BASE ALLA DESIGN WEEK 2023 We Will Design: We have an I.D.E.A. è il tema dell’edizione 2023

 

Dal 17 al 23 aprile We Will Design, il grande laboratorio sperimentale promosso da BASE, presenta progetti di designer da tutto il mondo, scuole, università, istituzioni internazionali e giovani studenti, sviluppati attorno all’acronimo I.D.E.A. - Inclusione, Diversità, Equità e Accessibilità.      L’obiettivo: attivare una riflessione sul concetto di design democratico, plurale e inclusivo, capace di coinvolgere persone di tutte le età, abilità, genere e cultura.         BASE Milano, via Bergognone 34 www.base.milano.it

La Design Week di BASE:   Nella Ground Hall all’ingresso di BASE: una grande installazione immersiva dell'artista collettiva francese Claire Fontaine.   We Will Design 2023 è Temporary Home. Exhibit. Kids. Music. Temporary Home: cinque donne designer e artiste da Francia, Olanda, Grecia, Germania trasformano casaBASE in una residenza sui generis, allo stesso tempo casa, luogo di sperimentazione, spazio di presentazione e interazione con il pubblico.  Exhibit: una grande piattaforma di ricerca che riunisce progetti e installazioni italiani e internazionali su temi e sfide del nostro tempo a cura di università, collettivi multidisciplinari, designer e giovani talenti, insieme alle progettualità scaturite dalle residenze di BASE.  We Will Design – Kids: una guida a misura di bambino per dare anche ai più piccoli la possibilità di avvicinarsi al mondo del design. We Will Design Music – Warm Up: una programmazione musicale che inizia sin dal 15 marzo con gli appuntamenti in anteprima in diretta dal Volvo Studio Milano (scarica la scheda) e prosegue con due serate speciali in collaborazione con Le Cannibale.    Tutti i partecipanti a Temporary Home, Exhibit e Residenze per la Design Week 2023 Analogique, Aterlier Adhoc Arhitectura, The Vanity Table (Ava Asaadi), Greta Ballschuh, Matilde Brizzi, co.arch studio & Endelea, Agnieszka Cieszanowska, Hyukjoon Choi, Margarida Coelho, collettivo AAA, Simon Dogger, Boey Wang, Festival Divercity Festival, Guus Hoeberechts, Adi Hollander & Otherabilities, Eungyun Kim, Eva Lotta Landskron, Mancdesign – Manchester School of Art, Scuola del Design – Politecnico di Milano, Miocugino e Alvar Aaltissimo, Tec de Monterrey – Scuola di Architettura, Arte e Design (EAAD) al Tecnológico de Monterrey, Ernesto Oroza con Université Jean Monnet Saint-Étienne, Matteo Proietti, Newcomer Society, NID Perugia, Studio Sophia Schullan (Sophia Schullan), Subin Seol, Emma Sfez, ShiSoH (Sohye SHIN), Standard404 & Eretico, Bruno Szenk, Davide Tagliabue, Juliette Vandermosten, Maria Varela, Sanne Visser, Luisa Wolf.   *BASE utilizza forme di linguaggio inclusivo. Trattandosi di un comunicato stampa, useremo nella comunicazione il maschile sovraesteso.    Claire Fontaine, Patriarchy Kills Love, 2020

Milano, marzo 2023 – Inclusione. Diversità. Equità. Accessibilità: dal 17 al 23 aprile BASE porta alla Design Week 2023 la terza edizione di We Will Design: We have an I.D.E.A. con designer provenienti da tutto il mondo, scuole, università, istituzioni internazionali, giovani studenti che riflettono sul concetto di design plurale e inclusivo.    Per tutta la settimana del design BASE presenta progetti inediti, esposizioni, workshop e appuntamenti che abbracciano le dimensioni racchiuse nell’acronimo I.D.E.A. - Inclusione, Diversità, Equità e Accessibilità.   INCLUSIONE: creare un ambiente in cui tutti gli individui si sentano accolti, sicuri, rispettati, valorizzati e supportati per consentire la piena partecipazione e il contributo.      DIVERSITÀ: ogni individuo è unico e ne riconosciamo le peculiarità. Origini etniche, genere (identità, espressione), orientamento sessuale, provenienza, status socio-economico, religione o convinzioni personali, stato civile, età e disabilità.      EQUITÀ: identificare e rimuovere le barriere, soprattutto economiche, per garantire la piena partecipazione di tutte le persone e di tutti i gruppi.      ACCESSIBILITÀ: progettare prodotti, dispositivi, servizi o ambienti per le persone con disabilità. Un insieme di soluzioni che consentono al maggior numero di persone di partecipare alle attività nel modo più efficace possibile.   Quattro dimensioni e centinaia di intersezioni e sfumature, che intrecciano la vita di quasi otto miliardi di persone sul pianeta. Persone di ogni genere, razza, età, abilità, cultura, a cui per definizione il design plurale parla e si rivolge.    La pluralità del design promosso da BASE racconta anche il percorso di co-ideazione e co-progettazione con attori generalmente non inclusi nelle conversazioni e strumenti del design contemporaneo.      We Will Design non è solo uno spazio di racconto ed esposizione: è un percorso di sperimentazione che va avanti tutto l’anno con residenze e scambi internazionali, in cui le pratiche e le esperienze di design diventano strumento per leggere - e, talvolta, risolvere - le tante contraddizioni del nostro presente. Un banco di prova per progetti che, insieme a quelli di altri designer, vedono la luce e incontrano il pubblico proprio in occasione della Design Week.      Per la Design Week 2023 We Will Design sviluppa queste riflessioni presentando una grande installazione di Claire Fontaine che accoglie il pubblico nella Ground Hall di BASE; i formati progettuali Temporary Home ed Exhibit - con progetti da tutto il mondo; We Will Design – Kids, con una serie di momenti a misura di bambino sempre collegati a valori di accessibilità e inclusione; We Will Design Music, con un ricco palinsesto musicale in collaborazione con Volvo Studio Milano e Le Cannibale.

