideologici del tempo. I riferimenti culturali e storici dei Muri di Piattella, la cui tematica inizia ad indagare dalla metà degli anni Cinquanta, comunque sono vasti e non restano circoscritti ai muri di difesa, la cui storia è inestricabilmente intrecciata a quella dell’umanità, almeno fino alla Prima guerra mondiale, quando lo sviluppo tecnologico applicato alle armi e ai mezzi da guerra muta gli scenari. Ad incidere fortemente sul contesto culturale del XX secolo sono, infatti, i muri politici, quelli contro le libertà, tra i quali ad occupare un posto centrale è il Muro per eccellenza: ossia quello di Berlino. Un concetto e un’idea da intendersi in senso appunto generale, topico, che l’artista esplorerà attraversando tutte le sue significazioni esemplari e storiche.   Con un sapiente uso della materia e modulazione della luce, con quel raffinato “fraseggio geometrico”, Piattella introduce l’osservatore in una dimensione indubbiamente interiore in cui l’iniziale attraversamento del muro e al contempo la sua permanenza percettiva attraverso la scansione reticolare, apre alla singola coscienza percorsi contrassegnati da molteplici pietre miliari, come tanti frammenti della memoria.   La passione per la pittura, praticata fin da quando era ragazzo, ha accompagnato Oscar Piattella in ogni momento della sua vita. Nei primi anni Cinquanta la Pittura aveva bussato alla sua porta. Infatti, giungevano a pensione nella grande casa avita in Pesaro, due giovani insegnanti, suoi coetanei e poi amici, che sarebbero divenuti i noti artisti Giuliano Vangi e Loreno Sguanci (1931-2011).   Nel dopoguerra, a Pesaro germoglia e prende corpo un gruppo di artisti tra loro in dialogo, spesso con rapporti amicali oltre che professionali. Un gruppo al quale si deve l’azione di aver dissodato il campo culturale della città trasformandolo in punto di riferimento per un territorio più vasto. La trasformazione del linguaggio, che Piattella elabora velocemente ed in maniera molto sicura, avviene non a caso proprio negli anni giovanili, vissuti a Pesaro. Qui avrebbe stretto solidi e duraturi rapporti con Bruno Baratti, Renato Bertini, Bruno Bruni, Sandro Gallucci, Loreno Sguanci, con Nanni Valentini e Giuliano Vangi. Ma a Pesaro è pure la formidabile impronta di Arnaldo e del fratello Giò Pomodoro, che Piattella frequenta a Milano insieme a Walter Valentini. Nel mentre Pesaro emerge come un faro per l’arte contemporanea marchigiana, il territorio collinare ospita, le importanti esperienze poveriste coagulate attorno a Pier Paolo Calzolari, e all’ombra dell’Appennino cresce in Cagli lo scultore Eliseo Mattiacci, che, dopo le esperienze ed i successi romani ed internazionali, avrebbe scelto, infine, Pesaro.   Per Piattella, dunque, le frequentazioni iniziate quando ancora a Pesaro si camminava tra le macerie della guerra, avrebbero consolidato quei talenti che reclamavano spazi mentali e stimolanti confronti. La sua pittura inizialmente figurativa, incentrata su ritratti psicologicamente ben delineati, lascia spazio, già a metà degli anni Cinquanta, ad un nuovo modo di sentire. Il dipinto Case in periferia, esposto nel 1955 alla VII Quadriennale di Roma, è testimonianza di precoci intuizioni che in poco tempo lo porteranno al formidabile tema del muro, che nel volgere di pochissimi anni subisce una fulminea elaborazione, in grado di condurre alla matura serie esposta nel 1958 alla Galleria l’Ariete di Milano con l’autorevole introduzione critica di Franco Russoli. Nel 1957 a Parigi, Piattella può confrontarsi direttamente con le esperienze dell’Informale europeo e con le nuove ricerche nel campo dell’astrattismo di artisti francesi e catalani. La suggestione di vecchi palazzi parigini, con i muri grondanti degli orrori della guerra, lo induce a nuove considerazioni sullo spazio pittorico e sulla superficie che, in tal modo, si arricchisce di nuove cromie e di proliferazioni segniche.   Nel 1958 conosce Franco Russoli, allora direttore della Pinacoteca di Brera e autorevole esponente della critica militante, che apprezza alcuni suoi lavori nello studio dell’amico fraterno Nanni Valentini a Milano. A Milano, Piattella entra in contatto con l’ambito artistico dalle forti connotazioni internazionali e stringe amicizia con Dorazio, Castellani, Cascella, Nigro, Fontana, Tancredi, Sottsass, il fotografo Ugo Mulas ed altri esponenti del panorama artistico europeo. In particolare, frequenta assiduamente Arnaldo e Giò Pomodoro, Paolo Schiavocampo, Giuseppe Spagnulo, Albert Diatò, Claudio Olivieri e Walter Valentini. Il confronto con artisti, scrittori, poeti (quali ad esempio l’amico Yves Bonnefoy e Berand Noël), e intellettuali sarà per Piattella una costante del suo percorso sapienziale. Viene invitato a rassegne internazionali ed espone in importanti gallerie italiane ed estere, e le sue opere entrano in prestigiose collezioni pubbliche e private.   L’intensa attività di ricerca porta negli anni la sua pittura a ricevere ampi consensi sia da parte della critica più accreditata sia di un vasto pubblico internazionale. Numerose, specie negli ultimi anni, le vaste mostre antologiche in spazi istituzionali in Italia e all’estero. Dalla metà degli anni Settanta si interessa anche alla grafica d’arte e alla produzione di libri d’artista in edizioni multiple o esemplari unici.   PwC Italia Presso la sede di PwC Italia ex Banco di Napoli (via Carlo Farini, 12) la mostra Oscar Piattella. I segni del cosmo, si concentra sull’ultima produzione dell’artista (2015-2020), ispirata al tema del cosmo e dei suoi elementi. Nelle tre vetrine di PwC saranno esposte tre tele dei muri del 1958-60 (elemento unificatore delle tre sedi espositive) e un monitor mostrerà le otto opere del ciclo i Segni del cosmo (2015-2020) esposte nell’antica sala interna a doppia altezza già Banco di Napoli.   Le opere esposte nella sala interna appartengono all’ultima rinnovata fase, in cui Piattella ha saputo trovare una nuova freschissima sorgente creativa tornando a ruminare con la mente sugli esempi del Rinascimento matematico urbinate. Il disegno, che già in passato lo aveva supportato per alcuni cicli pittorici, dal 2015 è divenuto centrale. Il rigore con il quale egli progetta ogni sua opera fin nei minimi dettagli, il ricorso alla matematica e all’emersione del “fraseggio geometrico”, si allenta e scompare con l’immissione del colore sulla tavola. A condurlo è una magistrale padronanza delle tecniche e l’aver saputo sviluppare ulteriormente e raffinare equilibrio formale e armonia cromatica. Così vengono le ultime opere a piena maturazione, con costanti nuovi dosaggi e alleggerimenti del calcolato schema iniziale sempre con la compresenza di diversi punti irradianti che aprono a spazi della mente. Quell’ipnotico rincorrersi di punti, di linee, di quadrati, di rombi, di onde in armonica alternanza cromatica cela un lavoro rigoroso, duro e senza tregua. Un lavoro meticoloso che magistralmente sfuma ai bordi in un non finito, che ha la potenza del rimando all’infinito universo. Più ci si pone con occhio libero di fronte alle opere dell’ultima produzione di Piattella, più cresce la sensazione che si stia entrando in un territorio di confine, un fertile inesplorato spazio liminare della pittura. Di una pittura autentica, capace di emozionare. Informazioni e orari: www.archiviopiattella.it                                                                           Galleria Stefano Forni Alla Galleria Stefano Forni (piazza Cavour, 2) viene presentata l’antologica Oscar Piattella. Magnetismo architetturale, dove la selezione delle 14 opere esposte (1957-2012), concentra l’attenzione su differenti cicli dei muri, sulla centralità del disegno, su opere sempre progettate e contrassegnate dalla scansione ben ritmata delle superfici. Accanto alle opere storiche del 1957-59, sono i muri che l’artista costruisce ricorrendo a porzioni quadrangolari di tessuto (1990-91) recuperate dalle fodere dei vecchi materassi dismessi delle caserme militari.   