MancDesign, Manchester School of Art, Gemma Potter Eva Lotta Landskron, Do Touch Sohyé Shin, Inside Out

L’installazione di Claire Fontaine per BASE   Claire Fontaine è un’artista collettiva fondata da James Thornhill e Fulvia Carnevale nel 2004 a Parigi. Dal 2017 vive e lavora a Palermo. Il suo nome è uno pseudonimo che suona come un nome di donna francese e si ispira all'orinatoio di Duchamp (Fontaine) e a una famosa marca di cartoleria francese (Clairefontaine), in modo da creare uno spazio di disoggettivazione in cui gli artisti che lavorano con questo nome possono sperimentare in libertà, senza bisogno di sentirsi costretti dal loro genere, razza o classe di nascita. In occasione della Design Week porta a BASE Milano una grande installazione immersiva per gli spazi della ground hall. Le opere prenderanno la forma di frasi LED che ci interpellano, ci sollecitano, ci provocano. Queste affermazioni luminose, che attivano domande più che consegnare risposte, donano materialità alle parole, facendole interagire con il mondo esterno, cambiando così la lettura della realtà che le circonda. E, con essa, la nostra interpretazione del mondo. La pratica di Claire Fontaine non si concentra sul genio individuale e sull'eccellenza della singolarità ma cerca l'attivazione delle forze e le forme contenute nella storia dell'arte e ne evidenzia il contenuto politico. Claire Fontaine utilizza diversi media e rifiuta l'obbligo di adottare un vocabolario di forme riconoscibile nel suo lavoro, piuttosto lo affronta come una ricerca sperimentale in corso, una continua esplorazione. Usa il video, la scultura, il testo luminoso, spesso il neon, la pittura, la scrittura letteraria e teorica.

Eva Lotta Landskron, Do Touch Newcomer Society

We Will Design 2023: formati e progetti   Temporary Home Anche quest’anno casaBASE – la guesthouse di BASE – diventa Temporary Home e si trasforma in una residenza sui generis per cinque designer e artiste donne provenienti da Francia, Inghilterra, Olanda, Grecia, Germania. Cinque stanze si fanno casa e luogo di sperimentazione delle designer, che qui svilupperanno, esporranno e racconteranno i propri progetti al pubblico.  In particolare, l’artista Adi Hollander insieme con Otherabilities, Andreas Tegnander e Ildikó Horváth - in collaborazione con l’Ambasciata e il Consolato Generale dei Paesi Bassi in Italia - presenta “Haptic Room Study #2: Traveling Tactile Concert”, un’installazione sonora e un concerto itinerante aptico in cui i visitatori sono invitati ad ‘ascoltare con il proprio corpo’. L’installazione è l’arrangiamento di superfici tattili come assi di pavimento vibranti, superfici morbide e piastrelle di porcellana su cui il pubblico si potrà sedere, appoggiare o sdraiare per percepire il suono attraverso il tatto.   Con “Butterflies of the Beautiful” Maria Varela - in collaborazione con British Council come parte del programma Circular Cultures e con il supporto di Onassis Foundation - traduce i report delle Nazioni Unite sull’uguaglianza di genere in farfalle generate da un algoritmo, prendendo spunto dal protagonista della storia di Nathaniel Hawthorne “The Artist of the Beautiful”, sottoponendo ad un punto di vista contemporaneo la battaglia tra estetica e praticità, la combinazione di Arte, Scienza e Tecnologia all’interno di un processo creativo e lo stato dell’ambito femminile contemporaneo globale. Sanne Visser - in collaborazione con British Council come parte del programma Circular Cultures - con il progetto “Locally Grown” lavora a contatto con i parrucchieri, attraverso dei tagli di capelli eseguiti in diretta su una sedia da barbiere ridisegnata, coinvolgendo il pubblico in un’installazione interattiva per mostrare come i capelli possano essere una risorsa riciclabile, aprendo un discorso più ampio su un futuro di sostenibilità a partire da un materiale riutilizzabile come il capello. Con “Queering School/s”, la designer, artista, curatrice Emma Sfez - in collaborazione con l’Institut français Milano - lancia una sfida e una riflessione sui linguaggi, le rappresentazioni, le immagini, le strutture e le narrazioni che circolano e si sono radicate nel sistema educativo.   Nel progetto “Botanical Role Play” di Louisa Wolf - promosso dal Goethe-Institut Mailand - studi di genere, femminismo e BDSM si intersecano con la botanica e il giardinaggio attraverso una varietà di strumenti, outfit e oggetti.

Hyukjoon Choi, Where positivity is plugged in The Vanity Table (Ava Asaadi), Cosmetic Footprints