Per Alberto Mazzacchera “la questione del muro, tema di straziante centralità nel Novecento, è espressa attraverso registri differenti, espressioni tangibili delle molteplici fasi di ricerca che si sono dispiegate e che Piattella sviluppa lungo due fondamentali, diverse direttrici. Da una parte, prende le mosse da tasselli del reale costruito dall’uomo, ne evoca la presenza in sua assenza, per condurre l’osservatore dinanzi ai muri politici e quella che appare una sorta di ossessione, non sfugge, infatti, alle proiezioni dell’ombra lunga e inquietante dei muri degli uomini contro le libertà che hanno a lungo flagellato i popoli europei del Novecento. Dall’altra, il muro di Piattella è anche porta di accesso agli strati profondi della mente, diaframma da varcare verso uno sterminato universo interiore”.   In queste opere, esposte alla Galleria Stefano Forni, parrebbe a tutta prima di ritrovare traccia dell’opera di Alberto Burri (1915-1995) della vicina Città di Castello. Ma è solo un’impressione di superficie in quanto Burri manipola con estrema efficacia la materia col fuoco al limite della sua dissoluzione, mentre in Piattella il ricorso al calore con piastre arroventate avviene per una elaborata e calibrata ricerca di infinite gradazioni di colore. Sono, inoltre esposte delle opere del 1991 a rappresentare quella porzione di produzione artistica di Piattella che, dopo le garze azzurre e blu notte della fine degli anni Ottanta, trova nelle pezze di jeans una feconda materia espressiva, e nelle declinazioni dell’azzurro la sua tavolozza. Queste opere di Piattella, magistralmente costruite, inducono Yves Bonnefoy, il grande poeta e critico d’arte francese, a scrivere appositamente, nel 2002, che “allora è l’azzurro come quando lo si vede farsi intenso, incavarsi nel cielo d’estate, un assoluto che trascina lo spirito nel non – visibile, nel non – pensabile: questo silenzio vertiginoso della caduta nel cielo, del cadere all’infinito nell’azzurro del cielo di cui i bambini sono capaci, di cui gli adulti si ricordano”. Qualche anno prima, Oscar Piattella, ragionando in un libro dedicato alla ricerca di Azzurro Blu Celeste (1999), osservava: “se distillassimo tutti i mari del mondo non rimarrebbe un accenno del loro azzurro”, inutili sarebbero “le nostre reti di seta” gettate sui fondali, finché ci si renderebbe conto “che un po’ di quella ‘materia’ è lì, fusa con il colore del nostro sangue, come in un sogno, come il sogno di quella stessa ‘materia’ “. Una materia che in Piattella, sapientemente sublimata dalla luce, è in grado di suggestionare l’inconscio, e di spalancare orizzonti mentali nuovi. Dunque sa ben leggere Massimo Cacciari quando scrive che nelle opere di Piattella “ciò che appare non è che il frantumarsi della Luce interiore; i colori non sono che il timbro che la Luce assume illuminando il ‘paesaggio dell’anima’”.   Informazioni e orari:  arte@galleriastefanoforni.com | www.galleriastefanoforni.com   Cataloghi sfogliabili delle precedenti mostre: https://www.archiviopiattella.it/mostre/cataloghi-sfogliabili/ INFO   Oscar Piattella I MURI   A cura di Aldo Iori e Alberto Mazzacchera   Sede espositiva Biblioteca Comunale dell’Archiginnasio – Cappella di Santa Maria dei Bulgari piazza Luigi Galvani 1, Bologna   Date mostra 6 febbraio – 8 marzo 2025   Inaugurazione Mercoledì 5 febbraio, ore 16 – 19   Orari durante ART CITY Bologna 2025 Giovedì 6 e venerdì 7 febbraio: 11 – 13 / 15 – 19 Sabato 8 febbraio: 11 – 13 / 15 – 18 / 20 – 24 Domenica 9 febbraio: chiuso   Orari dopo ART CITY Bologna 2024 Lunedì – sabato: 11 – 13 / 15 – 18 Chiuso domenica Ingresso libero   Informazioni generali www.archiginnasio.it www.archiviopiattella.it