Exhibit Un luogo di ricerca e sperimentazione sul design democratico e plurale: Exhibit raccoglie i lavori di accademie, università - come la Scuola del Design del Politecnico di Milano, Université Jean Monnet Saint-Étienne, Manchester School of Art, Tecnológico de Monterrey - studi di progettazione, designer emergenti, e presenta la restituzione inedita di processi di residenza sviluppati nei mesi precedenti a BASE.     Fra i designer partecipanti: Eva Lotta Landskron, con l’installazione “Do Touch” introduce uno stato intermedio tra solido e fluido, nella metaforica ricerca di una via alternativa agli estremismi e alle polarizzazioni del dibattito pubblico. Per Sohye Shin il progetto “Inside-Out” è un gioco, un’indagine su come le abitudini alimentari riflettano la pressione sociale. Juliette Van Der Mosten presenta “Meanders”, un gioco da tavola collaborativo a supporto delle famiglie che si confrontano con casi di demenza e altre patologie simili. Hyukjoon Choi porta “Where positivity is plugged in” un’installazione performativa che invita a riflettere sulle conseguenze della felicità obbligatoria e della necessità di avere un mind-set positivo imposta dai canoni contemporanei per aumentare la produttività. Per la designer Matilde Brizzi “Broccoli Bar” è un angolo conviviale che invita tutte le persone a sedersi e partecipare a dibattiti su fenomeni sociali che le riguardano o di cui subiscono gli effetti, ma che solitamente rimangono nei tavoli esclusivi degli ambienti accademici.  Con “Amor? Luta!” Margarida Coelho rappresenta un necessario ribaltamento della propaganda politica con la parità di genere. I costumi tradizionali del folklore portoghese vengono ridisegnati, in collaborazione con le donne artigiane locali, con messaggi e simboli femministi.     Attraverso la piattaforma fisica e online The Vanity Table, Ava Asaadi presenta “Cosmetic Footprints”, una serie di oggetti che catturano il valore degli articoli di cosmetica scartati, collezionati negli anni dalla designer. Con “My Dream Bunker” Studio Sophia Schullan riflette su come i giocattoli possano essere riprogettati per offrire alle future generazioni degli strumenti narrativi utili a crescere negli inevitabili effetti della crisi climatica.   Quattro designer dall’Estremo Oriente, layer della Newcomer Society, dall’Accademia di Design di Eindhoven, espongono quattro progetti che spaziano da medium digitali a medium materiali, mappando uno scenario socio-culturale di atteggiamento consumistico, tramite la loro prospettiva nomadica nei Paesi Bassi. L’artista e designer Guus Hoeberechts esplora le idee normative attorno al concetto di famiglia con “(De)constructing family models”. La designer polacca Agnieszka Cieszanowska presenta “C l u s t e r e d”, con cui materializza il fenomeno della trypophobia, la paura o il disgusto verso i pattern irregolari di cerchi o buchi. Il designer e ricercatore Bruno Szenk propone “I=Fe”, una riflessione auto-investigativa sull’essere materiale attraverso la creazione di utensili, documentazione e storytelling. Il collettivo AAA presenta i progetti di tre gruppi selezionati in base ai risultati ottenuti durante il corso di “Inclusivity Design” del Politecnico di Milano; Tangity Design Agency finanzia e dà il patrocinio all’iniziativa. L’artista visiva e fashion designer Eungyun Kim affronta il tema della malattia e dell’autostima con il progetto “Dis+ease”. La designer Greta Ballschuh propone “Question of Matter”, una riflessione sulla relazione di reciprocità tra corpo e natura. Miocugino e Alvar Aaltissimo presentano “Case Milanesissime in 3D”, una descrizione dell’abitare temporaneo milanese del nostro tempo, in collaborazione con Corraini Edizioni, HPO, The Digital Circle. Standard404 & Eretico presentano “Cinema Parentesi”, un tributo al linguaggio contemporaneo delle immagini in movimento. L’interior designer Subin Seol riflette sul modo di ricordare l'architettura demolita tramite oggetti tangibili nelle nostre vite quotidiane con “Remembrance”.

Agnieszka Cieszanowska, C l u s t e r e d Bruno Szenk, I=Fe. Credits RonaldSmits

Progettare per le fragilità future sarà il tema sviluppato dalla Scuola del Design del Politecnico di Milano focalizzato sul concetto di Design for All, approccio olistico al design fondato sull’inclusione sociale e l’uguaglianza. Con l’exhibit “MancDesign”, la Manchester School of Art espone i lavori accademici del Dipartimento di Design con un progetto collettivo che mostra come il design sia radicato nel “luogo”, collegato al passato, al presente e al futuro di Manchester. Gli studenti di design del Tec de Monterrey – Scuola di Architettura, Arte e Design (EAAD) al Tecnológico de Monterrey interagiranno con il pubblico per esplorare, riflettere e dialogare sui modi in cui il design si relaziona alle quattro dimensioni di I.D.E.A. Université Jean Monnet Saint-Étienne con il designer e ricercatore Ernesto Oroza presenta “Manger, Dormir, Communiquer”, un progetto realizzato con gli studenti di CyDRe, il 3° Ciclo della Scuola di Arte e Design di Saint-Étienne. Non una semplice esposizione, ma un “foyer” (in francese, “focolare”, un luogo di raccolta di una comunità) dove si può mangiare, dormire e comunicare, mettendo in discussione le nuove soluzioni apolitiche del design, opponendo resistenza tramite queste tre semplici mansioni umane.   Il progetto "Costituire - materials.design.rights" promosso dal Festival Divercity, in collaborazione con il dipartimento di Design dell'Università di Firenze, si propone di inquadrare i problemi e le relazioni che intercorrono tra la società e l'ambiente, analizzando e decodificando il lavoro insieme - inteso come collettivo, atto orizzontale e partecipativo - come possibile antidoto al propagarsi dell'individualismo e alla mancanza di cura per l'Altro e l'Altrove che caratterizzano il nostro vivere contemporaneo. L’attenzione di "Costituire" verte dunque verso il design come pratica sociale, per la creazione di reti di emancipazione, di innovazione sociale, di comunità e cooperazione internazionale. L'impegno è quello di dar luce a chi racconta e cura le vulnerabilità, a chi vuole superare i modelli culturali dominanti e l'economia della performatività, declinando la cura come contraltare all’aggressione sistemica ai diritti e alla salute delle comunità marginalizzate, razzializzate e dal background migratorio, perpetrata anche attraverso lo strumento tecnico del design (o la sua assenza).   Nell’ambito delle due residenze ospitate nel corso dell’anno da We Will Design e che hanno lavorato sul concetto di soglia e sull’abbattimento delle barriere della fabbrica ex-Ansaldo per mettere BASE in dialogo con la città, la ricerca di Analogique sfocia nel progetto “*FR*OG*”, una collezione di oggetti frugali, un processo-progetto che lavora sul tempo lungo delle dinamiche sociali, per innescare nuove relazioni tra gli edifici, il tessuto urbano circostante e gli abitanti di una porzione di città. Mentre Davide Tagliabue propone un’installazione che parte dall’elemento della scala, ed è allo stesso tempo luogo di transito e di ingresso al mondo domestico così come luogo di sosta in cui si vive lo spazio comune.     Tutti i partecipanti a Temporary Home, Exhibit e Residenze per la Design Week 2023  Analogique, Aterlier Adhoc Arhitectura, The Vanity Table (Ava Asaadi), Greta Ballschuh, Matilde Brizzi, co.arch studio & Endelea, Agnieszka Cieszanowska, Hyukjoon Choi, Margarida Coelho, collettivo AAA, Simon Dogger, Boey Wang, Festival Divercity, Guus Hoeberechts, Adi Hollander & Otherabilities, Eungyun Kim, Eva Lotta Landskron, Mancdesign – Manchester School of Art, Scuola del Design – Politecnico di Milano, Miocugino e Alvar Aaltissimo, Tec de Monterrey – Scuola di Architettura, Arte e Design (EAAD) al Tecnológico de Monterrey, Ernesto Oroza con Université Jean Monnet Saint-Étienne, Matteo Proietti, Newcomer Society, NID Perugia, Studio Sophia Schullan (Sophia Schullan), Subin Seol, Emma Sfez, ShiSoH (Sohye SHIN), Standard404 & Eretico, Bruno Szenk, Davide Tagliabue, Juliette Vandermosten, Maria Varela, Sanne Visser, Luisa Wolf.   Margarida Coelho, Amor? Luta! We Will Design – Kids I valori di accessibilità e inclusione si incontrano anche nel progetto We Will Design – Kids: una guida a misura di bambino per dare anche ai più piccoli la possibilità di avvicinarsi al mondo del design.   Musica e Design Week  In collaborazione con Volvo Car Italia, BASE propone “We Will Design Music – Warm Up”, già a partire dal 15 marzo, una rassegna musicale di warm up verso la Design Week. In diretta dal Volvo Studio Milano, ci saranno quattro serate per quattro artisti che rappresentano le innovazioni della scena musicale italiana. Uno spazio d'incontro fra gli artisti e il pubblico sulla strada verso il design della musica del futuro. Durante la Design Week, all’ex-Ansaldo, un’intera settimana di musica. Tornano le serate con Le Cannibale: elettronica, house, techno, disco, world music con HAAi, Dj Phyton, Fabio Monesi, Hiroko Hacci.