È iniziato l’anno “del chilometro zero”

 Presentato Foodyear 2025, il calendario che racconta le buone pratiche 

attraverso le storie di chef, pizzaioli, fornai, imprenditori e aziende locali

 

L’origine dell’espressione “chilometro zero”, l’importanza di acquistare prodotti locali, il rispetto della stagionalità degli ingredienti, lo sguardo all’ambiente: sono questi alcuni dei temi che sono emersi dagli interventi della presentazione di Foodyear 2025, tenutasi sabato 4 gennaio nella sala eventi dello Yacht Club Marina di Stabia, a Castellammare di Stabia. In una mattinata di sole, chef, ristoratori, giornalisti, blogger e personale delle forze dell’ordine hanno raggiunto la location che si trova all’interno del porto turistico di Castellammare di Stabia per discutere del tema del 2025, ovvero il “chilometro zero”. 

Infatti lo slogan che appare su ogni copia del calendario è proprio “C’è più gusto a chilometro zero”, perché se è vero che offrire e consumare del cibo debba essere un piacere, allo stesso tempo se si adottano delle abitudini sane, sia l’uomo che l’ambiente ne potranno trovare giovamento. Da un’idea del fotoreporter Gianni Cesariello, il prodotto editoriale è nato anche grazie alla collaborazione della giornalista Ilaria Cotarella e di Marco Pirollo, giornalista e direttore di “Madeinpompei.it”.

L’incontro si è aperto con i saluti di Marco Dimiccoli, direttore dello Yacht Club di Marina di Stabia che si è dichiarato entusiasta del progetto, che coinvolge nel mese di giugno anche il ristorante “La Bussola”, fiore all’occhiello proprio del porto turistico. «Siamo alla ricerca di prodotti e di filiere che si leghino all’artigianato. Siamo legati al territorio e alla valorizzazione delle realtà locali», ha dichiarato Dimiccoli.

Un videoclip ha anticipato i protagonisti dei dodici mesi che, quest’anno, non hanno sede solo nella città di Pompei ma anche a Castellammare di Stabia e a Gragnano. Si va dal mese di gennaio che vede in posa Luigi Ametrano, patron del ristorante “Donna Franca” al mese di febbraio il cui protagonista è la realtà di “Mercato Pompeiano”, sia ristorante che pizzeria, nati entrambi dall’idea di Gaspare, Carlo e Giovanni. Segue il mese di marzo che ospita l’unica donna dell’anno dei sapori ovvero Francesca Mascolo, figlia di Domenico Mascolo, erede di una grande famiglia di amatori del panuozzo.

Nel mese di aprile c’è Esposito Mastro Fornaio, in foto Carmelo Esposito è con il nipote, nell’atto di infornare il pane. Il mese di maggio è dedicato a Gianmarco Carli, chef intellettuale, figlio di una grande tradizione culinaria e da qualche anno impegnato nella produzione di conserve a base di un solo ingrediente. Nel mese di giugno c’è lo chef Carlo Verde, patron del ristorante “La Bussola”. Il fotoreporter Gianni Cesariello lo ha fotografato all’esterno della location con il mare sullo sfondo.

A luglio c’è Nunzio Gallo, giovanissimo chef e pizzaiolo di Alleria Pizzeria Newpolitana. Gallo è conosciuto per essere un grande esperto della pizza senza glutine. Ad agosto abbiamo il team dell’Antica Pizzeria da Michele Pompei, la cui guida è Guido Iovino Condurro, maestro pizzaiolo e gestore del locale di Pompei, aperto nell’agosto del 2023. Settembre è di Casa Gallo. Lo chef Vincenzo Cascone è ritratto insieme al suo staff nel locale di via Lepanto.

Ottobre è di Bosco De’ Medici Wine&Resort, ristorante, luogo di banchetti, winery ed azienda vitivinicola. Ciro Chechile, il suo patron chef, è fotografato negli orti della famiglia Palomba insieme a parte dello staff nell’atto di raccogliere le delizie della natura. I protagonisti del mese di novembre sono Lorenzo ed Angela, i coniugi di Taverna49, ristorante italiano, braceria e churrascheria. L’anno dei sapori si conclude a dicembre con lo chef Antonio Cesarano, patron di Cosmo Restaurant, location che impronta il suo menu sui quattro elementi della natura.

Mese dopo mese si narreranno le sane abitudini che i ristoratori e gli chef hanno adottato nei loro locali, come si cerca di ridurre gli sprechi e quali sono i prodotti che si utilizzano in cucina per essere sempre più vicini all’idea di chilometro zero. «La seconda edizione di questo calendario è dedicato alla sostenibilità. In alcune foto gli chef espongono prodotti a chilometro zero così come molte delle aziende sponsor lavorano a chilometro zero», ha dichiarato Gianni Cesariello, autore delle foto del calendario.

Tra gli interventi della mattinata vi è stato quello di Rosario Lopa, portavoce della Consulta Nazionale per l’Agricoltura Aps: «Questo calendario, alla sua seconda edizione, ha fatto una scelta tematica adeguata, ovvero promuovere la sostenibilità. Si fa riferimento alle realtà del territorio che producono e trasformano, mettendo i consumatori finali nelle condizioni di assaggiare, gustare e sentire i profumi dei prodotti a chilometro zero. Dal produttore al consumatore attraverso un calendario che promuove l’enogastronomia del territorio».

Presente anche Pierluigi D’Apuzzo, presidente Slow Food Penisola Sorrentina e Capri, che è intervenuto sul tema. «La nostra associazione Slow Food Costiera Sorrentina e Capri – ha dichiarato – pensa che una piccola rivoluzione può essere compiuta ogni giorno, partendo proprio dalla tavola ed acquistando prodotti di stagione, prodotti del territorio e prodotti a chilometro zero. Così facciamo tre cose buone, ovvero gioviamo alla salute, aiutiamo i piccoli contadini a piantare un albero di arancio in più ed in terzo luogo preserviamo l’ambiente. Evitiamo, in ultima battuta, che ci siano terreni abbandonati e sfruttati come discariche o come siti di roghi».

Presenti anche i rappresentanti delle aziende sponsor che hanno offerto vini, pasta, liquori e conserve per l’esposizione e l’allestimento della sala. Ospiti e giornalisti di quotidiani locali e testate enogastronomiche hanno presenziato alla manifestazione. Alla fine dell’evento sono stati consegnati dei cadeaux alla stampa ed ai protagonisti del calendario.

Oltre al team di Foodyear, l’evento è stato possibile anche grazie anche allo Yacht Club di Marina di Stabia ed alle aziende sponsor: Cavalieri Abiti da Lavoro, Pastificio Ducato D’Amalfi, Alkimie Botanike, Bosco de’ Medici Winery & Resort, Antiche Radici, Poggio delle Baccanti, Masseria delle Grazie, Masseria 45, Pastificio Gentile, Pastificio Carmiano, 28 Pastai Gragnano, Il Mulino di Gragnano, Pastificio Gaetano D’Apuzzo, Pastificio G. Di Martino, Il Principe Le Conserve.

MOBILI FIVER PRESENTA LE LIBRERIE FUNZIONALI E VERSATILI

 

Mobili Fiver, azienda specializzata nella produzione di mobili di qualità made in Italy con vendita esclusivamente online, amplia la sua offerta con una selezione di librerie dal design moderno e funzionale, perfette per arredare ogni ambiente con stile. Progettate per rispondere alle esigenze di spazi contemporanei, queste librerie sono pensate per chi cerca soluzioni pratiche senza rinunciare a uno stile distintivo.   L’ultima arrivata in casa Mobili Fiver è la libreria Romina, disponibile nella colorazione rovere rustico e in due dimensioni:  una più grande (153,6x39,2x173,6 cm) e una più compatta (76,8x39,2x173,6 cm). Il design modulare e contemporaneo è ideale per una zona living dall'estetica moderna, ma si adatta perfettamente anche a un ufficio pratico e organizzato. Realizzata in nobilitato melaminico resistente, unisce estetica e durabilità.

Ad arricchire la selezione vi è la libreria Iacopo, proposta nel raffinato colore bianco frassino e disponibile in diverse misure, tra cui: XS (160,8x28x80 cm), S (160,8x28x158,2 cm) e M (236,4x28x160,8 cm). Grazie alla sua versatilità, può essere utilizzata sia in verticale che in orizzontale, adattandosi facilmente a contesti diversi, con e senza ante. La struttura in nobilitato melaminico resistente garantisce solidità e praticità, senza rinunciare al design.

Interessante anche la libreria bifacciale Rachele, dotata di 5 ripiani, la libreria Rachele unisce modernità e funzionalità: può essere infatti utilizzata anche come una parete divisoria.   Con queste librerie, Mobili Fiver conferma il proprio impegno nell’offrire soluzioni d’arredo capaci di trasformare gli spazi in luoghi accoglienti, organizzati e personalizzati. La combinazione di materiali resistenti, linee pulite e una vasta gamma di dimensioni rende

Mobilifiver.com

SALERNO SI PREPARA A UN BRINDISI GREEN: TUTTO PRONTO PER LA PRESENTAZIONE DI GUIDA BIO 2025

Manca poco al grande appuntamento del 18 e 19 gennaio 2025 alla Stazione Marittima di Salerno