BASE Milano. Design Werk 2022

BASE Milano   BASE Milano è una community che produce innovazione sociale e contaminazione culturale tra arti, imprese e tecnologia a Milano. Un hub creativo con un’atmosfera internazionale, un centro culturale poli-funzionale al servizio della città che nasce dalla rigenerazione degli spazi industriali dell’ex-Ansaldo.  Qui co-esistono attività di ricerca, sperimentazione e progettazione sociale con la produzione e co-produzione di iniziative culturali e di intrattenimento.   BASE si pone come istituzione artistica plurale e inclusiva, supporta processi di decanonizzazione e lavora nello spazio in cui differenze di razza, genere, classe sociale e accesso alla cultura si intersecano.     BASE alla DESIGN WEEK 2023     We Will Design: We have an I.D.E.A.   Con il patrocinio di: Comune di Milano Partner: Volvo Car Italia, Moleskine Partner istituzionali BASE: Ministero della Cultura - Direzione Generale Creatività Contemporanea, Creative Living Lab, Comune di Milano, Fondazione Cariplo, Fondazione Banca Popolare di Milano, Creative Industries Fund NL Partner istituzionali Design Week: Ambasciata e Consolato Generale dei Paesi Bassi in Italia, Goethe-Institut Mailand, Istituto Romeno di Cultura e Ricerca Umanistica di Venezia, British Council, Onassis Foundation, Romanian Design Week Media partner Design Week: Abitare, Archiproducts, Artribune, Dezeen, Domus, Fuorisalone.it   INFORMAZIONI 17-23 aprile 2023 BASE - Via Bergognone 34, Milano www.base.milano.it   Orari di apertura: lunedì 10.30-19 / martedì-sabato 10.30-20 / domenica 10.30-18   Ingresso libero     Facebook: www.facebook.com/BaseMilano.aplaceforculturalprogress Instagram: www.instagram.com/base_milano/

VINO E TERRITORIO: UN APPROFONDIMENTO SUL VIOGNIER E SUL DOLCETTO D’ALBA DELL’AGRICOLA MARRONE DI LA MORRA

 

Borghi d’Europa è tornata a fare visita all’ottima Cantina situata nel Barolo Docg

Milano, 2 Marzo 2023- Borghi d’Europa ha da poco fatto un tour mirato in Langhe e Roero, per comprendere e comunicare il territorio in maniera efficace: per la parte Langhe, la redazione è tornata a La Morra dall’Agricola Marrone, nel cuore del Barolo Docg.

Una cantina ormai compagna di viaggio di Borghi d’Europa,oggi giunta alla quarta generazione nella conduzione tutta familiare, che lavora unendo tradizione, innovazione ed eleganza un territorio decisamente complesso, che poi viene esaltato nei calici.

Questa volta il motivo della visita non è stato sua maestà il Barolo, bensì il Dolcetto d’Alba, assieme alle due chicche a bacca bianca Viognier e Chardonnay.

In compagnia di Denise Marrone (una delle tre sorelle al timone dell’azienda e responsabile dell’ accoglienza in Cantina che vanta pure un ottimo ristorante interno) sono stati dapprima visitati i vigneti in località Madonna di Como, collina caratteristica sopra Alba ( siamo sui 300 m slm), che hanno rivelato ad occhio nudo la complessità e diversità del terreno: da zone più marno-argillose, ad altre nettamente più calcaree e persino alcune ricche di arenarie ricche di sabbia, dove vengono coltivati Dolcetto, Barbera, Nebbiolo e Viognier.