Salerno, gennaio 2025 – La città di Salerno si prepara a diventare il cuore pulsante dell’enologia sostenibile italiana: sabato 18 e domenica 19 gennaio 2025, la suggestiva Stazione Marittima progettata da Zaza Hadid farà da cornice a Un Mare di Foglie, l’evento di degustazione dei vini premiati dalla sesta edizione di Guida Bio, la prima e unica guida italiana, curata da Antonio Stanzione ed edita da Rubbettino, interamente dedicata alle aziende vitivinicole impegnate in un’agricoltura biologica certificata e in conversione.   L’evento metterà in risalto eccellenza e sostenibilità, proponendo un programma ricco di degustazioni, incontri con i produttori e momenti di approfondimento sul meglio dell’enologia green italiana. Il sabato pomeriggio, dalle 16 alle 23, i visitatori avranno l’opportunità di degustare i vini premiati da Guida Bio 2025, dialogando con i produttori per scoprire le storie, le passioni e l’impegno che si nascondono dietro ogni etichetta. La domenica mattina sarà invece dedicata alla presentazione ufficiale della guida e alla cerimonia di premiazione delle prestigiose Foglie d’Oro, riconoscimento riservato ai vini che si distinguono per qualità, tipicità ed eleganza. Nel pomeriggio, a partire dalle 16, i banchi d’assaggio torneranno protagonisti, offrendo ancora spazio alla scoperta di nuove referenze.   Una due giorni che si snoderà in un viaggio che, attraverso le oltre 2500 etichette recensite, svelerà territori eterogenei e storie appassionanti, raccontando le sfide e le soddisfazioni di un’agricoltura sempre più attenta alla tutela dell’ambiente e alla qualità del prodotto finale. Un parterre d’eccezione renderà ancora più speciale questo momento. Tra gli ospiti attesi, Florindo Rubbettino, CEO di Rubbettino Editore; Alessandro D’Elia, Direttore Generale di Suolo e Salute; Maria Grazia Mammuccini, Presidente di FederBio; Vincenzo Mercurio, acclamato enologo; Marco Tonni, agronomo e rappresentante del Gruppo Sata; Nicola Caputo, Assessore all’Agricoltura della Regione Campania, ed Ettore Prandini, Presidente di Coldiretti.   “L’evento” afferma il direttore Antonio Stanzione “si preannuncia come un momento importante per riconoscere e promuovere il lavoro straordinario dei produttori di vino biologico in Italia, una testimonianza del loro impegno per la sostenibilità, la qualità e la promozione del territorio a tutela del patrimonio per le generazioni future”.     Info e biglietti: https://www.guidabio.it/un-mare-di-foglie-2025/  Aziende partecipanti: https://www.guidabio.it/un-mare-di-foglie-2025-le-aziende-partecipanti/      La Stazione Marittima di Salerno L'edizione 2025 di Guida Bio Antonio Stanzione, Direttore di Guida Bio

Inaugurazione Anno Accademico 2024-25 Tecnica mista.

 

Dialogo aperto tra tecnologie e discipline nel design Lectio magistralis di Domitilla Dardi   Giovedì 16 gennaio 2025, ore 17.00-19.00 ISIA Faenza Palazzo Mazzolani / Corso Giuseppe Mazzini 93, Faenza

Domitilla Dardi ph. Lea Anouchinsky

Giovedì 16 gennaio 2025 alle ore 17.00, l'ISIA di Faenza inaugura l'Anno Accademico 2024-25, con una Lectio Magistralis della storica del design Domitilla Dardi dal titolo Tecnica mista. Dialogo aperto tra tecnologie e discipline nel design.    La cerimonia si aprirà con i saluti di Emanuela Fiori e Maria Concetta Cossa, Presidente e Direttrice di ISIA Faenza, Manuela Rontini, Sottosegretaria alla Presidenza della Regione Emilia-Romagna, e Massimo Isola, Sindaco di Faenza. Sarà presente anche Costantino D'Orazio, storico dell'arte e Direttore Regionale Musei Emilia Romagna e Musei Nazionali di Bologna.   Domitilla Dardi è storica e curatrice indipendente di design. Dal 2019 è co-fondatrice e curatrice della fiera del design d’autore EDIT Napoli. È stata curatrice per il design del museo MAXXI di Roma dal 2007 al 2023. Nel 2016 e 2017 ha curato la sezione Object di Miart, Fiera internazionale di arte contemporanea a Milano. Docente nei corsi triennali e nei Master allo IED di Roma fin dal 2007, ha insegnato dal 2003 al 2007 presso la Facoltà di Architettura di Ascoli Piceno, oltre ad essere stata visiting professor in diverse istituzioni, tra cui l’Universidad de Navarra a Pamplona, l’Accademia Abadir a Catania e il MADE Program di Siracusa. Attualmente è curatrice per il Design di Arte Sella e svolge attività di copywriting per molte aziende di settore. Scrive per diverse riviste, è membro del comitato scientifico e collaboratore di Interni, ed è autrice di più di trenta monografie e saggi, tra cui il bestseller Manuale di Storia del Design(Silvana editoriale, 2019); i suoi ultimi libri sono Playgrounding (Corraini, 2022), Herbaria (24Ore Cultura, 2022) e Bestiaria (24Ore Cultura, 2023) e Mineralia (24Ore Cultura, 2024).

UNO IN DUE UN VIAGGIO NELL’APERITIVO MILANESE TRA ARTE E CONVERSAZIONE

 

A cura di Marco Bongiorni e Ettore Favini   Primo appuntamento: 15 gennaio 2025, ore 18.30 Via Stampa 8, Milano

Download press kit Dal 15 gennaio fino al 17 dicembre 2025, un mercoledì al mese alle ore 18:30, Via Stampa presenta Uno in Due, un ciclo di conferenze ideato dagli artisti Marco Bongiorni e Ettore Favini per celebrare il rito della condivisione tipicamente milanese. Ispirato alla celebre espressione dialettale milanese “vün in dü” – usata per condividere una bottiglietta di Campari Soda in due bicchieri – il progetto combina l’atmosfera informale dell’aperitivo con una riflessione più profonda sul mondo dell’arte e della cultura.   In ciascuno dei nove appuntamenti in programma, un giornalista dialogherà con due artisti, dando vita a un’ora e mezza di scambi e riflessioni. Uno in Due propone un momento di aggregazione semplice ma significativo, dove cultura e socialità si incontrano. Figure protagoniste del mondo dell’arte e del giornalismo si mettono in dialogo, riprendendo l’idea che l’aperitivo non sia solo un’abitudine, ma una vera e propria tradizione per condividere idee.    Gli artisti dialogheranno con il giornalista per esplorare storie, visioni e temi comuni alle proprie ricerche, coinvolgendo anche il pubblico in una dinamica autentica e conviviale. Durante l’evento, verranno allestite nelle sale di Via Stampa, due opere (una per artista) che rimarranno esposte fino all’incontro successivo.   Gli artisti partecipanti sono Chiara Camoni, Nicole Colombo, Sara Enrico, Anna Galtarossa, Massimo Grimaldi, Invernomuto, Claudia Losi, Rebecca Momoli, Liliana Moro, Marta Pierobon, Marta Ravasi, Antonio Rovaldi, Stefano Serretta, The Cool Couple, Patrik Tuttofuoco, Nico Vascellari, Vedovamazzei, Luca Vitone. Insieme a loro, interverranno i giornalisti Nicolas Ballario, Corrado Beldì, Francesca Berardi, Cristiana Campanini, Guia Cortassa, Angela Maderna, Greta Privitera, Gabriele Sassone, Massimiliano Tonelli.   Uno in Due inizia mercoledì 15 gennaio con le artiste Marta Pierobon e Anna Galtarossa, intervistate dalla giornalista e storica dell'arte Cristiana Campanini.   Anna Galtarossa si dedica a scultura, tessitura, cinema e realtà virtuale, mescolando tecniche tradizionali e materiali riciclati – plastica, fiori, elementi di natura artificiale, stoffe, trine – per realizzare opere simboliche ed evocative, feticci di una mitologia perduta, oppure vivaci e spettacolari installazioni che spesso coinvolgono fisicamente il pubblico in ingegnose architetture.   La ricerca di Marta Pierobon si incentra sull’osservazione della trasformazione continua del quotidiano e del domestico. La sua pratica è basata sulla fusione tra narrazione e materia: attraverso l’uso di media diversi come la ceramica, il bronzo, le resine, il tessuto e il disegno, crea serie di lavori che si sviluppano in bilico tra una realtà interiore legata al gioco e la razionale percezione del mondo.   Cristiana Campanini è giornalista laureata in storia dell’arte, scrive per La Repubblica e collabora con Arte. Insegna Storia e strategia delle gallerie, nel quadro della facoltà di Arte, valorizzazione e mercato all'Università IULM di Milano e Giornalismo culturale per le arti e lo spettacolo al DAMS in Cattolica a Brescia. Nel 2014 fonda ArtAround, il primo archivio delle gallerie private in Italia.   Calendario    mercoledì 15 gennaio Anna Galtarossa / Marta Pierobon – Cristiana Campanini  mercoledì 19 febbraio Invernomuto / Massimo Grimaldi – Guia Cortassa  mercoledì 19 marzo Luca Vitone / Stefano Serretta – Greta Privitera  mercoledì 16 aprile Antonio Rovaldi / Claudia Losi – Francesca Berardi  mercoledì 21 maggio Patrik Tuttofuoco / Sara Enrico – Gabriele Sassone  mercoledì 18 giugno Nico Vascellari / Nicole Colombo – Corrado Beldì  mercoledì 15 ottobre Rebecca Momoli / Liliana Moro – Angela Maderna  mercoledì 19 novembre Marta Ravasi / Chiara Camoni – Massimiliano Tonelli  mercoledì 17 dicembre Vedovamazzei / The Cool Couple – Nicolas Ballario   Via Stampa è un bistrot di quartiere nato nel settembre 2023 nel cuore di Milano: una cucina tra classico e contemporaneo che pone particolare attenzione alla qualità sostenibile della materia prima. Il menu è in continua trasformazione, segue il fluire delle stagioni. I vini provengono da artigiani appassionati che amano il loro territorio. Nel solco della tradizione dei bistrot europei, la prima sala ospita il bancone: ritrovo ideale per l’aperitivo e il dopocena. Via Stampa è anche laboratorio di pasticceria e panificazione, in cui si utilizzano unicamente farine integrali, zuccheri non raffinati e lievito madre. È ispirato per metà dalla moderna cultura delle bakery nordiche e per l’altra dai tradizionali forni del Sud Italia, veri e propri centri di aggregazione. www.viastampa.it   Ingresso libero, consigliata la prenotazione