Il Dolcetto è per tradizione il vino rosso da pasto quotidiano nelle abitazioni piemontesi, molto diffuso e assolutamente riconoscibile per il suo odore vinoso, l’acidità moderata e una buona armonia, che ha questo nome pare per la morbidezza della sua uva matura.

Col tempo il Dolcetto ha perso un po’ di appeal e visibilità perché oscurato dal Nebbiolo e dalla Barbera, gli altri due vitigni rossi cardine delle Langhe e Borghi d’Europa, da sempre attenta alla valorizzazione delle eccellenze locali, ha deciso di comunicare un po’ più questo rosso piemontese, specialmente a tavola, visto che è molto versatile e abbinabile a molte cose ( antipasti con salumi, zuppe con legumi, risotti, ravioli e secondi di carne di manzo non troppo elaborati)

In purezza l’Agricola Marrone ne fa due, che sono stati poi degustati a tavola: il Dolcetto d’Alba Doc 2021, che ha rivelato una bella beva e freschezza (si è sposato bene con l’antipasto di vitello tonnato e coi ravioli del Plin) e poi il Dolcetto d’Alba Superiore Carlot 2019, più strutturato ed avvolgente, perfetto con lo scamone con le nocciole preparato dallo Chef Paolo Garabello.

Gli abbinamenti dei due Dolcetto coi piatti sono stati azzeccati in pieno: bisogna far emergere maggiormente la convivialità e piacevolezza del Dolcetto e la sua ecletticità a tavola, senza andare a toccare né il Nebbiolo e né la Barbera, che hanno ovviamente un’acidità, una trama tannica e struttura ben superiori.

Capitolo Viognier: è stata una davvero una bella sorpresa quella fatta da Denise Marrone, che ha spiegato che  viene considerato il “fratello bianco del Nebbiolo” in quanto dotato d’intensità e struttura e dal grande potenziale evolutivo, un bianco fermo molto famoso in Francia nella Valle del Rodano.

Il Langhe Viognier “Servaj” di Marrone, è una piccola nicchia qualitativa: ne sono prodotte solo un migliaio di bottiglie e sinora solo nelle annate 2019 e 2018, affinati in tonneaux.

Entrambe le annate hanno un naso molto intenso, con una flagranza di frutti gialli anche esotici e delle note che ricordano la camomilla e gli infusi ,poi al palato ambedue molto strutturati (il 2019 fa 14° e il 2018 14,5!), ma dotati di piacevolezza, finezza e pienezza gustativa, con una persistenza più lunga nel 2018.

 Essendo una sorpresa, Borghi d’Europa li ha provati da meditazione con Denise Marrone, che ha ricordato che loro producono anche il Langhe Chardonnay “Memundis”, che si può definire un cugino del Viognier Servaj, affinato anch’esso in tonneaux (ne sono prodotte solo 4000 bottiglie l’anno), rispetto al Viognier si sente più la vaniglia, ma al palato è  elegante e di corpo e sicuramente longevo.

La seconda giornata del tour di Borghi d’Europa in Langhe e Roero è stata dunque molto interessante e produttiva: l’Agricola Marrone ha  mostrato ancor una volta come si lavora bene in Langa, dando molta importanza al terreno e poi all’accoglienza, disponendo infatti di una cucina perfetta per esaltare i vari vini prodotti, tra cui il Dolcetto, che come già detto necessita di più spinta comunicativa nel concetto di vino da tutto pasto.

In alto i calici!

Dal 10 marzo in libreria e online Achille Funi Un maestro a Brera A cura di Elena Pontiggia e Franco Albini Riflessioni su un Metodo A cura di Fondazione Franco Albini

 

Editi da Libri Scheiwiller 24orecultura.com

Dal 10 marzo escono in libreria due nuovi volumi editi da Libri Scheiwiller per la collana L’Arte e le Arti: “Achille Funi. Un maestro a Brera”, a cura di Elena Pontiggia, realizzato in collaborazione con l'Accademia di Belle Arti di Brera, un’esaustiva monografia che raccoglie un’imponente mole di documenti nonché di scritti e testimonianze dell’artista stesso, e “Franco Albini. Riflessioni su un Metodo”, a cura di Fondazione Franco Albini, dedicato a uno dei più grandi maestri dell’architettura italiana e dei primi protagonisti del design moderno. Achille Funi. Un maestro a Brera Scultore, architetto, illustratore, scenografo e grafico, Achille Funi è stato uno dei protagonisti della pittura italiana della prima parte del XX secolo. Il saggio di Elena Pontiggia ricostruisce la vita e l’opera dell’artista con un inedito taglio biografico e ampi stralci del suo poco noto epistolario, tra cui le lettere, ritrovate recentemente, ad Arturo Tosi e a Margherita Sarfatti. L’autrice analizza inoltre, con un linguaggio semplice e chiaro, i principali dipinti dell’artista, ripercorrendone il periodo futurista, l’epoca del realismo magico e del Novecento Italiano, l’avventura della pittura murale negli anni Trenta e Quaranta. Tra le pagine del libro particolare attenzione è rivolta alla ricostruzione, anche con dati inediti, dell’esperienza di Funi all’Accademia di Brera: come studente nel 1906‑1910; come fondatore della prima cattedra di affresco in Italia nel 1940; come docente dal 1940 al 1945 (quando viene deferito al CLN per la sua adesione al fascismo) e dal 1947 al 1957, quando ormai anziano diventò direttore. Nella sua aula l’artista radunò intorno a sé una cerchia di allievi, una “Scuola di Funi” formata da tanti futuri artisti diversissimi tra loro ai quali, rispettandone sempre l’individualità e la libertà espressiva, Funi insegnò la costruzione della forma, la “geometria della vita”. Tra i suoi allievi si ricordano i figurativi Valerio Adami e Umberto Mariani, artisti cinetici appartenenti al Gruppo T, come Gianni Colombo, Grazia Varisco, Davide Boriani, Giovanni Anceschi, e firmatari del manifesto spazialista, come Roberto Crippa, Gianni Dova e Cesare Peverelli.   A cura di Elena Pontiggia - critica e storica dell’arte, docente presso l’Accademia di Belle Arti di Brera e il Politecnico di Milano, collaboratrice di diverse riviste d’arte e della Stampa di Torino.   L’Accademia di Belle Arti di Brera e la collana L’Arte e le Arti L’Accademia di Belle Arti di Brera ha visto la luce nel 1776. Nei quasi duecentocinquanta anni successivi sono passati nelle sue aule molti degli artisti, storici dell’arte e critici che hanno segnato la storia artistica e culturale italiana e internazionale. Questo volume rappresenta la prima delle sei pubblicazioni, a collana, nate dalla collaborazione tra Brera e Libri Scheiwiller ed è inserita all’interno della collana L’Arte e le Arti. Saggi, documenti, repertori di immagini ripescati dagli archivi e sottratti all’oblio del tempo formeranno una costellazione capace di mostrare le radici di un’identità che, attraverso il passato, si proietta nel futuro.

Titolo: Achille Funi. Un maestro a Brera Editore: Libri Scheiwiller A cura di: Elena Pontiggia In collaborazione con: Accademia di Belle Arti di Brera Formato: brossura 16 x 24 cm Pagine: 176 Prezzo: € 22,90 Codice ISBN: 9788876447006 In vendita in libreria e online

JAN FABRE Per Eusebia Il numero 85 (con ali d’angelo)

 

Due importanti opere permanenti in corallo dell’artista fiammingo

donate da Gianfranco D'Amato e Vincenzo Liverino

alla Real Cappella del Tesoro di San Gennaro

e alla Chiesa di Santa Maria delle Anime del Purgatorio ad Arco

 

a cura di Melania Rossi

 

dal 2 marzo 2023

 

Napoli

Real Cappella del Tesoro di San Gennaro, Via Duomo 149

Chiesa di Santa Maria delle Anime del Purgatorio ad Arco, Via dei Tribunali 39

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Napoli, 2 marzo 2023. Da oggi, giovedì 2 marzo 2023, due importanti opere d’arte arricchiscono la Real Cappella del Tesoro di San Gennaro e la Chiesa di Santa Maria delle Anime del Purgatorio ad Arco, a Napoli. Si tratta di Per Eusebia e Il numero 85 (con ali d’angelo), due installazioni permanenti dell’artista fiammingo Jan Fabre, realizzate grazie alla donazione dell’artista stesso insieme a Gianfranco D’Amato e Vincenzo Liverino.

 

L’allestimento delle opere, a cura di Melania Rossi, porta Per Eusebia al Duomo di Napoli, nella Cappella dedicata al Santo Patrono della città, accanto a opere pittoriche di Domenichino e Lanfranco, a più di cinquanta sculture e statue di santi compatroni e ai quattro quintali d’argento dei cosiddetti Splendori della Cappella del Tesoro di San Gennaro.

La seconda scultura, Il numero 85 (con ali d’angelo), occupa invece una nicchia a sinistra dell'altare della Chiesa di Santa Maria delle Anime del Purgatorio, contribuendo a sottolineare l’aura mistico-sacrale dell’ambiente circostante.

 

Per Eusebia (2022) è un mirabile pannello completamente realizzato in un cesellato mosaico di corallo rosso del Mediterraneo, allestito nell’Antisacrestia in cui sono custodite le chiavi che aprono la cassaforte contenente l’ampolla con il sangue di San Gennaro, oggetto di culto e devozione popolare.

L’artista ha scelto di richiamare l’inizio della storia di questo culto ricordando la pia donna, parente o nutrice del Santo, che per prima ne raccolse il sangue dopo il martirio nel 305 d.C.: ancora una volta un omaggio, come in altre opere di Jan Fabre, a donne che hanno avuto un ruolo fondamentale nella storia collettiva o nella sua personale.

L’artista smaterializza l’immagine del Santo, che rappresenta in una sintesi poetica di vari oggetti legati al culto del sangue miracoloso: la mitra, realizzata con un tripudio di rametti di corallo e circondata da lingue di fuoco, con grandi tessere di corallo che richiamano i 3328 diamanti, 198 smeraldi e 168 rubini che la adornano; nella parte alta del pannello due chiavi, identiche a quelle usate per aprire la cassaforte che custodisce il sangue, si protendono verso le due ampolle realizzate con cornetti rossi, simboli di fertilità e prosperità. La composizione offre una sensazione di movimento in cui le chiavi toccano i balsamari da dove gocce di sangue rosso scuro scendono simultaneamente ai lati della mitra, formando grappoli di mezze perle e cilindri di eccellente manifattura. Lo sfondo è un infinito chiaroscuro di rosso corallo, un monocromo formato da variazioni naturali di tonalità e conformazioni composto dall’assemblaggio di roselline, cornetti, foglioline simili a piccole stelle marine, che richiamano l’habitat naturale di questo straordinario materiale.

 

Il numero 85 (con ali d’angelo) (2022) è un’altra scultura in corallo rosso del Mediterraneo che non poteva che essere concepita per la chiesa napoletana delle Anime del Purgatorio ad Arco, in cui Fabre sembra essere entrato in sintonia con quelle rappresentazioni di morte in vita e della vita in morte che sono l’anima del barocco napoletano. L’opera, che sembra una diretta discendente di un’altra scultura custodita nella chiesa, il cosiddetto Teschio Alato realizzato da Dionisio Lazzari per l’altare maggiore nel 1669, è composta da un teschio umano da cui lati spuntano delle lunghe e affusolate ali; sulla fronte il numero 85, il cui significato numerologico è da ricondursi alle anime del Purgatorio, e che stabilisce un contatto diretto con il culto dei morti, o meglio delle anime. L’opera è una sorta di meditazione anatomica in cui si può cogliere la forma della vita che si disfa in altre forme viventi, rivelando la grande passione per la trasformazione di questo visionario artista-entomologo fiammingo, costantemente in bilico tra Bosch, Artaud e Cuvier. Ma è anche un invito a un viaggio iniziatico, a un innalzamento purificativo, richiamato dalle ali tese verso l’alto, che augura la guarigione dell’anima e segue l’idea ascensionale dello stesso Dante Alighieri nel Purgatorio della Divina Commedia.