David Tremlett: Another Step e The Organ Pipes a Reggio Emilia Incontro con l'artista in conversazione con Marina Dacci

 

Giovedì 9 gennaio 2024, ore 14.30 Accademia di Belle Arti di Bologna, Aula Magna

David Tremlett, The Organ Pipes, 2024, Installazione permanente, Reggio Emilia, Ex Caffarri Courtesy dell’artista © Lorenzo Palmieri

Giovedì 9 gennaio alle ore 14.30, l’Aula Magna dell’Accademia di Belle Arti di Bologna ospita un incontro con l'artista britannico di fama internazionale David Tremlett e la curatrice Marina Dacci, in dialogo con la Prof.ssa Marinella Paderni.   L'evento, dal titolo David Tremlett: Another Step e The Organ Pipes a Reggio Emilia si focalizzerà sulla mostra personale Another Step, visitabile negli spazi espositivi dei Chiostri di San Pietro della città emiliana fino al 9 febbraio 2025, e su The Organ Pipes, il monumentale wall painting realizzato dall'artista nel 2024 nell’ex mangimificio Caffarri che attualmente ospita la Fondazione Reggio Children, un teatro e una palestra di box.   Il wall drawing è il principale mezzo espressivo di Tremlett, mediante il quale reinventa lo spazio architettonico in relazione al contesto e alle qualità dei luoghi, collocando la sua ricerca tra pittura e scultura. The Organ Pipes (le canne dell’organo) è uno degli interventi artistici permanenti più grandi che Tremlett abbia mai compiuto. Gli enormi silos dell'ex Cafarri di Reggio Emilia sono stati ridipinti con gamme di colore scelte dall’artista dopo uno studio specifico del territorio in cui l'opera si inscrive, passando da tonalità di colore più chiare a più scure e creando movimento e ritmo, fino a trasformare l'architettura in una sorta di partitura musicale.   Anche la mostra Another Step, a cura di Marina Dacci, si ispira all'idea di partitura sonora, sviluppandosi in otto sale degli storici Chiostri di San Pietro, nel cuore di Reggio Emilia. L’esposizione è un omaggio a tutto tondo alla ricerca di Tremlett e propone una settantina di opere - disegni, collage, composizioni testuali - che vanno dal 1969 al 2023 di cui oltre la metà non sono mai state esposte e sono in gran parte focalizzate sul suo lavoro in studio.   David Tremlett (St. Austell, Cornovaglia, 1945) è noto per i suoi originali wall drawing site specific realizzati sia all'interno di spazi storici che all'esterno di chiese, borghi e architetture industriali. Questa tecnica si è evoluta nel tempo in una pratica definita dallo stesso artista “scultorea”, tesa alla valorizzazione e al dialogo con lo spazio in cui opera. Ha realizzato wall drawings in tutto il mondo, in Italia si ricordano gli interventi presso Palazzo Re Enzo a Bologna, la Cappella di Barolo nelle Langhe insieme a Sol LeWitt, Palazzo Butera a Palermo e le facciate del borgo di Ghizzano in Toscana.   Fra le numerose mostre personali e collettive, si ricordato quelle presso Museum of Modern Art (New York), Stedeljik Museum (Amsterdam), Centre George Pompidou (Parigi), Joan Miro Foundation (Barcellona), PAC (Milano).    Accademia di Belle Arti di Bologna, Aula Magna Via delle Belle Arti, 54, Bologna www.ababo.it