 

Per Eusebia e Il numero 85 (con ali d’angelo) sono accompagnate da un catalogo con saggi di Angela Tecce, Melania Rossi, Marino Niola, Sara Liuzzi, Francesco Imperiali di Francavilla e Francesca Amirante, edito da Electa e realizzato grazie al contributo di Studio Trisorio.

Abbinamenti tra cibo e vino a firma Cantina San Michele Appiano e St. Michael-Eppan Lovers. Gewürztraminer Fallwind e Mousse di fegato di capretto tartufato dello chef stellato Karl Baumgartner.

 

L’abbinamento perfetto per il periodo che ci accompagna verso la primavera unisce il Gewürztraminer Fallwind di San Michele Appiano e la Mousse di fegato di capretto tartufato con pan brioche tostato di Karl Baumgartner, St. Michael-Eppan Lover e chef stellato del ristorante Schöneck in Val Pusteria, Alto Adige.

Appiano (BZ), 2 marzo 2023 – Per celebrare l’arrivo della primavera la Cantina San Michele Appiano, in collaborazione con i St. Michael-Eppan Lovers, élite che racchiude cuochi, sommelier e imprenditori nel settore enogastronomico, propone l’abbinamento perfetto: Gewürztraminer Fallwind e “Mousse di fegato di capretto” di Karl Baumgartner, chef del ristorante una stella Michelin Schöneck in Val Pusteria, Alto Adige. Un piatto speziato che, unito alla setosità e la straordinaria mineralità del Gewürztraminer, trova la giusta esaltazione ed armonia.

IL VINO. Alto Adige DOC Gewürztraminer Fallwind
Provenienti da vigneti selezionati, i vini del marchio Fallwind della Cantina San Michele Appiano sono ambasciatori del proprio terroir e rispecchiano in modo unico i punti di forza della zona. Tra questi troviamo il Gewürztraminer, intenso nel bouquet con una beva fresca e raffinata; di colore giallo paglierino intenso, al naso offre un intenso e ampio ventaglio aromatico; al palato risulta complesso ed elegante, e la sua mineralità e setosità è ideale per esaltare il piatto proposto dallo chef Karl Baumgartner.

LA RICETTA. Mousse di fegato di capretto tartufato con pan brioche tostato
La preparazione del piatto proposto dal ristorante Schöneck prevede la rosolatura di verdure miste e funghi champignon con il burro ed il grasso di capretto, a cui vengono aggiunti gradualmente gli aromi, il Marsala e la panna, lasciando che il tutto si riduca leggermente. A parte avviene la veloce rosolatura delle interiora, poi fiammate con il cognac. Unite e mixate le due preparazioni, si procede con l’aggiunta di tre fogli di gelatina (precedentemente ammollati), sale, pepe e mezzo tartufo grattugiato. Amalgamato bene il tutto e coperto con la pellicola, la mousse ottenuta viene lasciata riposare in frigo per 8 ore. Al momento dell’impiattamento, vengono create delle polpettine e il rimanente tartufo tagliato a fette molto sottili ed usato come decorazione, assieme a qualche punta di radicchio croccante. Il piatto è servito infine con una fetta di pan brioche tostato, preparato dallo chef con un procedimento a parte.

La cucina di Karl Baumgartner riesce a soddisfare qualsiasi palato, sa reinterpretare con spirito innovativo i piatti della tradizione, sia regionale che mediterranea, e utilizza solo materie prime autoctone e locali. Un’attenzione all’eccellenza, la sua, che richiama la filosofia della “qualità senza compromessi” della Cantina di San Michele Appiano e del winemaker Hans Terzer, filosofia che l’ha portata a diventare una tra le aziende più affermate del panorama vitivinicolo dell’Alto Adige e di tutta Italia.
 

La Sirene Competition vola a Parigi: Il prossimo 17 aprile Sirene Competition di Liquori delle Sirene a Parigi

 

Elisa Carta, creatrice della linea premium di aperitivi e bitter, porta la Sirene Competition all’estero dopo numerose edizioni italiane, questo per rispecchiare l’internazionalità del brand che attualmente è distribuito nelle Americhe, in Asia e Oceania.

Una decisione che porterà la Sirene Competition ad anni alterni in Italia e all’estero.

La Francia era già presente nella scorsa Sirene Competition perché il tema dell’edizione precedente era l'Art Nouveau e il premio un viaggio a Parigi.

 

Il tema di quest’anno è Aperitivo, Naturally. 

La Naturalità è il cuore della filosofia dei Liquori delle Sirene. Nessun additivo, nessun aroma o colorante sono utilizzati: i prodotti sono fatti con cura e amore in maniera artigianale, facendo macerare le piante individualmente. I concorrenti sono invitati a creare un cocktail che sposi questa visione di naturalità, contestualizzata al momento dell’Aperitivo: un appuntamento di consumo nato in Italia, che ha piacevolmente conquistato il mondo: APERITIVO, Naturally!

 

Tra gli iscritti verranno selezionati i 10 finalisti che il 17 aprile si ritroveranno a Parigi per la sfida finale che si terrà presso Danico, uno dei cocktail bar più prestigiosi di Parigi, conosciuto a livello internazionale.

 

La competition, data la sua prima edizione nel 2018 e si rivolge a giovani e talentuosi barlady e bartender che vogliano confrontarsi e cogliere nuove sfide.

Numerosi sono i concorrenti, provenienti da tutta Italia, che, – ancora all’inizio della loro carriera – sono stati selezionati nelle precedenti edizioni: Umberto Oliva, Geanfranco Chavez, Corey Squarzoni, Andrea Pomo, Claudio Sciaraffa, Elisa Favaron, Francesca Gentile, Valentina Rizzi, Davide Preite, e molti altri.

 

Per citare alcuni concorrenti del passato: 

“Le Sirene Competition è stata una di quelle esperienze che mi ha permesso di crescere e migliorare, e se sono qua oggi, lo devo pure a loro.” Andrea Pomo

“Un’energia incredibile nell’aria, amici e colleghi riuniti a dare il massimo. Un’esperienza indimenticabile, un fantastico ricordo” Mauro Colombo

I bravissimi vincitori delle passate edizioni sono stati: Vincenzo Losappio (prima edizione), Jordy di Leone (seconda edizione), Valeria Maresca (terza edizione), Alessandro Bono (quarta edizione).

Ca va sans dire: questa edizione però parlerà francese, ma l’Italia è sempre presente nei pensieri di Elisa Carta che nel Bel Paese è distribuita da Rinaldi 1957.

Il premio per l’edizione 2023 è un viaggio a Garda (dove è nato il brand Liquori delle Sirene) in cui il vincitore vivrà un’esperienza di atelier individuale sulla Botanica, sulla lavorazione delle erbe e sulla liquoristica.

 

Per iscriversi i concorrenti francesi sono invitati a compilare il format on line che si trova sul sito www.liquoridellesirene.com

Non ci resta che dire In Bocca alla Sirena!

 
Foto allegata in bassa definizione e qui in alta https://we.tl/t-kQV9CnmkK7

 

Il metodo produttivo

Gli aromi dei botanical vengono estratti tramite singole infusioni in alcol ispirati da generazioni di raccoglitrici, creando i liquori in piccole partite, per garantire la qualità del prodotto.

“La magia dei Liquori delle Sirene nascono da cuvée assemblate a mano” racconta Elisa Carta.

Acqua pura e zucchero completano il tutto, senza l’aggiunta di coloranti o aromi artificiali.

Dopo un lungo riposo in piccole botti i Liquori delle Sirene sono pronti per essere imbottigliati.

Le componenti botaniche hanno tempi di macerazioni e gradazioni idroalcoliche diverse: gli aromi vengono estratti da materia secca singola per massimizzare la performance estrattiva; le radici – genziana, china, rabarbaro, zenzero – macerano ad una gradazione alcolica più alta, mentre i fiori – arancio, tiglio, gelsomino – e vengono estratti ad una gradazione alcolica più bassa.

Altra estrazione per frutta e bacche – arancia, rosa canina, pepe rosa – che necessitano di tempi più lunghi rispetto alle altre componenti; le erbe e le spezie– camomilla, assenzio, vaniglia Bourbon – hanno tempi e gradazione alcolica d’infusione completamente diverse.

Il blend finale, quindi, deve essere sapientemente dosato per mantenere la giusta proporzione alcolica oltre che organolettica. Tutti i prodotti sono:

• realizzati in Italia
• senza caramello, né coloranti
• con etichette riciclate
• vegan friendly
• gluten free
• 100% senza alcun additivo chimico

 

La leggenda di Liquori delle Sirene

I Liquori delle Sirene prendono spunto da un’antica leggenda: si narra che in una calda notte d’estate alcuni pescatori si riposavano nella baia delle Sirene, riparata dalle onde.

All’improvviso apparvero delle bellissime Sirene che offrirono ai marinai una bevanda che diede loro la forza e il desiderio di tornare subito a casa dalle loro mogli. Da allora, in quella baia, le Sirene ritornano a portare il magico liquore ai pescatori sfiancati dalla potenza delle onde del Lago.

I marinai lo chiamano il Liquore delle Sirene. Le loro mogli, sorridendo, lo ricordarono come l’Elisir d’Amore.

Dalla leggenda alla realtà: oggi i Liquori delle Sirene sono rappresentati anche da un Bitter - il primo bitter dorato a essere lanciato, nel 2015 – e dai bitters da miscelazione (galanga, fiori d’arancia, Mediterraneo, Bloody Mermaid, rabarbaro, China Calisia), un Amaro con un’anima sensuale e femminile, pronti ad affascinare uomini e donne che sono alla ricerca di ciò che è autentico ma al tempo stesso sconosciuto e misterioso. Il Canto Amaro, ammalia con i profumi degli agrumi, incanta con gli aromi speziati di cannella e zenzero, conquista con la morbidezza della vaniglia e dei fiori d’arancio, per poi colpire con un finale amaro che cattura per sempre. Il canto delle Sirene ci invita ad un viaggio dei sensi in un luogo mai visto ma da cui siamo inspiegabilmente attratti.

 

Elisa Carta

Questi successi sono dovuti al lavoro di Elisa Carta. Nata a Vicenza e cresciuta nel verde delle sue campagne, passa un’infanzia tra filari e i frutteti.

Da sempre affascinata dalle erbe e innamorata dei consigli che la nonna raccoglitrice le dava, ha imparato a curarsi o a insaporire le pietanze con le erbe. Decotti di erbe di campo per digerire, infusi di fiori di malva per decongestionare gli occhi, luppolo nell’ insalata, frittelle di fiori di acacia per deliziare il palato. La costante ricerca di cose semplici, senza artifici, l’ha portata alla lettura dei manuali di erboristeria su cui studiava la nonna.

La passione per la natura e i suoi frutti l’ha vista prendere la qualifica di sommelier del vino e dell’olio e ha lavorato in numerose aziende vitivinicole.

Innamorata del lago, dei suoi colori e profumi ha approfondito gli studi in ambito erboristico, studiando il particolare ecosistema del Lago di Garda.

Il Monte Baldo, che si trova sulla sponda veronese del lago è considerato dagli esperti l’ “Hortus Europae” – Giardino d’Europa – per la sua ricchezza floristica, di ambienti e di specie.

Alla passione per gli studi naturali si unisce l’artigianalità, tutto italiana, per la tradizione liquoristica.